CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 8: DISEÑO DE CINE
Curso de Diseño e Ilustración de Moda. Lección 8: DISEÑO DE CINE.
Voy a proponerte un ejercicio en forma de juego, para intentar acercarnos al oficio de Diseñador de Vestuario para Artes Escénicas (cine, televisión, teatro, ópera, ballet…)
DISEÑO + 1 TÉCNICA DE COLOR
Además, para sacar mayor rendimiento al tema 8 y, como a estas alturas del curso, estás dibujando mucho mejor, lo haremos con un técnica específica de color.
Hoy fingiremos ser diseñadores de Vestuario Escénico para cine.; pero si deseas aprender más, hay muchísimos libros, cursos y blogs en Internet esperándote. Yo sigo con interés el blog Vestuario Escénico de Diana Fernández :
es riguroso, rico en contenido (tanto en texto como en imágenes), actualizado con mucha frecuencia y con muchísima información sobre la Historia del Traje, sobre todo aplicado a estas artes escénicas; de modo que, si deseas profundizar en el tema, te animo a hacerlo.
CREA TUS PROPIOS EJERCICIOS
Además, podrás proponerte ejercicios a ti mismo. Por ejemplo, cuando veas una película o tu serie favorita, imagínate cómo habrías vestido tú los personajes si hubieses sido el director de vestuario.
Y da un poco más, salta de la imaginación a un planteamiento más serio y analiza dónde está situada la película: presente, pasado o futuro; en qué ciudades o países está ambientada…
Estudia el personaje. Sus cualidades, estilo, valores, qué lugares frecuenta, cuáles son sus actividades de tiempo libre, nivel económico, académico…
¿PARA QUÉ SIRVE EL ANÁLISIS?
Aprender a analizar personas te será de ayuda cuando necesites focalizar tu público objetivo, tu target; para poder definir sus necesidades y gustos y diseñar adecuándote y ofrecer a tus clientes lo que quieren o lo que crees que podría interesarles.
No siempre tenemos la posibilidad de ir a clase, falta de tiempo o recursos, porque no hay lo que necesitamos en el área geográfica en la que vivimos, etcétera.
Como decía Sócrates, “scio me nihil scire o scio me nescire” (“Yo sólo sé que nada sé”); pero el mínimo de información que tengo sobre Moda, y lo que voy aprendiendo, lo comparto. Este curso ha nacido para esto.
Y quiero que comprendas que, cuando no tengas la posibilidad de ir a clase, de conseguir nuevos ejercicios para practicar, no te quedes sin hacer nada. Invéntatelos. Si amas verdaderamente el Diseño y el Dibujo de Figurines, si eres creativo, siempre encontrarás para quién diseñar.
CENTRÉMONOS EN EL CINE AHORA.
El cine, como bien sabes, es un arte que conjuga muchas otras. El cine es también escritura (guiones), fotografía, música, diseño de vestuario, diseño de decorados, iluminación, maquillaje y peluquería, dirección artística… Se estudia el valor del plano, cómo se mueve la cámara y qué efectos produce en el observador. En muchas ocasiones, el cine no es sólo entretenimiento, sino que tiene una labor más social, intenta hacernos pensar sobre ciertos temas, injusticias o dramas.
El diseñador de vestuario debe conocer técnicas de confección, historia de la moda, materiales textiles, la silueta humana. ¿Por qué? Porque su labor es la de convertir al actor en personaje.
Para ello puede localizar (hay mercado de vestuario para cine y teatro), comprar, modificar o crear nuevas prendas.
Debe dominar así mismo las técnicas de representación gráfica y figurinismo, escenografía, iluminación y psicología del color.
Para el ejercicio de hoy, te dejaré escoger película o serie, época en la que está ambientada y personaje a vestir. Intenta que sea del pasado, para poder investigar un poco sobre la Historia de la Moda. Y si después quieres seguir con el juego, prueba a vestir un actor de cine o televisión actual.
Te guiaré en los pasos que debes seguir, y dispondrás de 15 días para hacer el trabajo, hasta que publique el próximo tema. Así tendrás tiempo suficiente para ver tu película, documentarte, bocetar y crear los figurines con la técnica de color.
Pero antes de ponerte a trabajar, ¿qué te parece si vemos algunas prendas icónicas del cine y conocer algunos diseñadores galardonados?
MILENA CANONERO PARA LA PELÍCULA MARÍA ANTONIETA.
Dirigida por Sofia Coppola, con Kirsten Dunst como protagonista en el papel de la reina de Francia Marie-Antoinette. La famosa diseñadora de vestuario Milena Canonero ganó un Oscar por su fantástico trabajo. El vestuario tiene un papel protagonista en la cinta. La película se sitúa en el siglo XVIII, en el Palacio de Versalles, durante el convulso período de la Revolución Francesa, con un rey absolutista y una aristocracia que disfrutaba del lujo y un pueblo que vivía en la miseria.
AMBIENTE DULCE
María Antonieta está vestida al estilo Rococo, con tonos pastel, grandes volúmenes, pelucas y maquillajes empolvados, abanicos y plumas.
Manolo Blahnik fue el diseñador de los zapatos. Y como toque divertido, y para enfatizar el aspecto aniñado de la reina, aparecen unas All Stars de Converse en una de las escenas.
Los dulces (tartas, pasteles… ) tienen también gran importancia. La célebre pastelería Ladurée de Paris, (conocida por sus macarons, sus chaussons aux pommes…) elaboró piezas de repostería para la película.
El diseño de las salas, el de vestuario junto a la confección de los dulces y la interpretación de Kirsten Dunst crean el ambienta aniñado que la directora quería mostrar, ya que María Antonieta llegó de Austria a Versalles siendo una niña.
DATO EXTRA: ¿Sabes quién era Rose Bertin? Cuando acabes la lección haz click en este enlace. Creo que te gustará.
La Revolución Francesa fue un momento de muchos cambios en el vestuario de la población, como el comienzo del uso del pantalón, por parte del pueblo, los sans-culottes, para separarse de las mallas que utilizaban las clases altas.
La ropa se utilizó como elemento de protesta, de pertenencia a un grupo que reivindicaba derechos de igualdad.
Si te interesa ampliar tus conocimientos sobre cómo la moda se ha utilizado para reclamar igualdades, busca en Internet o libros, o escríbeme a esta dirección de correo mariagondar@cruzcostacostura.com, y estaré encantada de compartirte enlaces de interés.
CHRISTIAN DIOR.
Comenzó como diseñador para cine, participando en 8 películas antes de sacar su primera colección. (Haz click para más información)
Realizó, por ejemplo, el vestuario de Marlene Dietrich en ‘Stage Fright’ (1947), de Alfred Hitchcock,
MARC BOHAN PARA DIOR.
Tras la muerte de Christian Dior en 1957, le sucedió Yves Saint Laurent, quien no llegó a encajar en la marca, por ser rompedor e innovador y salirse de las siluetas ceñidas y cortes de la Casa Dior. En 1958 fue destituido y entró Marc Bohan, quien, a pesar de no ser tan célebre como otros, estuvo casi 30 años al frente de la firma y quien debutó en 1961.
Si no has visto Arabesque (1966), de Stanley Donen, con Sofia Loren y Gregory Peck, te la recomiendo. Bohan vistió de lujo a Sofia Loren en esta película, y sumado a la interpretación de dos grandes del cine, a la arquitectura que se muestra en la película, es un clásico más que recomendable.
IRENE SHARAFF
Fue la diseñadora de vestuario de Elizabeth Taylor en Cleopatra.
DAN LAWSON PARA THE GOOD WIFE Y THE GOOD FIGHT.
Tanto para la finalizada serie The Good Wife como para la actual The good Figth, Dan Lawson, diseñador de televisión muy apreciado, es el jefe de vestuario. Es el rey de las working girls de lujo. Soy admiradora del personaje Diane Lockhart, interpretado por Christine Baranski, y de las prendas que luce.
Es una serie de abogados en cuya cabecera hacen estallar el famoso bolso Birkin de Hermès.
Dan Lawson crea y utiliza también vestuario de otras marcas, como Fendi o Karl Lagerfeld.
Como te explicaba anteriormente, el jefe de vestuario también puede adquirir prendas de otros. Sin embargo, como veremos a continuación en el apartado dedicado a los Premios Oscar, verás que para ganar uno es necesario que el diseñador principal haya concebido la indumentaria.
PREMIOS OSCAR.
El Oscar al Mejor Diseño de Vestuario se otorga desde 1949, a las películas filmadas en 1948. En principio había dos categorías: color y blanco y negro; hasta que se fusionaron en 1967.
El vestuario debe ser concebido por un diseñador. Y las nominaciones son para el diseñador o diseñadores principales. Las 5 películas más votadas se convierten en nominadas.
Edith Head fue la diseñadora más galardonada. En 1974 consiguió su 8ª estatuilla, y para 1978 contaba con 35 nominaciones en su curriculum.
Edith Head inspiró el personaje de Edna Moda de la cinta animada Los Increíbles.
Algunos de sus vestidos más icónicos se vieron en películas como:
–Sabrina, con Audrey Hepburn, en colaboración con Givenchy.
Imagen de Pinterest
-Recuerdo de una noche, vistiendo a Barbara Stannyck
-La ventana indiscreta, con vestidos para Grace Kelly
-Vértigo, con el famoso vestido negro de Kim Novak
Las más galardonadas vivas son Milena Canonero (antes mencionadas por su trabajo en María Antonieta) y Collen Atwood, ambas con 4 premios.
TUS EJERCICIOS.
A continuación dejo un PDF descargable de dos páginas, para guardar o imprimir.
Haz click sobre la imagen para descargar el ejercico
En la primera verás las indicaciones para realizar tu ejercicio de Diseño de Cine. Todos los pasos que debes seguir.
En la segunda, la técnica de aplicación de color que vamos a utilizar hoy. Imprímela y guárdala, o apúntala en un cuaderno. Sería interesante ir guardando las diferentes técnicas que vamos a ir viendo durante el curso. Sin embargo, recuerda que tú eres quien manda. Como en todas las disciplinas artísticas es importantísimo conocer los métodos y materiales que hay, saber aplicar color y crear texturas, luces, sombras, brillos, que provoquen emociones.
Veremos cómo colorear con rotuladores (marcadores), lo combinaremos en ocasiones con lápices de color, lápices tipo pastel, acuarelas, esmaltes, rotuladores finos calibrados para perfilar y enfatizar…
Cuando tengas todo este conocimiento, escogerás libremente cómo dar color, qué siluetas utilizar, cómo mezclar las técnicas a tu antojo para conseguir expresarte.
Trabaja mucho y nos vemos en la siguiente lección; pero antes de que esto se acabe, te dejo un adelanto y también uno de los trabajos de uno de los compañeros que está siguiendo el curso (¡Gracias, Luis Daniel Fer Fermín, por tu constancia y esfuerzo!)
Como adelanto, piensa en tu cantante preferido. Da igual hombre o mujer. En los diseños que lleva durante sus actuaciones. Trabajaremos sobre esto en la Lección 9.
READ MORE
CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 7: EL COLOR.
EL COLOR EN EL DISEÑO DE MODA
En primer lugar, ¿qué tal te ha ido en la lección anterior de Morfología aplicada al Diseño de Indumentaria? Espero que hayas sacado provecho de ella y que empieces este nuevo tema con ganas, ya que no es menos importante.
Un diseñador debe conocer las sensaciones que producen los colores. Tanto si se dedica al mundo de la moda, como al diseño industrial, gráfico, si es un decorador… La elección condicionará la percepción que se tenga de su producto o creación final.
Diseño realizado con una alumna, inspirado en los colores y la textura de plumas de un tucán.
Como siempre, al final de este post, podrás descargarte tus ejercicios, siguiendo los puntos desarrollados.
¡Arrancamos!
¿QUÉ ES EL COLOR?
Nos estimula, nos da energía, nos alegra, nos pone tristes, nos agobia, nos da sensación de calor o de frío, de frescura, de contacto con la naturaleza.
La gama de amarillos, naranjas, rojos son colores cálidos, que nos recuerdan al sol, al fuego, al corazón (pasión, amor).
Los azules, turquesas, blancos… son colores fríos que asociamos a la nieve, al agua, al mar, la humedad, la frescura…
Los verdes y marrones nos transportan a la naturaleza: plantas, jardines, campo, madera, verduras, salud, vida sana, natural…
Sin embargo, a pesar de pertenecer a un grupo determinado, un color puede dar la sensación contraria, según la proporción de mezcla que lleve de otros colores. Por ejemplo: un azul, color frío, puede dar la sensación de calidez, según la proporción de amarillo (cálido) que lleve en su mezcla.
“SIEMPRE TENGO LA ESPERANZA DE ENCONTRAR ALGO ALLÍ DENTRO, EN EL ESTUDIO DEL COLOR” (Vincent Van Gogh)
BLANCO: simboliza la pureza, la paz, la inocencia, el optimismo. Purifica la mente.
NEGRO: el negro representa la elegancia, el poder, la autoridad. Es clásico, conservador, misterioso.
SIGAMOS ANALIZANDO ALGUNOS COLORES:
AMARILLO LIMÓN: al ser amarillo es estimulante mental. Expresa luminosidad, innovación. Da mucha fuerza. Y contiene un refrescante y ácido toque verde, que suscita bienestar.
AMARILLO INTENSO: es estimulante mental. Expresa luminosidad, innovación. Da mucha fuerza.
NARANJA: expresa el entusiasmo, suscita energía, vitaminas, alegría. Representa la pasión como el rojo, aunque es más juvenil y divertido.
ROJO: lo asociamos a pasión, amor (es el color de la sangre), seducción, energía, pero también peligro, a la prohibición.
VERDE MENTA: posee el vínculo del verde con la primavera, naturaleza, la ecología, con la esperanza, curación, la vida sana y la armonía. También la frescura intensa de la menta, lo que lo hace útil para el agotamiento. Revitaliza el espíritu.
AZUL CARIBE: este turquesa es refrescante, relajante. Evoca limpieza, descanso, paraíso. Deja atrás los agobios, por eso es recomendable para el estrés y el cansancio.
AZUL MAR: al ser una mezcla de dos colores contiene la frescura, limpieza y frío del azul, y la vinculación a la naturaleza, a lo ecológico y a la armonía, la vida sana y el bienestar del verde. Simboliza la tranquilidad, el éxito, la autoridad y la inteligencia, la esperanza y el equilibrio emocional. Tranquiliza la mente, disipa temores.
AZUL COBALTO: también llamado azul noche y evoca el mar, el cielo, la noche, el aire y el agua. También el espacio, la lejanía, el infinito. Color del conocimiento y la serenidad.
LAPISLÁZULI: es un azul muy intenso, vivo, fresco, asociado a la parte intelectual. Frío, lo que ayuda a que las personas se sientan relajadas y tranquilas. Es el color de la confianza y simpatía. Simboliza la fidelidad y la utopía.
AZUL MARINO: evoca el mundo náutico, se vincula a lo clásico, sofisticado, serio, formal, aunque más relajado que el negro, y por eso es muy utilizado en ambientes de trabajo. Además, como los tonos beige o arenas, combina con casi todos los colores.
MASCULINO Y FEMENINO, ¿QUÉ OPINAS?
CAFÉ: color que representa la tierra, la naturaleza, la madera, lo rústico. Da calidez y neutralidad. Se asocia a la masculinidad y a la humildad. Es severo y confortable. Se asocia con la resistencia, la confianza.
GRIS CEMENTO: el gris es un color neutro, asociado a la estabilidad, la creatividad y simboliza el éxito. Es el color de la reflexión, la objetividad, el intermedio entre blanco y negro. La materia gris del cerebro se asocia al procesamiento de la información, al razonamiento. Es el color de las canas, la madurez y serenidad. Nos recuerda al cemento, la construcción…
LAVANDA: el color del equilibrio, del romanticismo, la imaginación, el capricho y la fantasía.
PÚRPURA: el color del lujo, la sofisticación, la ambición. Tiene propiedades opuestas de la mezcla de rojo y del azul: la calidez y energía de uno y la estabilidad y el frío refrescante del otro. Es el color de la sensualidad.
ORO: representa la fortaleza y el poder.
ROSA: vinculado a la feminidad, a la dulzura, el cariño, amor y protección. Es suave. Es el color del plumaje de los flamencos. También el color de lazo usado para crear conciencia del cáncer de mama.
FUCSIA CLARO: expresa energía, expresividad, personalidad, ya que es un color atrevido. Incita al lado artístico. Es vital y alegre, divertido.
FUCSIA INTENSO: expresa energía, expresividad, personalidad. Incita al lado artístico. Es vital y alegre, divertido. Representa la pasión profunda.
EL COLOR EN MODA
¿Quién escoge los colores de temporada?
Desde el año 1960, aproximadamente, varios grupos de especialistas se reúnen para escoger esos colores que se convertirán en tendencias de moda. Por ejemplo, dentro de la empresa PANTONE (fundada en New Jersey en 1962), directivos y unos 40 expertos, que realizan una investigación sobre películas que se están rodando, videoclips, arte, colores importantes en ese momento para grandes empresas… Juntos escogen una familia de color, hasta llegar a un color concreto, al que le dan nombre. Esta elección influirá no sólo en Moda, sino también en las imágenes corporativas de muchas empresas, en publicidad, maquillaje, equipaciones deportivas…
El color escogido para este año 2019 ha sido el Living Coral.
¿Es todo esto importante?
Reflexiona en lo siguiente: cuando la gente quiere saber qué tendencias vendrán para las próximas temporadas, ¿qué suele preguntar en primer lugar?
“¿Y QUÉ COLORES SE VAN A LLEVAR ESTA TEMPORADA?”
¿Ves? Eso te da una respuesta a la importancia de la selección de colores.
Sin embargo, no es algo obligatorio. Como creador, es tu elección seguir tendencias o utilizar los colores que te apetezcan, en función de tus gustos, de tu imagen de marca, de las preferencias de tus clientes, de cómo te sientas en el momento de crear…
EJERCICIOS:
1. Como primer ejercicio, te propongo analizar un color.
Escribe en una hoja un esquema o crea un collage con imágenes, conceptos, emociones, animales, plantas, piedras preciosas, paisajes, etcétera, vinculados a él.
A modo de ejemplo he analizado el color rosa estándar. Haz click sobre la imagen para descargarla.
Y este panel nos servirá como inspiración para crear una prenda:
Vestido inspirado en una Dama del Bosque, con sobrefalda de pétalos.
MEZCLA DE COLORES:
2.- Como segundo ejercicio, te propongo crear ahora una pequeña colección: 3 ó 4 piezas. Escoge un tema o inspiración y crea una gama o paleta de color. Pueden ser colores de la misma gama, aunque te animo a mezclar, arriesgándote un poco. La mini-colección puede ser parte de una colección crucero, ropa para oficina, unos uniformes para una empresa, trajes de noche o gala, lencería, trajes de baño… Lo que más te apetezca.
Como estás iniciándote en esto, no te recomiendo hacer una carta demasiado grande. Escoge entre 3 y 6 colores. Por ejemplo, si te inspiras en un pintor, escoge algunos de sus colores más representativos, o los que se muestren juntos en una obra.
Puedes entrar en la web de Pantone y escoger tonos, apuntando sus nombres y códigos.
AYUDITA EXTRA:
Te dejo un par de galerías de imágenes como inspiración, para que veas cómo se pueden seleccionar colores de formas muy sencillas, aunque a estas alturas del curso, seguro que ya has cogido soltura y ya sabes cómo buscar inspiración.
PALETA DE COLOR 1: LA HABANA (CUBA)
¡Imagínatelo! Con esta paleta de color podrías crear una colección de vestidos veraniegos, ropa de deporte, los vestidos para tu cantante preferido, que, por ejemplo, podría rodar un videoclip en esta ciudad.
Busca siempre opciones, crear de forma diferente, para personas distintas. Aunque en un futuro te dediques a un público en concreto, está bien dejar volar la imaginación durante el aprendizaje, analizar otros mundos y descubrir tu creatividad, desafiar tu potencial como diseñador.
PALETA DE COLOR 2: DULCES ITALIANOS
Intenta, ahora, buscar ahora tu propia gama. Ya ves que puedes encontrarla en cualquier parte: en una poesía, en una ciudad, en la cocina de tu región, en una tribu exótica (busca imágenes de las tribus del Valle del Omo en África, o la tribu Himba, de Asia o del Amazonas…)
Y, finalmente, descárgate la ficha de ejercicios haciendo click en la siguiente imagen.
Y envíame a esta dirección de correo los ejercicios que te desees comentar o corregir:
mariagondar@cruzcostacostura.com
Como adelanto del próximo tema,
nos pondremos en la piel de un diseñador de vestuario escénico.
Si tienes alguna película favorita de época, te animo a verla con otros ojos, dándole importancia al Diseño de Vestuario y a la Historia del Traje. Trabajaremos sobre eso.
Mientras tanto, ¡CONCÉNTRATE EN EL COLOR, Y DEJA QUE TE INSPIRE!
Un saludo.
María Gondar.
READ MORE
CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 2: CANON, MOVIMIENTO Y CONTRAPPOSTO
Curso de Diseño de Moda: ilustración de figurines 2: canon, movimiento y contrapposto.
Con los figurines desnudos descargables que encontrarás al final de la lección, podrás diseñar y dibujar prendas como ésta. Y con herramientas como Adobe Illustrator o Photoshop, podrás dar más fuerza al fashion sketch, añadiendo marcas de agua, colores, estampados, tu logo…
¡Comencemos!
¿Qué vamos a tratar en esta lección?
Nos centraremos en 3 puntos claves para hacer un buen figurín:
1º DIFERENTES CÁNONES PARA FIGURINES: 8, 9, 10 y 12 cabezas de altura. Con una FICHA DESCARGABLE GRATIS PARA IMPRIMIR (figurines de 8, 9 y 12 cabezas + hojas de ejercicios)
2º FIGURÍN DINÁMICO VS FIGURÍN ESTÁTICO: EN EL MOVIMIENTO ESTÁ LA FUERZA DE TU DIBIJO.
2º QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO. (Con figurín descargable para imprimir).
Y combinaremos estos puntos de ilustración de moda con un poco de Historia del Arte, porque mi intención, es que además de aprender a dibujar, adquieras algo de conocimiento sobre el tema, para enriquecer tu trabajo.
Estoy segura de que, el darte algo de información, te llevará a querer conocer más, a investigar.
Como futuro diseñador de moda o ilustrador NECESITAS ir llenando una especie de cajonera imaginaria en la que almacenarás en un cajón, por ejemplo, las diferentes formas del cuerpo humano; en otros, las técnicas de dibujo, los tipos de prendas y sus cortes, pinzas, aperturas; los diferentes tejidos y cómo dibujarlos; la historia de la moda y de su ilustración… etc. Y hay un cajón, que es muy importante que es el de la inspiración: en él irás guardando todo lo que aprendas, leas o veas sobre arte, naturaleza, historia, tecnología, ciencia, investigación, ecología, diseño, artesanía, y que servirán de base para crear tus diseños.
Cuando te sientes a diseñar, sabrás a dónde dirigirte, tendrás la capacidad de sacar provecho de todo ese conocimiento adquirido, de los temas que han llamado tu atención, de los detalles que te han parecido fantásticos, etc.
Y si, además, quieres ser un buen ilustrador, es fundamental que domines la forma del cuerpo humano. Como ya sabes, ha sido objeto de estudio desde la Antigüedad; así que te animo a que tú también la estudies: alturas, proporciones, formas de manos y pies en las diferentes poses, movimientos… Hoy comenzaremos con los 3 puntos arriba mencionados, y te animo a descargar e imprimir las fichas para poder practicar.
1.- ¿QUÉ ES EL CANON DE PROPORCIONES?
Canon es un modelo o prototipo que reúne las características que se consideran perfectas en su género; o sea, que el Canon referido a la figura humana, se trata de un cuerpo que reúne las proporciones ideales.
Los antiguos egipcios tomaban el puño de la mano como módulo para todo el cuerpo. Un cuerpo debía tener 18 puños de altura, desde los pies hasta la mitad de la frente. A partir del siglo VII a. C. este canon se amplió a 21 puños, estilizando más la figura.
En Grecia, Policleto estableció las proporciones ideales, utilizando una medida o módulo, que fue la cabeza. Determinó que la medida de 7 cabezas era la altura ideal de un cuerpo humano. Lisipo alargó la figura hasta las 8 cabezas.
El renacentista Miguel Ángel, utilizó un canon de 7 cabezas y media; y Leonardo Da Vinci, uno de 8 cabezas: el conocido hombre de Vitruvio. Leonardo desarrolló un canon artístico a partir de estudios antropométricos, teniendo como referencia el libro “De Arquitectura”, del arquitecto romano Vitruvius; que, a su vez, se inspiraba en el canon de Eufranor, discípulo del mencionado Policleto.
El pintor Durero empleó una altura equivalente a 9 cabezas en su obra Adán y Eva, que podrás encontrar en el Museo del Prado de Madrid.
¿Qué canon de proporciones debes emplear para el diseño y la ilustración de Moda?
A no ser que en tu escuela, universidad, etc., te indiquen lo contrario, la elección de la altura y proporciones de un figurín, es libre para el diseñador/ilustrador. Tú decides cómo quieres dibujar, qué deseas expresar y provocar; aunque para la ilustración de moda, debes tener en cuenta algunos puntos importantes. Veamos:
La intención de un buen figurín debe ser transmitir cómo será la prenda una vez confeccionada, que se entiendan perfectamente sus cortes, tejidos, pinzas… Debe ayudar al patronista o modelista para continuar el trabajo, o para que un cliente final entienda cómo va a sentarle esa prenda que le han diseñado. La ropa (sus pinzas, cortes, pespuntes, cremalleras… ), accesorios o complementos que se muestren deben, por tanto, debe quedar bien definidos, claros. O sea, que si en un maniquí de espalda, dibujamos un pelo larguísimo, que tapa toda esa parte de la prenda, y resulta incomprensible cómo está diseñada, el trabajo no servirá de mucho. Puedes añadir notas con flechas sobre cómo irá confeccionada, al igual que dibujar pequeñas ampliaciones de alguna parte de la prenda que precise de mayor definición o detalle.
2.- ¡HAZ QUE SE MUEVA!
La expresividad y fuerza de tu dibujo depende del movimiento que consigas transmitir.
Es importantísimo que sea dinámico. Si comparas un maniquí estático, con uno en movimiento, la diferencia es abismal. Tanto la ilustración como la prenda ganan. Un maniquí rígido, convierte a una ilustración en una ficha técnica. Un figurín de moda es, en gran parte, un trabajo artístico, y no sólo técnico. No tiene que ser 100% real o veraz. Puedes dejar volar tu creatividad. Si conoces la obra de algunos ilustradores, los cabellos de sus figurines son como de personajes de dibujos animados, pueden llevar ojos pero ni boca ni nariz, o sólo llevar unos labios y el resto de la cara en blanco, puedes colorearlos por completo o dar sólo unos sutiles toques de color, sombras y luces…
Pero todos coinciden en algo: sus maniquíes están posando como modelos, o simulan estar caminando en una pasarela. Nunca los dibujan de frente, de brazos caídos y piernas rectas y paralelas.
Debe ser libre. Disfruta de tu libertad creativa e intenta hacer tus propios cuerpos y caras.
Si se trata de ilustración de moda para un cliente final, puedes incluso adaptar el diseño a la forma de su cuerpo. Veremos más adelante una lección sobre morfología humana aplicada al diseño de moda.
Adjunto a la lección de hoy, voy a dejar 4 maniquíes descargables para imprimir, con las proporciones de 8, 9, 10 y 12 cabezas. Búscalo al final de la lección.
3.- ¿QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO?
El contrapposto es una palabra italiana que designa a la manera de oponer armónicamente las partes de un cuerpo, cuando unas están en tensión o movimiento, sus simétricas permanecen en reposo. Una pierna está fija en el suelo y la otra adelantada, al igual que los brazos. Al descansar el peso del cuerpo sobre una pierna, tanto la línea de los hombros como la de la cadera, dejan su posición horizontal.
Se utilizó en escultura griega, pintura y también se aplica en el dibujo de figurines de moda. En la imagen que veíamos al principio del Doríforo de Policleto, puede apreciarse esta técnica.
Doríforo de Policleto en Contrapposto.
En la próxima lección veremos cómo ilustrar diferentes tejidos y transparencias. Como avance, la siguiente imagen.
Se trata de un vestido que combina tejido liso gris, tartán de cuadros violeta, gris y rosa y rejilla en las partes transparentes de la cintura. En la próxima lección veremos cómo representar diferentes tejidos y transparencias. Te espero.
READ MORE
HISTORIA DE LOS DESFILES DE MODA.
El “universo” de los desfiles es también infinito y está en constante movimiento. Ya no se trata solamente de modistos y clientes: “actúan otras fuerzas”. Repasemos ahora la Historia de los desfiles de moda:
Las pasarelas son eventos sociales en los que mucha gente quiere ser vista, tanto o más que ver. Algunos se han convertido en espectáculos mundialmente conocidos, como el Victoria’s Secret, donde sus “ángeles” son ídolos de masas.
LOS DESFILES EN LAS RRSS Y EL STREET STYLE DE LAS FASHION WEEKS
Durante las diferentes semanas de la Moda de las distintas capitales, las redes sociales de imágenes, (como Instagram, Pinterest), se llenan de un sinfín de imágenes de fotógrafos compartiendo el street style que circula entorno al evento. El espectáculo traspasa las paredes del recinto, salón o palacio donde se realiza la pasarela: redactores y editores de moda, actores, cantantes, artistas, etcétera, que acuden a los desfiles; bloggers e influencers por las calles con looks llamativos, buscando seguidores y marcas que quieran vestirlos con sus diseños.
En este artículo vamos a recordar cómo empezó todo, de qué formas han ido evolucionando o qué tipos diferentes de desfiles existen, además de mencionar algunas de las pasarelas más originales, polémicas o importantes.
PRIMEROS DESFILES:
Cuando pensamos en el origen de la alta moda, a todos se nos viene a la cabeza, París. No nos equivocamos, y aunque de esta ciudad también se trate esta vez, es a dos británicos a quien debemos los primeros desfiles:
1.- Charles Frederick Worth nace en Inglaterra en 1825. Comienza como aprendiz en mercados de tejidos donde adquiere grandes conocimientos. Visita la National Gallery, estudiando los retratos históricos, que posteriormente influyen en sus creaciones como diseñador. Se traslada a París a los 20 años, donde comienza como vendedor y pasa a ser modisto. En 1858 consigue fundar, junto a su socio Otto Bobergh, su propia firma. Su manera de crear moda rompe con lo hecho anteriormente. Hasta ahora, el modisto, un artesano, trabaja según los deseos y pedidos de la clientela, bajo pedidos. Worth, sin embargo, crea sus propias colecciones.
SUS DESFILES
Escoge un tema y lo declina, desarrollando muchos modelos bajo ese mismo argumento. Es un artista. Lo presenta en salones lujosos, con puestas en escena, y las clientas pueden solamente escoger colores y tejidos. Nace con él el concepto de moda de estación. Worth contribuyó también al nacimiento de la Chambre Syndicale de la Haute Couture (1868), asociación que aún a día de hoy supervisan quiénes pueden utilizar la etiqueta de alta costura, y cuántas prendas debe presentar cada casa durante los desfiles.
Worth. Imagen obtenida de Wikipedia.fr
2.- Otra británica: Lucy Duff Gordon (Londres, 1864- Putney, Londres, 1935). Llegó a ser muy conocida por la polémica surgida tras haber sobrevivido al naufragio del Titanic con su segundo marido, ya que huyeron en un bote salvavidas casi vacío, con doce personas, cuando tenía capacidad para cuarenta, y no volvieron a por más gente. Pero, volviendo a la Historia de las Pasarelas, y pese a este incidente, es preciso recordarla, porque, además de “descorsetar” a las mujeres de la época, -tanto para vestidos, como aligerando la ropa interior-, y de hacer de Lucile primera marca global,-con sucursales en Londres, New York, Chicago y París-, fue la primera en organizar desfiles modernos, en su tienda de París, pidiendo a sus maniquíes poses dramáticas.
Lucy Duff Gordon. Imagen obtenida de Wikipedia.fr
INTERNACIONALIZACIÓN.
A partir de los años 20, comienzan las performances artísticas en los desfiles, incluyendo música, baile, iluminación y decoraciones espectaculares. Las pasarelas se consolidan, gracias a Coco Chanel, Paul Poiret… y profesionales de la moda de todo el planeta acuden a los desfiles. Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundia, los expertos estadounidenses no pueden viajar a París, con lo que Eleanor Lamber (Indiana, 1903-2003) creó en 1943 un evento llamado “La Semana Editorial” (Press Week), que derivó en la actual New York Fashion Week, y que sigue siendo una de las pasarelas más reputadas del mundo.
Década de los 60
Courrèges, Paco Rabanne, apuestan por puestas en escena más conceptuales.
80’s
Thierry Mugler realiza desfiles extravagantes y ostentosos, para él la comodidad no era, en absoluto, una prioridad. Se inspiraba en la ciencia ficción, los cómics…
90’s
Es la época de las Top Model o Supermodelos. Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Naomi Campbell, vivieron una auténtica época dorada, convirtiéndose en símbolos de la moda de la década. Eran ellas y los diseñadores.
Final de siglo XX: la corriente minimalista llega también a las pasarelas.
Sin embargo, las puestas en escena han aumentado de valor, llegando a millones de euros en las firmas de lujo, donde en cada presentación trabajan cientos de personas.
Alexander McQueen (Lewisham, 1969 -11 de febrero de 2010), además de sus indiscutibles habilidades para el diseño y el corte y confección, crea espectáculos artísticos, teatrales, provocadores.
Hago una pausa en este resumen cronológico, a propósito de esta última frase, para aclarar que, al ser esto un repaso a la Historia de la Moda, no profundizaré en el tema de las provocaciones, en los debates sobre si todo vale, si todo lo que es polémico es sinónimo de creativo. Tampoco escribo hoy sobre la delgadez extrema mostrada en muchas pasarelas y cómo influye en la sociedad. Sin embargo, como son temas actuales, debates abiertos y además entiendo este blog como un espacio para compartir información, aprender y reflexionar, invito, a quien lo desee, a opinar, comentar, proponer, corregirme o enriquecer los textos. Como cualquier expresión creativa, sea arquitectura, arte, escritura, artesanados, la moda crea debates y reflexiones muy interesantes.
ALGUNOS DESFILES HISTÓRICOS:
CHRISTIAN DIOR
1947: en plena reconstrucción tras la Segunda Guerra Mundial: Christian Dior presenta su New Look (ver post “Mamá, ¿de dónde vienen los tailleurs?”) volviendo a la feminidad y el chic del siglo anterior, olvidando las “mujeres soldado”, los looks espartanos.
COURREGES
1964: Courrèges presenta la minifalda de PVC, en su colección “The Moon Girl”, con modelos que bailan y saltan.
YVES SAINT LAURENT
Yves Saint Laurent se propone en el 66 democratizar la moda, y que las mujeres puedan llevar pantalones.
ALEXANDER MCQUEEN
1996: bajo el título Highland Rapes (Violación de las Tierras Altas), el citado anteriormente, Alexander McQueen, revisa, a su modo, la explotación de Escocia por Gran Bretaña, con modelos vestidas en tartán, con el pecho descubierto, pantalones de tiro muy bajo, asomando las nalgas…, lo que además de muchos enfados, le cuesta ser tratado de misógino y de hacer apología de la violación. El creador se justifica diciendo posteriormente que la gente lo interpretó mal, y de lo que él quería hablar era de la “violación” de Escocia.
MARC JACOBS no podía falta en esta “Historia de los desfiles de moda”
Normalmente, cuando alguien se despide de una empresa para emprender o retomar un proyecto personal, lo enfoca de una manera muy positiva, pensando en nuevos caminos, puertas y ventanas que se abrirán a su paso, recordando los momentos pasados de una forma alegre, hasta lo duros, que se han transformado en experiencia y han forjado el carácter.
Jacobs plantea su despedida de una forma sorprendente. En vez de hacer metáforas con nuevos caminos, lo hizo con algo que muere y se entierra. Pero, si bien el escenario es negro, la música propia de un funeral, la elección de los elementos decorativos que evocaban París (carrusel, fuente, hoteles históricos…), provocan en el espectador dulzura. Convierte un funeral en algo bello, en un homenaje sofisticado a los buenos momentos.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Este último desfile de Marc Jacobs para Louis Vuitton, correspondiente a la Primavera/Verano 2014, se presenta en la mañana del 2 de Octubre del 2013 en el Cour Carré del Louvre.
¿ASISTENTES?
Entre los asistentes, mujeres muy importantes en la carrera del diseñador: Betty Catroux, Anna Wintour, Kate Moss…
Marc Jacobs declaró dedicar esta colección “a las mujeres que me inspiran y a la showgirl que hay en cada una de ellas”, y en su nota incluyó 35 nombres, entre los que se encontraban Coco Chanel, Miuccia Prada, Barbra Streisand, Edith Piaf, Juliette Greco o Lady Gaga.
DECORACIÓN
Si bien la carpa es rosa palo, el interior ers completamente negro.
Tanto las decoraciones como las prendas son negro azabache.
Los elementos decorativos pertenecen a desfiles pasados, y son pintados en este color, a modo de retrospectiva, de homenaje funerario. Están:
• La fuente del Otoño/Invierno 2010.
• El pasillo del Gran Hotel del Otoño/Invierno 2013.
• El ascensor y los ascensoristas del Otoño/Invierno 2011
• El reloj de la estación de tren del Otoño/Invierno 2012
• Las escaleras mecánicas de la Primavera/Verano 2013
• El carrusel de la Primavera/Verano 2012
ENLACE A YOUTUBE DEL DESFILE DE MARC JACOBS
EL POR QUÉ DE MI SELECCIÓN:
Como explicaba al principio de este texto, la cantidad de pasarelas espectaculares, tanto por la teatralidad de su puesta en escena, como por la calidad y creatividad de las propuestas, aunque se trate de pasarelas discretas, austeras, pequeñas, en un pequeño salón, es muy extensa. Pero es preciso resumir, escoger, y me he limitado a mencionar algunas muy célebres, por su impacto en la sociedad.
COMENTA TUS DESFILES FAVORITOS
Espero que hayas disfrutado con la lectura de la Historia de los desfiles de moda de Charles Frederick Worth hasta hoy
Te invito también a comentar qué tipo de pasarelas prefieres, los grandes eventos en los que además de moda hay música, decoración, arquitectura, teatro, basados en un tema, con evocaciones operísticas, a la naturaleza, al circo…, o los pases privados con ese encanto de casa de modas de París, de exclusividad, a los que han vuelto casas como Carolina Herrera, Óscar de la Renta, y que también utilizan otros diseñadores de lujo como George Hobeika.
María Gondar para El blog de Cruz Costa Costura.
READ MORE