ENTREVISTA A ANA ABELLEIRA, “ANA RED MOON”
Dicen que si quieres llegar rápido, camines solo; pero si quieres llegar lejos, lo hagas en grupo.
Me encanta trabajar en equipo. Ana no trabaja conmigo, no está literalmente en mi equipo; sin embargo, la siento como compañera. Desde que iniciamos camino profesional, que hacemos a solas o acompañados, nos vamos encontrando con personas en situaciones parecidas a las nuestras, o que conocen en qué momento nos encontramos, y empatizan con nosotros, porque lo han vivido anteriormente, y deciden echarnos un cable, aconsejarnos, contarnos sus trucos, secretos, animarnos…
El ser humano necesita contacto, sentirse comprendido o que parte de algo, de un grupo; compartir errores, fracasos, derrotas, éxitos…
He decidido crear un apartado en el Blog, para entrevistar a compañeros y compartir qué hacen, quiénes son, y quiero que Ana sea la primera. ¿Por qué? Nos conocimos durante unos cursos para novatos profesionales -le tengo manía a la palabra emprendedor, porque se ha usado tanto, que creo que ha perdido su significado real-. Se dedica también a la Moda.
Sin apenas conocerme, decidió compartir mi trabajo en redes sociales, en sus Historias de Instagram, para ayudarme a promocionarme. Y no lo hace sólo conmigo. Ana, arañita -es un encanto-, está tejiendo su red de contactos, creando equipo. Nos avisamos de concursos, eventos, noticias que pueden ser de interés para la otra…
No siempre es así: algunas personas guardan en secreto hasta las mayores tonterías de sus negocios, como si de la receta de la Coca Cola se tratase. Recuerdo una vez que pregunté a alguien dónde hacía las etiquetas con las indicaciones de lavado y planchado de las prendas, porque no tenía ni idea, y después de una par de excusas absurdas,no me lo dijo. Como si el éxito de su marca se debiese al secreto de quién le fabricaba las etiquetas de “lavar a mano” y “no planchar”. Por eso encontrarse con personas que comparten, es siempre una alegría.
Quería darle las gracias por ser ese tipo de persona que cree en la colaboración, en que de la mano somos más fuertes, y he pensado que le voy a dejar un espacio permanente en la web, con esta primera entrevista, y que nos cuente qué hace y por qué.
Antes de empezar, sólo decir que hace unas camisetas pintadas a mano muy chulas.
¿Cuándo descubriste tu vocación por el Diseño de Moda?
Mi vocación por el diseño de moda nació hace 7 años, más o menos. Desde pequeña siempre fui creativa.
¿Qué significa para ti el diseño?
Para mí es una forma de comunicación, para transmitir y liberar lo que llevas dentro. Es una manera diferente de expresar lo que sientes.
¿Eres creadora/artista diurna, nocturna… ?
Soy creadora diurna. Soy muy de despertar temprano y ponerme en marcha xD.
¿Y cómo te organizas?
Primero hago lo que me encargan, si tengo, claro; si no, lo que me apetece hacer o crear en cada momento.
Muchas veces se asocia la actividad de los creativos a horarios desordenados, caóticos, sin rutinas, pero en realidad no es lo común. Puede que las horas de trabajo de los creadores se alarguen y ocupen la noche o los momentos de descanso; pero no por una metodología caótica. ¿Qué opinas?
Por mi parte no soy desordenada ni caótica; quiero acabar el trabajo lo antes posible, de ahí que a lo mejor eche más tiempo y parezca que los tiempos no sean siempre iguales.
Además del diseño de Moda, ¿Qué otras actividades te interesan? Me interesa el mundo del maquillaje y la caracterización, también me encanta cocinar, sobre todo, hacer postres.
Mmmm, a mí también, ¿cuál es tu especialidad repostera?
Me encanta hacer tartas.
Envíame una foto entonces para cuando edite esta conversación.
¡Hecho!
¿Tienes algún método para encontrar la inspiración y desarrollarla? No, la verdad que me muevo por lo que veo por ideas que surgen. No se si existen métodos la verdad jeje
¿El trabajo de qué profesionales admiras, ya sean de tu campo o de otro? Alexander Mcqueen me fascina.
¿Algún sueño profesional que desees compartir? La verdad me gustaría desarrollar mi marca y dedicarme a ella.
Algunas de tus camisetas tienen dibujos a mano de mujeres africanas, y recientemente has publicado una colección en braille, personificada si se desea. ¿Deseas hablar de los por qué de estas inspiraciones? ¿Qué te ha llevado a trabajar con estos temas?
Sí, las Africanas son por que a mi madre le encantan los cuadros con esas negritas y sus costumbres; decidí hacerle una en su camiseta y, a partir de ahí, hice más, por que me gustan, es como diseñar una prenda. Y las camisetas de braille las hago porque me parece interesante saber más de otros lenguajes y darlo a conocer.
¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo?
Me gusta crear y disfruto mucho cuando noto que a la gente le gustan mis productos y se va contenta con su compra.
¿Y lo que menos?
Lo que menos me gusta es tener que hablar con la gente y comunicar o intentar vender. Soy muy tímida y me cuesta mucho tener temas de conversación si no me dan pie a ello.
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El arte de decorar la mesa
¿Por qué nos gusta decorar la mesa?
Una mesa bonita invita inmediatamente a sentarse.
Desde la aparición del fuego, en la Prehistoria, la idea de fuego-comida-cocción-hogar, nos acompaña. Nos seguimos reuniendo “en torno al fuego” para comer, conversar.
Los romanos comían tumbados en triclinios y fabricaban cerámica fina. Los filósofos griegos se reunían en banquetes privados en los que, además de comer y beber, exponían sus discursos, ¿no recuerdas el célebre título de Platón, El Banquete? En esta obra, un grupo de comensales, acompañados de música, bailes, bebidas, hablan sobre el amor y Eros.
A partir de la Edad Media empezó el arte de poner la mesa, tal como lo conocemos hoy y, aunque había vajillas, todavía comían con las manos.
Catalina de Médici.
En el Renacimiento, Catalina de Médici aportó a la mesa el tenedor de dos dientes; y de los bancos, se pasó a sillas individuales.
Pero no fue hasta los siglos XVII y XVIII que las mesas se volvieron más sofisticadas en casa de los nobles, las “buenas maneras” eran respetadas a la hora de comer. En Francia, aparecieron los cubiertos individuales, y el tenedor (ya tres dientes), se colocaba a la derecha de plato, con el cuchillo. Los platos se disponían con perfecta simetría sobre el mantel, nombrando a esta forma, servicio a la francesa. Gracias a Versalles, este tipo de “savoir-faire” para la recepción, se extendió por toda Europa, adaptándose y evolucionando en cada país o región (servicio a la inglesa, a la rusa o gueridón). Además, de otros lugares llegaban alimentos y bebidas exóticas, como el café, el chocolate, las especias, etc., que fueron exigiendo nuevos utensilios de mesa.
¿Por qué dedicarle tiempo si es algo tan efímero: comer y recoger?
Una mesa bonita evoca días importantes, ocasiones especiales, comidas familiares, cenas románticas, bodas… En definitiva, rememora la celebración.
Pero, ¿deberíamos ser creativos con nuestra mesa en solamente en fechas especiales?
Decorar la mesa a diario es una forma de ser creativos, de poder jugar a decorar, desconectando de la rutina y forzándonos a hacer de los desayunos, aperitivos, meriendas, comidas o cenas, momentos de descanso, convertirlo en ratos especiales, tanto si lo hacemos en solitario o en compañía. Además, la prisa no es una excusa. Cuesta casi tanto dejar una mesa mal puesta, como ponerla bonita, simplemente añadiendo unas flores en medio.
No se trata de hacer grandes inversiones ni de tiempo ni de dinero:
- No es necesario sacar de las vitrinas todas las piezas de la vajilla ni de la cristalería con cada comida. Se trata de pequeños detalles. Un mantel limpio, una vela o unas flores, una figura, algo de música… Como si de un baño de espuma se tratase. Hace poco vi una fotografía de una mesa de Devi W Titus en la que delante de cada servicio, a la izquierda, había un limón con el nombre de cada comensal, imagino que escrito con rotulador. Y en el centro de la mesa, jarrones con flores amarillas.
- Muchas veces creemos que tenemos menos tiempo del que en verdad disponemos, sólo que lo gestionamos mal.
Decorar la mesa para los demás les demuestra atención, mimos, que los consideramos importantes, que creemos que merecen el mejor trato posible por nuestra parte, y que buscamos momentos especiales con ellos, para recordar.
¿Sabes cuántos años tiene la vajilla? ¡37!
Y si eres un aficionado del interiorismo, pero no te puedes permitir cambiar los muebles o la deco de tu casa a diario, ¿por qué no pruebas el arte de decorar la mesa? Sólo requiere interés. Busca, si ves que no lo dominas, información sobre el círculo cromático, colores complementarios (los que se oponen en el círculo cromático, como el violeta y el amarillo, el azul y el naranja, muy utilizados en pintura, para crear armonías de color), y no sólo este tipo de mezclas. Déjate inspirar por la naturaleza, colores de pájaros exóticos, flores…
¿Cuánto debe bajar un mantel respecto del tablero horizontal?
Aunque no hay que ser demasiado estrictos, ya que la mesa es para divertirse, innovar, improvisar…, generalmente, un mantel debe colgar, al menos, 30 cm. Puede ser más largo, pero tampoco debe llegar al suelo. Se recomienda, para manteles largos, dejar unos 6 cm desde el suelo, libres, para que los pies puedan quedar bajo la mesa al sentarnos.
Es recomendable, también, que el mantel tenga la forma de la mesa.
Y, finalmente, intenta, cuando practiques el arte de decorar la mesa, que los comensales puedan verse y hablar. No se trata de colocar demasiados centros y jarrones con flores, y que apenas podamos ver a quien tenemos enfrente. Una buena mesa debe invitar a la conversación, debe favorecer el estrechar lazos, no separar.
CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 1
Curso de Diseño de Moda: Ilustración 1
¿QUÉ VAMOS A VER EN ESTA LECCIÓN?
En este post veremos qué es la Ilustración de Moda, haremos un breve repaso a su Historia, y, al final, te dejaré un PDF descargable, para que lo imprimas, con figurines de diferentes tallas. Así podrás empezar a familiarizarte con el cuerpo humano y con las poses de dibujo.
Sé que quieres que te dé rápidamente técnicas para mejorar tu forma de dibujar, que vaya al grano; pero mi intención es que, primero, entiendas que tanto el Diseño como la Ilustración de Moda, si vas a dedicarle parte de tu tiempo, son actividades para disfrutar, con calma.
Tenemos muchas lecciones por delante para aprender cómo hacer diferentes poses, cómo dibujar transparencias, brillos, estampados, complementos, cómo vestir a un personaje… No quieras aprender todo hoy, porque es imposible.
Lo haremos paso a paso, primero con diseño manual, antes de pasar al digital, aunque iremos viendo algunos trucos para corregir o rematar imágenes hechas a mano con Photoshop e Illustrator, para que vayas familiarizándote poco a poco con estos programas.
Antes de comenzar la lección, me gustaría hacerte una pregunta:
¿Crees que lo más importante de una ilustración es que el dibujo esté muy bien hecho, que sea muy bonito y realista?
Si crees que sí, debo decirte que estás equivocado.
Aunque es muy importante dominar la técnica de dibujo, lo verdaderamente importante es el MENSAJE que transmitimos con la ilustración. Puede que un dibujo que sea menos correcto que otro, hecho con gran habilidad y detalle, emita una idea mucho más potente.
Puedes hacer ilustración detallista, o más artística, será tu elección. Lo importante es que lo hagas a tu manera, que vayas encontrando tu propio estilo.
¿Cómo se hace?
Primero sabiendo de qué estamos hablando, después viendo qué hacen y han hecho los demás, y por último, practicar y practicar, hasta que tu forma de dibujar se manifieste y fluya.
COMENCEMOS:
1. ¿QUÉ ES LA ILUSTRACIÓN DE MODA?
Es una representación artística de prendas de vestir o complementos que está presente en el ámbito de la comunicación:
- publicación en revistas,
- creando imagen de marca,
- como parte del proceso creativo.
Sirve para:
- comunicarse con el cliente o con otras personas que forman parte del proceso creativo.
- hacer marca.
- contribuir al patrimonio cultural y artístico y revalorizar los procesos creativos artesanos vinculados con el diseño y creación de moda.
- ayudar a pensar, a generar ideas, a saber plasmarlas.
- aumentar la creatividad.
2. ¿DÓNDE Y CUÁNDO SURGE?
Durante el siglo XVII, pintores y dibujantes hacen este tipo de representación tanto en forma de grabados, aguas fuertes como en publicaciones el Mercure Galant, primera revista francesa, nacida en 1611.
En el siglo XVIII, los principales soportes son: revistas de moda, almanaques y estampas, y el en XIX se publican decenas de revistas, en las que añaden uno o varias ilustraciones.
Los dos Paul:
Sin embargo, el paso del dibujo estático a una ilustración más moderna, no se produce hasta 1908, cuando Paul Poiret, vinculado a la Alta Costura, encarga al joven Paul Iribe figurines para el libro Les robes de Paul Poiret raccontées par Paul Iribe, quien dibuja de forma novedosa. Tres años después, Poiret vuelve a encargar más ilustraciones, esta vez a George Lepape, para Les Choses de Paul Poiret.
TOUJOUS PARIS...
París es la capital de la moda, pintores, poetas, decoradores y compositores se codean. Tanto el Fauvisme, Cubisme, Art-Nouveau y Art-Déco están presentes en las obras de los ilustradores.
Las revistas americanas como Harper’s Bazar y Vogue y las francesas Femina y L’officiel publican a los grandes nombres del momento: Drian, Benito, Erté…
LA DECADENCIA.
Sin embargo, a partir del año 1939 comenzará la decadencia, y tras la Segunda Guerra Mundial, ya nada será igual. Con la aparición de la Fotografía de moda, en los años sesenta, la ilustración queda desbancada. Queda, no obstante, algún superviviente, como René Gruau, que con sus dibujos de Balenciaga y Dior alcanza un gran reconocimiento (haz click aquí para acceder a su web oficial), o el ilustrador Antonio López.
En los años 80 del pasado siglo vuelve, aunque con muy poca fuerza, a utilizarse este tipo de representación. Antonio López está en la cumbre de su carrera.
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Antonio López para Yves Saint Laurent -
Antonio López -
Karl Lagerfeld para Chloé, en 1972, por Antonio López
3. Años 2000…
Una nueva generación de artistas como Tanya King, Mats Gustafson, Jean-Philippe Delhomme, François Berthoud, comienzan a hacerse un nombre.
La Ilustración vuelve a estar de moda.
Personalmente, me encanta el trabajo de Pepe Muñoz, Verónica Ahmatova (Ahvero), Arturo Elena, Alena Lavdovskaya, Lena Ker, Blair Breitenstein… Y te recomiendo que veas su trabajo. Comprobarás que hay mil maneras de dibujar, de representar, y cada uno ha encontrado la suya, su técnica, su forma de comunicar el mensaje.
Y, por supuesto, ¡adoro los dibujos de Lacroix!
4. PREPÁRATE PARA DIBUJAR. YA NOS QUEDA POCO…
Desarrollando habilidades se estimulan conexiones cerebrales.
Dibujar fortalece nuestra motricidad fina (coordinación de los movimientos musculares pequeños, como los desdos); por eso es recomendable en adultos. Estimulamos ambos lados del cerebro, lo racional y lo creativo y emocional… Adquirimos cultura, ya que dibujar nos lleva a interesarnos por el Arte y la Historia –en los artículos de este blog dedicados a la Historia de la Moda, podemos ver cómo el diseño es una forma más de expresión artística, que muchas veces está directamente vinculada a la política, a guerras, a movimientos sociales revolucionarios…
¿Deseando coger el lápiz?
El figurín debe buscar un equilibrio entre la figura humana y lo artístico. O sea, que sirva de ayuda para comprender cómo es o cómo debe de hacerse la prenda representada, pero que no sea demasiado realista. No pretende ser una reproducción exacta del producto final. El papel en blanco nos da una libertad artística que debemos aprovechar. No hay normas. Simplemente son necesarias unas nociones sobre las formas del cuerpo y sus movimientos, sobre los tejidos y formas de representarlos y que practiques muchísimo. Si lo quieres hacer profesionalmente, seguramente buscarás tiempo; pero si quieres dibujar como actividad de tiempo libre, te recomiendo obligarte a ser constante, hacer un horario y cumplirlo: “voy a dibujar media hora todas las noches para relajarme”, “voy a dibujar los viernes por la tarde, que tengo dos horas libres”, etc. Tómatelo con calma. Haz que el tiempo que dibujes sea relajante, sin estresarte porque al principio no te salga lo que tienes en mente. Acompáñate de la música que te gusta, de un café… Pronto desearás tener más tiempo para dibujar.
Cada ilustrador o diseñador tiene su propia forma de adaptar el cuerpo humano al dibujo. Unos realizan bocetos rápidos, otros mucho más detallados. Por eso, antes de empezar a dibujar, sería interesante ojear, como te he dicho antes, los diferentes trabajos de ilustradores, en Instagram, Pinterest (#fashionillustration, #fashionsketch, #fashiondraw, etc.).
Para el que se enfrenta por primera vez al reto de dibujar el cuerpo humano, es aconsejable descargarse plantillas con las proporciones, ya que una cosa es una figura alargada intencionadamente, por ejemplo, o esquematizada, y otra es que no sepamos qué largo aproximado debe tener un brazo. Antes de llegar a tener un estilo propio, debemos aprender cómo es la morfología humana, los movimientos del cuerpo, practicar poses… El figurín debe ser DINÁMICO, expresar movimiento, tanto corporal como de la prenda representada, sea de poses, caminando en pasarela, etc.
Mientras no domines el boceto básico, no tengas miedo de calcar plantillas básicas o siluetas de modelos de revistas, que no es pecado. Poco a poco irás familiarizándote con las formas. Es obvio que requiere mucha repetición, pero si de verdad te interesa la ilustración de moda, está a tu alcance conseguirlo. Arrugarás y tirarás muchos papeles, pero hasta las fases frustrantes tienen su encanto, y cuando consigas lo que pretendes, el esfuerzo por lograrlo, habrá merecido la pena, como pasa en otros aspectos de la vida.
Como te decía al principio, te dejo aquí unas siluetas de figurines de diferentes tallas, para que los descargues, imprimas y puedas calcar o copiar.
Otra opción es intentar partir de cero haciendo tus propios figurines básicos, de frente, perfil, espalda, cambiando poses. Sería interesante que pruebes distintas morfologías corporales, variando las tallas y cuerpos. Más adelante veremos un artículo dedicado a esto, pero ahora, vayamos paso a paso.
Sería interesante que en imágenes de modelos posando, marques las articulaciones con circulitos.
5. MATERIAL NECESARIO.
Obviamente, un ilustrador, sea profesional o aficionado, que lleva mucho tiempo dibujando cuenta con un “arsenal” de lápices, rotuladores, ha experimentado con diferentes técnicas: pasteles, acuarelas, esmaltes, lápices de colores, purpurinas, rotuladores, carboncillo, óleos… Al principio, seguramente no podrás hacerte con mil cosas, ni son necesarias para dibujar bien.
Te recomiendo para empezar:
- Lápiz duro: 2H, 3H…Lápiz medio: 2HB.
- Un buen afilalápices. No son caros, así que busca uno bueno, que deje las puntas bien finas. Reconozco que soy maniática en este aspecto: dibujo siempre con el lápiz muy afilado.
- Goma de borrar.
- Un rotulador del tipo BrushMARKER de WINSOR&NEWTON, o COPIC, de color Almendra o Rosado Oscuro, para crear sombras en la piel con sencillos toques.
- Lápices de colores: yo utilizo diferentes marcas, FABER-CASTELL, MAPED, REMBRANDT-POLYCOLOR, ALPINO… No necesitas hacer una gran inversión para comenzar. Si ves que te gusta y quieres continuar dibujando puedes pasarte por algunas tiendas especializadas en Bellas Artes, e ir comprando material según te lo pidan tus dibujos. Te recomiendo hacerte con un par de lápices de colores para representar diferente tonos de piel, aunque no es imperativo al principio. A medida que avances las lecciones, iré recomendando más materiales, como sombras de ojos, pasteles, esmaltes de uñas, acuarelas…
- Comenzaremos con folios blancos. Más adelante emplearemos en otros colores, cuando utilicemos pasteles para crear efectos de brillos y sombras.
6. BOCETO.
Para comenzar el boceto, lo haremos con el lápiz duro (3H, 2H…), sin calcar demasiado, lo que nos permite borrar y rectificar, como vemos en la imagen. Comenzaremos con un figurín en postura frontal, relajado, sin poses (iremos practicando en posteriores post)
Puedes dibujar la cara completa o eliminar elementos, como un ojo, los dos, la boca (rasgos característicos de algunos ilustradores). Tú mandas. Experimenta sin miedo. Los resultados que no te gusten no son un problema. Sólo vuelves atrás y lo intentas una vez más. Después del lápiz, dibuja unas líneas, por ejemplo, con un rotulador BrushMARKER, en tono rosado oscuro 0518, en los pómulos, frente, bajo los ojos y nariz, hombros, pecho, líneas de brazos y piernas, remarcando rodillas (o con un lápiz del color piel que te apetezca)… Este tipo de rotulador tiene dos puntas, una ancha y otra con forma de pincel. Hazlo con el pincel, que ayuda a que las líneas sean muy finas. Con unos cuantos trazos se crea sensación de volumen, de sombras, se realzan zonas… Si no tienes el rotulador, prueba con un lápiz de un color aproximado.
Después comenzamos a dibujar la prenda deseada, sea nuestra creación o el diseño de otra persona o marca.
Cada uno tiene su forma de dibujar; yo, personalmente, una vez que tengo bosquejada la prenda, paso a dar color a la piel. Coge una revista de moda, o busca imágenes en Internet y fíjate bien en dónde la piel se ve más oscura, por ejemplo en el cuello, bajo la línea de la cara… Son esos puntos clave los que tienes que reconocer, los que con simples toques van a dar mucha vida a tu ilustración, que no parezca algo plano.
Me despido hasta la siguiente lección (en la que veremos cómo dibujar transparencias y tejidos), dejándote algunos de mis dibujos.
Para los que estéis en mi ciudad, Pontevedra, y os apetezca comenzar un curso presencial, no dudéis en poneros en contacto conmigo a través de mi dirección de correo electrónico: mariagondar@cruzcostacostura.com
No importa el nivel de iniciación ni la edad, sólo las ganas de dibujar.
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CURSO DE DISEÑO DE MODA. CÓMO ENCONTRAR Y DESARROLLAR LA INSPIRACIÓN.
Pues olvida la angustia y aprende con este curso de Diseño de Moda cómo crear colecciones originales de forma metódica.
Aunque la inspiración parece algo mágico, que surge por casualidad, existen técnicas para conseguirla y saber construir con ella un proyecto.
7 PASOS PARA ENCONTRAR Y DESARROLLAR UNA IDEA Y CONVERTIRLA EN COLECCIÓN.
Imagínate que esto es un blog de cocina. Has buscado una receta y te indican cómo hacerla PASO A PASO. Con tu colección trabajaremos de la misma forma. Siguiendo un orden.
Al final del artículo te dejaré un PDF descargable para imprimir.
Así, cuando intentes hacer tu propia creación, podrás seguir los pasos uno a uno, sin necesidad de tener mi artículo abierto; pudiendo, además, hacer pequeñas anotaciones de proceso en los huecos blancos.
Quiero que te metas en el papel, como si fueses un actor, convirtiéndote ahora mismo en un estudiante de Diseño de Moda.
Como estamos en Enero y ya tenemos la cabeza puesta en la próxima estación, imaginemos que en clase te han pedido que desarrolles una pequeña colección inspirada en la Primavera, pero no te han dicho nada más, para que la temática sea lo más libre posible, y poder ver los caminos que han tomado los diferentes trabajos de todos los alumnos.
¿Flores en Primavera?
Recuerdas aquella escena de El diablo viste de Prada, durante una reunión en la redacción de la revista Runway en la que se habla de los temas de un próximo número, y en la que una redactora habla de estampados florales, y Miranda Priesley, la editora, le contesta “¿Flores en Primavera? ¡Qué original!”. Quieres sacar buena nota. Tienes miedo de que tu profesora de diseño te mire con la misma cara de sarcasmo, y piense que tu cabeza no ha dado para más, o que no te has esforzado en absoluto.
No digas: “para la Primavera, me he inspirado en las flores”. Di más bien…
Y sí, las flores son el símbolo de la Primavera. Y si quieres utilizarlo para el desarrollo de tu propuesta, no hay nada de malo, si consigues que sea buena, original y bonita. Pero busca la forma de hacerlo. No digas “Para la Primavera me he inspirado en las flores”. Profundiza. Di, más bien, “He llegado a esta colección gracias a un inspirador poema de Antonio Machado, titulado La Primavera besaba, en el que habla de nubes que pasan, verde que brota, almendros floridos y besos”. Explica que has buscado una paleta de colores con esas ideas, además de crear estampados. Quizás haya algún dato más sobre el poeta, sobre su vida u obra, que te lleve a pensar en formas, tejidos…
¿Entiendes lo que quiero decir? Por supuesto que puedes hacer flores para la Primavera. Pero no te quedes ahí.
Veamos esos 7 procesos:
1ER PASO: BÚSQUEDA EN ABANICO.
Tienes un tema o una palabra clave para inspirarte. Escríbela en el centro de un papel, y saca líneas con todas las posibilidades que se te ocurran vinculadas él.
Pongamos, por ejemplo, en Google: La Primavera en…
1.1. La Mitología:
te encontrarás con Perséfone o Proserpina. Puedes leer sobre este Mito, y crear un arquetipo y vestirlo. ¿Cómo vestirías a Perséfone, diosa de la Primavera, por ejemplo, para una ópera?
1.2. La Música:
tu buscador de Internet te llevará a Vivaldi (Las Cuatro Estaciones), Stravinsky (La Consagración de la Primavera). Buscando más sobre esta obra, veremos que fue escrita para la temporada 1913 del Ballet Ruso de Serguéi Diaguilev, y estrenada en el Teatro de los Campos Elíseos, en París. Es una de las obras más influyentes del siglo XX. Se percibe como un grito de liberación. El vestuario fue creado por Nikolái Roerich está inspirado en prendas tradicionales rusas.
1.3. La Pintura:
Paul Klee (Arbustos en Primavera), Claude Monet ( su serie titulada Primavera en Giverny)…
1.4. Las tradiciones del mundo:
Por ejemplo, el Festival Holi, en India y Nepal, durante la última luna llena del mes de marzo. Se lanzan al aire agua y polvos de colores para celebrar la llegada de la Primavera.
Festival Holi en India y Nepal.
1.5. La literatura: prosa y poesía.
Hay infinidad de textos, poesías, etc., dedicadas a este tema. No es necesario que leas todo lo que encuentres. Echa un vistazo por encima, y lee lo que llame tu atención o curiosidad.
1.6. Las alergias:
No sé si será posible inspirar una colección en el polen, pero nunca se sabe. En este momento sólo estás tratando de reunir conceptos relacionados con esta estación del año.
1.7. Las flores y las abejas:
No pienses que te estoy proponiendo dibujar un vestido de rayas negro y amarillo. ¡No! Piensa en la cantidad de joyas y complementos que llevan abejitas hechas con brillos. Todo es inspirador.
1.8. La Primavera y el amor:
Para muchos esta época desata la euforia y la pasión. Te lo creas o no, el concepto Pasión, podría ser una fuente de inspiración.
1.9. Flores y fotografía:
¿Conoces a Karl Blossfeld?
De este último artista, tengo un proyecto hecho, y podría compartirlo, pero he decidido que en este artículo juguemos tú y yo con las mismas cartas. En este momento aún no he decido cómo se desarrollará la colección. Ambos somos ese estudiante, y estoy, como tú, buscando información sobre la Primavera.
AMPLíA MUCHO MÁS: NO TE LIMITES A BUSCAR LA INSPIRACIÓN EN LA BELLEZA O EN EL ARTE.
¿Sabes qué pensé ayer, mientras escribía este post? Me pregunté por qué a la revolución de los pueblos de Libia, Túnez, Egipto, Yemen y Siria (donde la guerra continúa) durante los años 2010 al 2013, en clamor por derechos sociales y democracia, se la conoce como Primavera árabe. La respuesta que encontré en Google es que evoca la Primavera de Praga de 1968 (al tiempo que el Mayo del 68 en París). ¿Y por qué se le llamó Primavera?, me pregunté. Fue otra revolución que buscaba modificar aspectos totalitarios del régimen soviético en Checoslovaquia, legalizando partidos políticos y sindicatos, promoviendo el derecho a huelga, la libertad de prensa, etc., y que terminó con un brutal aplacamiento soviético. Y su nombre, evoca a su vez la Primavera de los Pueblos o de las Revoluciones, en 1848…
¿Evocación de la evocación de la evocación?
Tuve miedo de seguir preguntándome ¿pero por qué Primavera si empezó en invierno y acabó en verano? Pero quería saberlo. Tenía que haber un motivo para el nombre. Esta revolución comenzó el año en el que se publicó en Londres el Manifiesto Comunista. Fue iniciada en Francia y se extendió rápidamente por Alemania, Austria, Hungría e Italia. Aunque ha habido revoluciones con mejor final, ésta ha sido la que más rápido y ampliamente se ha extendido, ya que traspasó fronteras y océanos. Pero fracasó. A los 18 meses, excepto en Francia, todos los regímenes derrocados volvían a estar en el poder.
Los trabajadores pobres aún no eran conscientes de que podían unirse como clase, y los burgueses, intelectuales de la revolución, abandonaron cuando la revolución ya no servía para su interés económico. Aunque se lograron tres cosas: la abolición del sistema feudal todavía vigente en Austria y Hungría, fue la primera experiencia del proletariado incipiente, y supuso el abandono de las políticas absolutistas de derecho divino y sus privilegios.
¡LA ANSIADA RESPUESTA!
Y, finalmente, encontré al historiador Eric Hobsbawn, quien explicó que pareció ser una primavera de los pueblos porque, al igual que esta estación del año, fue efímera. Los símbolos románticos, los ideales utópicos se debilitaron con rapidez, se marchitaron. Así que Primavera es también metáfora de revoluciones populares, de personas que se unen para clamar por sus derechos. Fracasen o triunfen, no son otoños ni inviernos. Son intentos de renacer, de florecer, mejorar, y aunque sean efímeros, se pueden volver a intentar.
2.- REFLEXIÓN.
¿Por qué he decidido compartir esto, cuando estábamos tratando un tema de Diseño de Moda?
Porque ayer, después de leer toda la información sobre el tema, no quise seguir con el artículo. Leer sobre injusticias, muertes, guerras, desigualdades, complica un poco continuar como si nada, hablando de nuestras profesiones. Me tomé un día para retomarlo y, finalmente, he decidido incluirlo.
Considero que cuando nos encontremos con temas así, deberíamos reflexionar. A menudo, desde nuestras casas con internet, calefacción, neveras y armarios llenos y plan con amigos para el viernes noche y un viaje preparado para Semana Santa, es fácil olvidarnos de lo injusto que sigue siendo el mundo. Deberíamos sentir la injusticia. El dolor y la sangre que vierte.
Como diseñador, modista, que quiere ver sus diseños en la calle, apelo a tu conciencia, a tu corazón. Ni tú ni yo tenemos la culpa de las guerras. Ni en tu mano ni en la mía tenemos la posibilidad de solucionarla. ¿Pero sabes qué podemos hacer?
VALORA Y RESPETA EL TRABAJO DE LOS DEMAS.
El bagaje cultural, tanto del trabajo de los demás, de la historia, de lo que sucede en el mundo… harán que valores el talento ajeno, y no sólo el tuyo. Apreciarte única y exclusivamente a ti mismo, puede que te lleve a buscar destacar a toda costa, sin importante si explotas con tu negocio a otras personas, si les exiges demasiado, hasta hacerlas infelices por trabajar para ti. O a que se sientan salvados porque trabajan por una miseria de salario.
Te animo, a que no sólo busques ser creativo, sino a trabajar con amor, respeto y dignidad. No te obligo, por supuesto. Tú eliges qué tipo de persona quieres ser.
Y con bagaje de conocimiento no quiero decir que te pongas a estudiar Historia, Arte, Geografía, Filosofía, Matemáticas, Marketing, Informática, Literatura, leerte todas las noticias del mundo o intentar entender todos los conflictos armados… de forma desesperada. Es imposible Empieza poco a poco. Con cada proyecto, por ejemplo, exprimiéndolo al máximo, y ya será mucho lo que has conseguido. No se trata de ser la persona más culta ni la más inteligente del mundo.
Se trata de ir ganando sabiduría, observando, aprendiendo a respetar. Si acompañas a una modista mientras hace uno de tus diseños, verás el tiempo que le lleva hacerlo, y deberías “obligarte” a pagarle un precio justo por él, lo que se merece. Querer enriquecerte a costa de su sacrificio, aunque ella acepte un precio miserable por necesidad, te hace ser despreciable. Nadie es más persona que nadie. Simplemente nacemos en diferentes lugares y en condiciones muy desiguales. Con oportunidades o con trabas. Muchos, por mucho que se esfuercen, el lugar en el que han nacido, les limita su capacidad de prosperar, casi por completo.
3.- Y EL GANADOR ES…
Volvamos a nuestro proyecto práctico.
Hemos visto que la Primavera es sol, luz, color, fragancias de las flores, aromas, excursiones por la naturaleza, verdor, amor; pero también es la lucha por la igualdad y la supervivencia; es intentar renacer, y que su carácter efímero no significa fracaso absoluto, si se marchita, puede volver a florecer.
Primavera es Vida.
Es obvio que con toda esta reflexión, las flores van a ser más que simples formas y aromas. Nuestro proceso creativo se ha enriquecido. Has ido tomando notas de los datos que más te han emocionado o impactado. Te han ido surgiendo ideas, que también has apuntado.
Y ahora toca revisar y escoger un tema a desarrollar. Y si no te satisface el resultado, sólo tienes que dar un paso atrás y escoger otro.
4.- MOODBOARD: DESCUBRE EL INSPIRADOR PROCESO POR EL QUE PASAN LOS PROYECTOS CREATIVOS.
Una vez escogido el tema a tratar, haremos un MOODBOARD (muro de inspiración), con fotografías, colores, texturas, materiales y conceptos que nos ayuden a filtrar y provocar ideas. Puedes hacerlo a mano o a ordenador, con Photoshop o Illustrator. Y te aseguro que es una herramienta que funciona. Piensa qué idea quieres transmitir con él.
Para este ejercicio práctico, de todas las búsquedas que he hecho sobre el tema, he escogido el Festival Holi, porque esas imágenes polvos de colores me parecen muy llamativas e inspiradoras, y están muy relacionadas con esa idea de que la Primavera es vida, es color.
Busca imágenes libres, en pixabay.com, por ejemplo.
Como ves, he buscando fotos muy coloridas, con personas sonrientes que transmiten la sensación de estar divirtiéndose. He pensado en tejidos y materiales que puedan ayudarme a representar esos polvos de colores volando, y me han venido a la cabeza el tul (imagen del fondo), o las tizas y pasteles de colores que se utilizan para las pizarras o al dibujo artístico.
Ahora me será mucho más fácil trabajar, porque tengo que centrarme en conceptos y materiales como “colorido”, “alegría”, “empolvado”, “tul”, “vuelo”…
5. REDACTA TEXTOS Y MEMORIAS DESCRIPTIVAS QUE DEN VALOR A TU PROPUESTA.
Escribe, sobre el tema escogido, un pequeño texto explicando cómo has llegado a él. Y al final, deberías realizar una memoria de tu trabajo, en la que expongas el desarrollo de la idea, los resultados y unas conclusiones. Puedes añadir presupuestos. Si no explicas por qué y cómo has llegado a un diseño, tal vez vean que es bonito, muy original, pero pierdan todo su significado, su simbolismo, qué quieres reivindicar u homenajear. Eso que hace tu trabajo más especial, poético, sensible, artístico…
No seas demasiado extenso. Yo he escrito todas las búsquedas que he hecho, porque tú necesitas también hacer mucha investigación previa; pero no es necesario que la compartas. Quien vea tu colección, sólo debe ver una parte del trabajo.
Si tienes problemas para redactar textos atractivos, puedes echar un vistazo a las bases del Copywriting. Hay muchísimos blogs con muy buenos consejos para empezar, como el de Maider Tomasena.
Próximamente publicaré más artículos con ejemplos para redactar tus proyectos de Moda, tanto las fichas técnicas, como las memorias descriptivas, que harán que tus ideas ganen atractivo y puedan ser mejor comprendidas por profesores, clientes, etc. Si quieres que te avise de su publicación suscríbete y recibirás una Newsletter en tu correo electrónico informándote.
6. BOCETAR CON IDEAS SALVAJES.
Con ideas salvajes no me refiero a que estén sin domesticar. Sino a que comiences a dibujar de forma rápida, esquemática, sin pararte a juzgar cada esquema.
Si no tienes una mesa de calco, te aconsejo comprar papel vegetal. No sé si tienes experiencia dibujando maniquíes; si no es así, puedes buscar en internet imágenes y descargarlas, ya sean figurines de hombre, mujer o niños.
Intenta hacer muchos dibujos rápidos, bocetos, poniendo el papel vegetal sobre el maniquí, para obtener siempre la misma forma y ahorrar también tiempo de dibujo. Intenta buscar formas y texturas diferentes, relacionadas con tu idea, haciendo que fluyan. Haz 10, 20, los que puedas.
7. ILUSTRACIONES.
De esos bocetos, intenta escoger los que más te gusten, y dibújalos bien, en papel de mayor grosor, o a ordenador, según suelas diseñar.
Y si quieres hacerlo más profesional, haz fichas técnicas de las prendas.
Si no sabes hacerlas, no te preocupes, lo veremos próximamente.
Te dejo una ilustración o fashion sketch, de un vestido de líneas sencillas, tonos empolvado, inspirado en nuestro Moodboard Holi, turquesa y fucsia, con godets y adornos, ambos en tul, sobre lo hombros.
Lo prometido:
Aquí tienes el PDF para que puedas seguir los pasos mientras no los memorizas. Con el tiempo los convertirás en costumbre. Pero sigue leyendo que tengo más regalitos para ti.
Ayúdame a mejorar:
Mientras practicas este primer tema, yo seguiré preparando más post para ayudarte a realizar memorias descriptivas, dibujar figurines de moda, realizar fichas técnicas, etc. Si deseas sugerir temas de tu interés para este apartado del blog CURSO DE DISEÑO DE MODA, no dudes en escribir a esta dirección: mariagondar@cruzcostacostura.com
Y si deseas ayuda con tus proyectos de diseño (ideas, desarrollo, presentación, ilustración), consúltanos y te haremos un presupuesto sin compromiso.
Bonus:
Y si te has quedado con ganas de aprender más, descárgate mi ebook con claves para aumentar la creatividad.
Sí, es cierto que algunos han nacido con talento innato, pero todos trabajar y mejorar nuestras dotes creativas. No sólo para el trabajo, sino para resolver situaciones y problemas de la vida diaria.
Simplemente suscríbete a la web y podrás descargártelo. Y si tienes algún problema para obtenerlo, no dudes en enviarnos un correo y lo solucionaremos.
Curso de Diseño de Moda por María Gondar, para Cruz Costa Costura.
READ MORESe casa mi prima
¿Tienes boda este año? Yo sí.
Looks para novias e invitadas en 2019.
Se casa mi prima pequeña, el próximo 28 de Septiembre. Como la quiero mucho no le guardaré rencor por casarse antes que yo. Es así la vida, y sé que me está leyendo y me dará un trozo de tarta más grande que al resto de invitados, como compensación a los comentarios de abuelos y demás parientes a los que me tendré que enfrentar: “¿y tú para cuándo?”. Y, a parte de bromas, me alegro muchísimo por ella y le deseo un matrimonio feliz, fuerte y comprometido.
La noche de Fin de año me preguntó si ya estoy diseñando mi vestido.
– ¡Nooo, todavía no! ¿Y tú ya lo tienes? Pregunté.
– No, yo tampoco. Sé lo que quiero, pero tengo que buscarlo y encontrarlo, dijo con carita de miedo.
Así que te dedico este post, con todo mi cariño y con las ganas de verte preciosa el 28.
Comenzaré con algunas propuestas de fantásticos diseñadores para este 2019, repasaremos un poco el dress code para este tipo de ceremonias, según el tipo de invitada que te tocará ser, y finalmente algunos vestidos de novia muy originales, para terminar a lo grande.
Desliza hacia abajo si quieres ver las 2 galerías fotográficas: invitadas y novias.
READ MOREHISTORIA DEL TRAJE DE FLAMENCA
MARICRUZ Y LA HISTORIA DEL TRAJE DE FLAMENCA
Maricruz o Cruz es el nombre de mi madre, así que bautizar a la colección de cuadros de flamencas en piel ha sido fácil, al ser el título de una célebre copla.
Maricruz. Cuadro de flamenca en piel.
Una de las cosas que me ha enseñado esta “maravilla de mujer” es que hay que saber aprovechar las cosas. Usar y tirar no es la primera opción. De modo que, como he tenido que documentarme para hacer estos cuadros de bailaoras, he decidido no desechar esa información y “reutilizarla” en esta entrada. Porque, aunque todos conocemos con detalle las formas y complementos que acompañan a este tipo de vestidos, no sabríamos responder a preguntas como cuál fue su origen, en qué ciudad se vieron por primera vez tantos volantes, cintas de flecos y adornos florales.
Flamenca en piel fantasía
1. ¿Orgullosos de lo flamenco? Reflexionemos un momento.
Antes de centrarme en el origen del traje de flamenca andaluz, me gustaría hacer una reflexión sobre lo que significa y ha significado para el resto del país, ya que, pese a ser tan valorado en este momento, no ha tenido siempre el mismo prestigio.
Se convirtió en un icono de Andalucía y de España, un símbolo que nos identificaba en el extranjero. Sin embargo, al margen de la repercusión del turismo del flamenco, del espectáculo, de la feria, y de toda la industria que lo rodea, no gustó a todos los españoles que en el extranjero se nos identificase con el traje de flamenca. Y términos como “folclórica” adquirieron, para algunos, un tono peyorativo.
Obviamente España es mucho más que eso, es un conjunto de regiones, cada una con su propia historia, algunas con propio idioma, tradiciones, folclore, riqueza cultural, vestimenta… Y es lógico que a todos nos guste vernos valorados y representados. No obstante, lo que molestaba no era que su región no tuviese esa importancia exterior, sino que desde fuera pensasen que todos los españoles nos vestimos de toreros y de flamencas. Como algo vergonzoso.
¿Qué hay de vergonzoso en que se nos asocie a la indumentaria flamenca? ¿Y de deshonroso? Es ofensivo el tópico que insulta, el que dice que unos son vagos, otros analfabetos, otros tontos y otros arrogantes por el hecho de pertenecer a una región. En mi opinión, que se nos asocie a un símbolo no tiene nada de feo. Y si alguien cree que -en su región también hay patrimonio cultural importante, digno de ser reconocido, en vez de quejarse, debería intentar promocionarlo.
Andalucía es el resultado de cruce de pueblos, conquistas, reconquistas, invasiones, tradiciones, arquitectura, arte, música. Como gallega, me encanta que se conozca y valore el paisaje, cultura y artesanía de mi región, pero no me siento “atacada” en absoluto si algún extranjero me dice que la ciudad que más le gusta de nuestro país es Sevilla. Me siento más bien orgullosa de la riqueza cultural española. Tendrán tiempo, si es lo único que saben de nosotros, de descubrir que hay más cosas que ver, hacer, disfrutar y valorar.
A muchos les avergüenza el tópico. Les parece vulgar que se nos asocie al chorizo, la tortilla o la paella. Para mí lo más dramático es que en unas partes tiremos comida, y que muchos otros mueran a causa del hambre. No es ni un problema, ni siquiera algo importante o relevante, que de España algunos sólo conozcan la tortilla de patatas o la paella, de hecho son dos platos exquisitos de los sentirse orgullosos.
¿Y qué hay de malo en el tópico?
Venecia es más que gondoleros, somos plenamente conscientes, pero es la imagen que nos viene a la cabeza, y en México no sólo hay bigotes y mariachis. A los franceses no les molesta que se les asocie a María Antonieta, aunque le hayan cortado la cabeza en su momento y son mucho más que París y croissants o macarons. En Hawai no van a la oficina con collar de flores y falda de paja, y dudo que se ofendan si asociamos su imagen externa a su danza sensual o al surf, y así un largo etcétera. En Portugal no están constantemente tristes, aunque su música más internacional sea el fado…
La diferencia radica en si estamos orgullosos del tópico, como parte de un todo, o si nos avergüenza. Y ese rubor proviene de la inseguridad, de una baja autoestima colectiva -“que no piensen los de fuera que somos poca cosa, que sólo comemos paella y vestimos de flamencas”-. Ya me gustaría a mí calzarme un traje de flamenca para salir a pasear por las calles de mi Pontevedra: un Ana Morón, el lunes, un vestido de Guadalupe Moda Flamenca el martes, Cristina García el miércoles, Pedro Béjar el jueves, y así hasta el infinito. De hecho, tengo mis zapatitos rojos de lunares blancos, para poner con los vaqueros.
Desfile del diseñador Pedro Béjar. Imagen www.diariodesevilla.es/
2. Ahora sí: busquemos el origen.
No se ha encontrado una fecha exacta para datar el origen del vestido de flamenca, y buscando documentación, podemos encontrarnos con teorías muy dispares, desde épocas prerromanas, que es una adaptación urbana del traje de gitana, que proviene del cruce cultural…
Lo que ha servido para poner fechas aproximadas son los grabados, cuadros y escritos que se disponen de la primera mitad del siglo XIX, en los que se hace referencia al atuendo típico andaluz, siguiendo la moda de colecciones sobre atuendos regionales o nacionales. Para Andalucía se recogen 3 tipos diferentes de traje femenino: el de Labradora, Maja y Petimetra. El traje de labradora, rural, se parece al de otras regiones españolas, sin anticiparse en absoluto al que conocemos como traje de flamenca. Sin embargo, en el vestido de maja, más urbano, si encontramos antecedentes: volantes de encaje sobre la falda de seda de diferente color, el talle ajustado y la mantilla. Mantilla y mantón -de China, aunque conocido como mantón de Manila, al ser importado desde allí- se hicieron populares durante la segunda mitad de este siglo. Y, por supuesto, el adorno floral, en la cabeza, ya fuese con o sin peineta, o en el escote.
El traje ha sido y es un modo más de comunicarnos, de mostrar nuestra pertenencia a un grupo, nuestra clase social, de rebelión o de clamor por derechos. Durante la segunda mitad del siglo XVIII en Sevilla, las clases sociales no pertenecientes a la aristocracia ni burguesía, o sea, las más humildes, buscaron marcar la diferencia. En vez de imitar el traje de las clases altas, como era habitual, los majos y majas fueron los que convirtieron su atuendo en moda. La bata con volantes de las gitanas y campesinas influyó en las clases más acomodadas. El deseo de diferenciación frente a la moda extranjera, la “gitanofilia” que se desató entre la juventud de las clases altas, que comenzaron a dar valor a los cantes y bailes gitanos llegaron a conformar el todo que es el flamenco.
La importancia de la Feria.
En 1846, dos concejales del ayuntamiento de Sevilla tuvieron la idea de restaurar aquella idea de Alfonso X de crear dos ferias anuales para la ciudad. Una en abril y otra en septiembre. Al final la intención quedó en una feria anual, en abril, y el 5 de marzo de 1847, Doña Isabel II firmó una Real Orden confirmatoria. Se inauguró la feria con casetas en las que se vendía vino, aguardiente. Estuvo vinculada a lo taurino desde su origen.
Las mujeres de las clases populares llevaban trajes vaporosos y mantones de China a los hombros. Las de las clases acomodadas, lucían los diseños de París para las fiestas nocturnas en las casetas. Pero el traje de gitana se fue imponiendo poco a poco. Fotografías de 1915 muestran ya a mujeres yendo a la feria vestidas de flamenca.
Entre 1890 y 1910 se conformó lo que es el atuendo que conocemos actualmente.
El traje muy ceñido al talle, con escote y falda acampanada con volantes, en principio confeccionados con tejidos baratos como el percal, liso, de lunares o estampado. Bajo la falda, enaguas almidonadas con uno o varios volantes para dar volumen -ya no se utilizan-. Pañuelo de cuatro picos de seda bordado, rematado con tira de flecos, mantón de China, complemento de mantilla de encaje sobre una peineta de nácar o carey -aunque el uso de mantilla fue decayendo durante los años treinta.
Reanudación tras la guerra.
Y tras la suspensión de la feria durante la Guerra Civil y su reanudación en 1940, la mantilla se utilizaba para la Semana Santa y corridas de toros. El moño bajo se adornaba con peineta o peinecillos y flores, naturales o artificiales. Collares de cuentas de perlas, coral o artificiales, pendientes pulseras, todo de colores llamativos y zapatos con trabillas, para facilitar el baile, terminaban el atuendo.
Tras la Feria de 1929, el traje se consagró como atuendo oficial para acudir a ella
A partir de ahí fue evolucionando.
Evolución.
Lola Flores, La Faraona. Imagen de www.eslang.es
Por ejemplo, en los años 60 del siglo XX, hubo un cierto rechazo del traje por parte de la juventud, pero a finales de la década, fue superado, y siguiendo el auge de la minifalda, el vestido se acortó hasta media pierna y rodilla, además de aparecer los estampados psicodélicos.
Década de los 70: el largo del vestido volvió a los tobillos.
Los 80: se volvió al traje de los años 40, y se recargaron de encajes almidonados y cintas de raso.
En los 90: se hizo más ligero, con menos adornos y aparecieron nuevos escotes.
1995: se creó el Salón Internacional de la Moda Flamenca (SIMOF), en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Sevilla (FIBES), donde, tanto diseñadores consagrados como nuevos valores, exponen sus creaciones. En la última edición, 2018, se presentaron 1500 modelos creados por 50 diseñadores.
Además, comenzaron a separarse los trajes utilizados según fueses para romería, feria o bata de cola para el baile profesional.
Tipos de traje.
Mujeres con traje de gitana. Imagen de www.barbararosillo.com
TRAJE DE ROMERÍA.
Aunque son muchas, la más popular es el Rocío. A la romería en la aldea se acude con la bata rociera, de una pieza, aligerada de volantes, más sencilla que el traje de la Feria de Sevilla. Para el camino es común el uso de batas ligeras o falda y camisa o camiseta, alpargatas, botas camperas u otro tipo de calzado cómodo, y flores silvestres como adorno. La cabeza puede ir cubierta con pañuelos o sombreros.
Fotografía de la romería del Rocío. Fuente http://agentur-focus.de/de/fotografen/christoph-otto/portfolio/?view=grid
TRAJE DE FERIA
Además de la Feria de Sevilla, el traje de flamenca se usa en Jerez de la Frontera, El Puerto de Santamaría, Sanlúcar de Barrameda, Cádiz, Málaga, Córdoba, Huelva… (BUSCAR FERIAS)
Los trajes cambian según modas o diseñadores. Los volantes pueden ser de capa (cortado al bies, cosidos sin fruncir, pegados a la falda) o al hilo (en línea recata y fruncidos, siguiendo el hilo de la tela). La falda base es acampanada y está formada por seis piezas trapezoidales llamadas nejas, alrededor de las cuales se sujetan los volantes, en forma de ondas, de forma asimétrica o concéntricamente.
Como explica Rosa María Martínez Moreno* en su texto El traje de flamenca: una aproximación etnológica -fuente muy importante para la creación del presente artículo-, existe una forma denominada María de la O, porque, aunque ya se utilizaba, se popularizó a partir de la canción interpretada por Estrellita Castro, y que consiste en una serie de volantes cosidos entre sí, siempre con mayor amplitud que el anterior, y que dan a la falda entre 9 y 12 metros de vuelo.
*Rosa María Martínez Moreno, cuya tesis Doctoral se tituló “La Indumentaria Flamenca: Vestimenta, Imagen e Identidad en Andalucía”, es Maestra, licenciada en Geografía e Historia y doctora en Antropología Social y Cultural por la Universidad de Sevilla. Completó sus estudios doctorales sobre Moda e Indumentaria en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París.
LA BAILAORA Y LA BATA DE COLA
Sus formas son muy variadas, directamente relacionadas con el tipo de baile que interpretan, dejando movimiento a las piernas y brazos. Desde trajes sobrios y sencillos a vestidos llenos de volantes y cortes, con talles ajustados que destacan la figura de la artista.
La bata de cola tiene un papel protagonista en este tipo de vestidos. Su confección es complicada. Apareció en la segunda mitad del siglo XVIII, confeccionada entonces en un tejido labrado en tonos pastel y con adornos florales. Arrastraba en la parte trasera y se ajustaba al cuerpo con cordones y cintas. El escote era redondeado y las mangas tres cuartos. Abajo, la falda con tablas que daban vuelo preciso para bailar y en los laterales dos aberturas, para esconder bolsillos. Hoy en día los colores no se limitan a los tonos pastel. Es considerada como una prenda que destaca la feminidad, que la hace majestuosa, y el saber bailar con ella es una señal de arte, ya que es complicada. Actualmente, algunas de sus defensoras, como Matilde Coral, intentan concienciar de su uso e importancia, para que no desaparezca. Yo así lo espero. Larga vida al flamenco, larga vida a la bata de cola y a los demás tipos de traje.
María Gondar para el Blog de Cruz Costa Costura.
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ARTE+HISTORIA+MODA
A veces uno no sabe bien cómo surgen las ideas, parece que lo hacen de forma natural, sencilla. Aparecen sin más cuando estamos trabajando, dando un paseo, a punto de dormir… No lo hacen, desde luego, cuando más lo deseamos o necesitamos, cuando nos suplicamos a nosotros mismos “inventa algo bueno, por favor”, pero supongo que sí responden a ese esfuerzo mental de querer hacer algo diferente. Es como si la intención y las ganas se quedasen encerradas en la cabeza, que funciona por su cuenta, sin comentarnos qué hace, como una especie de compañero de trabajo que conoce nuestro esfuerzos, anhelos, frustraciones, agobios… y se pone a discurrir, sin avisarnos de lo que trama, y nos sorprende de repente con el trabajo hecho.
Mi madre colecciona Meninas desde hace años. Estaba haciendo unos collares en piel, adornados con diferentes animalitos, figuras… y se me ocurrió hacerle uno para ella con una Menina en relieve. Una noche de esas en las que, como canta Manolo García, mi mente estaba desbocada, en vez de dormida, pensé que por qué no la hacía más grande, para un cuadro, en lugar pequeñita en un collar, para que la pudiese tener decorando la pared, y así surgió esta idea, sin buscarla. Una vez visto el resultado, la mente se desbocó aún más, y decidimos hacer más diseños, jugar con diferentes colores, materiales, texturas, fondos. El cuero metalizado moldeado da buen resultado. Y desde ese punto, decidí dar un paso más: crear diferentes siluetas en piel para vestirlas con trajes históricos. Llevo desde los 6 años haciendo diseño e ilustración de figurines, y a los 35 he encontrado otra forma de expresarme con diferentes materiales a lo que intento dar nuevos usos.
El proyecto une, por tanto, Arte, Moda e Historia, jugando con la idea de que la Moda no es simplemente la ropa que vestimos, sino que responde a mucho más: es un mecanismo de comunicación, ha tenido y tiene que ver con política, religión, ideales, luchas por igualdad de derechos, evoluciones tecnológicas e industriales, simbología, público, haciendo un homenaje a los creadores del pasado. Las prendas representadas se inspiran en el estilo del momento o según “las normas” del tipo de prenda representada, como puede ser un vestido barroco español, que se diferencia del francés, el Rococó de la corte francesa de Marie-Antoinette, y otros trajes históricos, y sus complementos, que iremos mostrando próximamente.
Los diseños son originales, pero basados en la Historia del Vestido.
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DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA.
DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA
Hace unas semanas me encontraba dibujaba unas ilustraciones para camisetas escuchando Francesca da Rimini, y pensaba que Rachmaninov no me estaba ayudando nada a tener más inspiración, pero sí estaba haciendo del momento de frustración, nada productivo ni creativo, un rato muy agradable.
Entonces, la explotada neurona que me queda pasó de la concentración a la divagación, se fue de paseo a la ópera, y me hizo pensar que estaría muy bien poder diseñar vestuario para este tipo de espectáculos. Y así nació la idea para este artículo.
Hacer una lista de diseñadores para ópera haría el texto demasiado extenso, así que me he limitado a escoger a algunos de los más destacados, por su pasión, audacia, por su método de trabajo, o por cómo de rebote alguno acabó diseñando vestuario a pesar de no ser su oficio e incluso caeré en el cotilleo contando algún truculento detalle personal.
MARIETTE Y EGIPTO:
François Auguste Ferdinand Mariette (Boulongne-sur-Mer, Francia, 1821- El Cairo, Egipto, 1881) no se imagina mientras da clases de dibujo en Stratford (Inglaterra),durante 1839 y1840, que acabará siendo un experto en Egiptología y como tal colaborará en la representación de Aida en El Teatro de Ópera del Jedive, en el Cairo, el 24 de diciembre de 1871.
De profesor de dibujo a egiptólogo
En 1841 descubre en el Museo de Boulogne algunos objetos egipcios y queda impresionado. En 1845, su primo lejano Nestor L’Hôte, dibujante de gran talento que acompaña a Jean François Champollion en Egipto, muere. Mariette es el encargado de clasificar sus papeles y dibujos, y descubre la Egiptología. Estudia los jeroglíficos, el copto, el sirio, el arameo y renuncia a su plaza de profesor por un puesto mal pagado en el Louvre.
El Escriba sentado
En 1850 es enviado a Egipto para adquirir unos manuscritos en copto, pero esta misión fracasa y decide, sin permiso y a escondidas, utilizar los fondos para excavar Saqqara, donde encuentra primero una esfinge y después desentierra algunas más, además de la estatua del Escriba (Museo del Louvre, París). Este es sólo el principio de la carrera de uno de los padres de la Egiptología y fundador del Museo del Cairo.
Aida
Pero volvamos a Aida (ópera que trata de una princesa etíope prisionera en Egipto): el jedive de Egipto, Ismail Pacha encarga a Verdi una oda para conmemorar la apertura del Canal de Suez, pero Verdi declina la invitación alegando que él no realiza “piezas ocasionales”. Pachá intenta convencerlo nuevamente, al tiempo que también lo hace con Gounod o Wagner. Finalmente, cuando Verdi lee el argumento escrito por Mariette, acepta componer una ópera. El despliegue escénico es grandioso. Mariette crea los personajes, el vestuario, los decorados, inspirándose en las pinturas de la tumba de Ramsés II y en los colosos ornamentales de su templo en Madinet Habu, por ejemplo. La corona que ciñe Amneris es de oro macizo. En los figurines que se muestran a continuación, puede apreciarse el trabajo detallado del diseñador.
Ilustración de personaje egipcio para Aida, por Mariette. Imagen de “Amigos de la Egiptología”.
Personaje etíope para Aida, por Mariette. Imagen de “Getty Images”.
CHARLES BIANCHINI Y LAS VALKIRIAS:
Antoine Charles Bianchini, (Rhône, 1859- París, 1905), conocido como Charles Bianchini es un diseñador francés de vestuario escénico para teatro. Aunque su padre lo envía a Inglaterra para estudiar Comercio e Inglés, su verdadera vocación es el Teatro; desde la administración hasta la puesta en escena o el vestuario.
Comienza diseñando trajes de fantasía para revistas, y recorre Holanda con una troupe, y poco a poco, su vocación se va centrando en la puesta en escena. Unos años más tarde debuta con Eldorado, después monta Sigurd para Bruselas, vuelve a hacerla en Lyon y llama a la Ópera de París para solicitar representarla allí, solicitud que le es concedida y vende para ello sus muebles para financiar el proyecto.
Diseñador de la Ópera de París
Y en 1883 se convierte (hasta su muerte) en el diseñador titular de esta Ópera, además de crear para otras escenas, en especial para la Ópera Cómica. Posteriormente monta Les Deux Pigeons, Patrie !, la Dame de Monsoreau, Roméo et Juliette, la Tempête, le Rêve, Ascanio, le Mage.
Para la Opéra-Comique: Madame Turlupin, le Roi d’Ys, l’Enclume, l’Escadron de la Reine, Esclarmonde, Dante, la Basoche; à l’Odéon, Caligula, además de otras piezas de Ambigu.
La Walkyrie
En 1893 diseña el vestuario para La Walkyrie de Wagner (la segunda de las cuatro óperas que componen El anillo del nibelungo, inspirada en la mitología nórdica, y cuyo fragmento más conocido es “La cabalgata de las valkirias”), con un estilo muy realista.
Figurín por Bianchini para La Walkyrie de Wagner en la Ópera de París.
Figurín de Bianchini para La Walkyrie de Wagner, en la Ópera de París, 1893. Imagen de Pinterest.
Es evidente que al ejercer un oficio de forma vocacional se hace apasionadamente, intentando dar lo mejor de uno mismo, crear un estilo propio y dejar impronta. Bianchini es minucioso y detallista. Ningún detalle del personaje es dejado a la improvisación. Todo está diseñado y representado: ropa, complementos, joyas, maquillaje, peinado…
Rey de Irán, por Bianchini. Imagen de gallica.bnf.fr
Hay muy pocos datos de su biografía, pero sí se sabe que el 10 de Mayo de 1898 cae enfermo de forma repentina, entrando en un estado parecido al coma, y hasta el día 17 alterna extraños estados: amanece mejor, pero su estado se agrava rápidamente durante el día, aunque no muere. Nadie sospecha de su mujer, hasta que el día 13 pide a un doctor atropina “para su perro”. Las sospechas se convierten en certeza por las alucinaciones de los días 14 y 15, por lo que decide avisar a otros doctores y es finalmente apartado se su esposa el día 17. En 8 días está en pie.
Madame Simonet. Personaje de La Traviata (ópera de Verdi basada en La dama de las camelias, de Dumas. La ilustración para este vestido parece sencilla, simplificada, sin embargo todo está exquisitamente detallado: tejidos, colores, brocados, forma.
A partir de 1900 los temas históricos modifican el método de trabajo de los costureros y los talleres deben adaptarse.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la Ópera de París colabora estrechamente con la Escuela de París y con la Escuela Italiana.
LILA DE NOBILI VISTE A “LA CALLAS”:
Lila De Nobili (Lugano, 1916- París, 2002) es una diseñadora, diseñadora de vestuario y escenógrafa suizo-italiana. Destaca como ilustradora para la revista Vogue. En 1943 se establece en París . Realiza históricos vestuarios en ópera, especialmente en La Scala de Milán con Luchino Visconti, Maria Callas, Franco Zeffirelli, Luigi Squarzina y en Inglaterra con Frederick Ashton, Tony Richardson y Peter Hall entre 1957-62 en seis producciones de obras de Shakespeare, y la primera Carmen en el Palais Garnier en 1958.
María Callas vestida por Lila de Nobili para La Traviata. Imagen de Wikipedia.
Figurines de Lila De Nobili para Las cigarreras de Carmen. Imagen de Pinterest.
En los años 1960 los estilistas sustituyen a los pintores. Roland Petit encarga a Yves Saint Laurent el vestuario de Notre Dame de París, y Robert Wilson hace lo mismo con Kenzo para La Flûte Magique (1999).
CHRISTIAN LACROIX Y SUS MARAVILLOSAS ILUSTRACIONES:
Pero entre los diseñadores, quien destaca sobre el resto es Christian Lacroix (Arles, Francia, 1951). El diseñador se aparta de las pasarelasen el 2009, y aunque colabora con alguna marca, la mayor parte de su talento como modisto lo dedica al vestuario para ópera. Ha llevado la Alta Costura al escenario. Su visión barroca y exagerada de la moda, encaja perfecta en la ópera. Y sus ilustraciones son fantásticas.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Pinterest.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Imagen de Pinterest.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París.
IRIS VAN HERPEN: ¿LA ESCULTORA DE LA MODA?
Si a Balenciaga o Stéphane Rolland se les conoce como los arquitectos de la Moda, creo que Iris Van Herpen (1984) bien merece el título de escultora además de modista. En un momento en que todo parece inventado, esta diseñadora ha conseguido insuflar aire nuevo moviéndose entre la alta tecnología, la impresión 3d, la ciencia y el artesanado, à la quête de nuevos materiales y técnicas, concibiendo la moda como arte.
Pelleas et Méllisande
Es además noticia estos días porque creará 20 trajes para el Ballet Pelleas et Mélisande, compuesto por Claude Debussy y que será representado en la Ópera de Anvers (Francia). Sus diseños obviamente no son para la calle, para la vida diaria, pero creo que, como Lacroix, encaja perfecta en este medio, en los escenarios, tanto para obras nuevas, como para revisar el vestuario de los clásicos. Intentando imaginar cómo vestiría ella a Armida, la hechicera enamorada de Rinaldo, me despido hasta el próximo artículo.
Vestuario de Iris Van Herpen. Imagen de Vogue.
Un saludo y gracias por la lectura.
María Gondar para El Blog de Cruz Costa Costura.
BIBLIOGRAFÍA:
https://vestuarioescenico.wordpress.com/
http://www.opera-europa.org/es/recursos-de-pera/historia
http://www.filomusica.com/opera.html
https://www.artlyriquefr.fr/personnages/Bianchini%20Charles.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Lila_de_Nobili
https://www.opera-comique.com/fr/l-opera-comique/l-atelier-costumes-teinture-naturelle
https://www.olyrix.com/decouvrir-opera/metiers-de-lopera/6/le-costume-a-lopera-1-la-place-du-costume
http://www.elmundo.es/cultura/2016/05/21/573f44b246163ff17a8b45a0.html
http://www.itfashion.com/cultura/arte-y-parte/en-los-archivos-de-lacroix/
http://egiptologia.com/aida-y-mariette-una-opera-egiptomaniaca/
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