Sin categoría

HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA

Historia de la ropa deportiva

2020 será año olímpico. La ciudad de Tokio acogerá los Juegos de la XXXII Olimpiada desde el 24 de Julio al 9 de Agosto. Los organizadores nos hacen la boca agua asegurando que serán los más innovadores de todos los que se han celebrado. Y, conociendo la cultura tecnológica japonesa, mezclada con su amor por la tradición y las ceremonias, las emociones, el respeto, con su lucha contra la adversidad (el clima, la confluencia de las cuatro placas tectónicas sobre las que se encuentran…) y su manera de enfrentarse a ella con sabiduría, buscando la belleza, la seguridad, la conexión con la naturaleza en forma esos jardines sublimes, ¿cómo estamos?

Pues sentaditos esperando, frotándonos las manos, moviendo nuestras piernecillas inconscientemente, emocionados, a ver qué nos han preparado, como cuando mamá hace paella. (Porque las mamás también nos enseñan a sacar lo mejor de la adversidad, intentando crear hogar feliz con los medios que tienen. Buscan la perfección en lo que hacen, para nuestro disfrute y seguridad.)

KENGO KUMA

El arquitecto Kengo Kuma ha levantado su proyecto de Estadio Olímpico sobre el que se construyó en 1964. Se espera la conclusión de este proyecto para finales de este mes de Noviembre. Y el 21 de Diciembre podrá ser visitado, aunque para la inauguración, habrá que esperar hasta el gran día, el 24-06-20.

Kengo Kuma ha trabajado con madera de cedro, con formas de terraza, escalonadas, para mostrar al mundo que es factible la aplicación de la técnica tradicional japonesa para este tipo de construcciones de gran tamaño.

Leyendo sobre los proyectos de Tokio me he puesto ha pensar en también el diseño aplicado a la indumentaria, en su evolución. Y por eso comparto hoy este pequeño resumen de la Historia de la ropa deportiva.

Recuerdo que, desde pequeña, buscaba los horarios de emisión para ver Vela, Gimnasia Rítmica, Gimnasia Artística y Natación sincronizada. En cuanto a esta última disciplina confieso ser una gran admiradora. Y por supuesto, gran fan del equipo español, de su altísima calidad de puesta en escena, no sólo de sus técnicas deportivas, creatividad en las coreografías, sino también en la enorme originalidad de los diseños de sus bañadores y gorros, inspirados en las melodías.

EL EQUIPO ESPAÑOL DE NATACIÓN SINCRONIZADA

En el Mundial de este verano durante una de las pruebas, el equipo compitió al ritmo de una canción de AC DC, vestidas con unos bañadores que simulaban ser chaquetas de cuero rojo, muy rockeras. Antes de saltar a la piscina, subieron las cremalleras de sus “cazadoras”.

 

Tenemos claro que el deporte es un catalizador para la evolución de la moda.

Su uso no se limita a las pistas deportivas, piscinas, etc. a la calle y las pasarelas de alta costura. Se asocia a la comodidad, a la vida sana y también al lujo.

¿Sabes cuánto qué gasto se estima en ropa deportiva para el próximo año?

 

1. HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA:

A finales del siglo XIX el uso de la bicicleta lleva al uso de ropa más ligera para los hombres y al de la falda pantalón por parte de las mujeres. Los baños de mar dan lugar a los bañadores, aunque sabemos, por representaciones como la de la Villa romana del Casale, en Sicilia, que en el la Antigua Roma ya se utilizaban bikinis.

Durante los años 1870 y 90 los ingleses van introduciendo diferentes deportes en Francia, además de comercios especializados en equipamiento deportivo. Primero importan del otro lado del Canal de la Mancha, pero, paulatinamente, comienzan a fabricar en el país galo. Tunmen es el primero en instalarse en París y vende mallas para correr, nadar, jugar al fútbol..

Los Juegos Olímpicos modernos se celebran por primera vez en 1896. En las de París en 1900, las mujeres pueden participar en tenis, golf, vela, croquet… En 1904 también en tiro con arco.

La burguesía urbana de la Belle Époque hace deporte y la ropa se va especializando.

Con el esquí aparece el anorak, con el golf el cardigan y los polos…

¿Y el pantalón Jodhpurs? Es un tipo pantalón de equitación, bastante holgado en la parte superior, con una pieza en la entrepierna hasta la rodilla como refuerzo de esta parte, que está en contacto con el caballo; y ajustado del tobillo a la rodilla para evitar pliegues en las botas de montar. Lo importan de la India los oficiales ingleses. Fue creado para Pratap Singh, hijo del maharajá de Idar, Regente de la ciudad de Jodhpur, quien era un jugador de polo nada satisfecho con sus pantalones de montar. El Jodhpur es una revisión de antiguo pantalón indio Churidar, ajustado hasta la rodilla y holgado en la cadera, y se convierte en el uniforme de muchos equipos de polo de la India.

En la década de 1920, algunos diseñadores, como Elsa Schiaparelli, comienzan a interesarse la indumentaria deportiva, que poco a poco se va introduciendo también en la vida diaria, en la ropa de calle.

¿Qué animalito viene a tu cabeza si digo «tenis»? Sí, el cocodrilo. Las chicas con falda plisada y los chicos con el polo Lacoste, creado en 1927. Aquellos primeros de algodón y hoy en día, la mayoría, en fibras sintéticas como el polyester, para facilitar movimiento y liberación de sudor.

FÓRMULA 1 Y TRAJES IGNÍFUGOS

Piensa ahora un momento en un piloto de Fórmula 1. ¿Cómo lo estás visualizando en tu cabeza? Perfectamente vestido, protegido, con la más alta tecnología textil para evitar arder en caso de accidente, para poder transpirar, etc… Pues no siempre ha sido así.

El primer campeonato se celebra en 1950 y los pilotos llevan una camisa de algodón, casco y guantes de cuero y SIN cinturón de seguridad. Pero en los 70 todo esto se modifica. Tras el accidente de Niki Lauda (fallecido este 2019) en el que las llamas le desfiguran cara, cabeza y manos, se toma conciencia de la importancia de la seguridad.

Los trajes pasan a ser ignífugos desde 1975, cuando la Federación Internacional de Automovilismo lo dispone como requisito indispensable. Como exigencia deben tener la capacidad de resistir las llamas hasta once segundos (tiempo de poder abandonar el vehículo en caso de incendio). Los científicos de Dupont crean en 1961 la fibra Nomex® (se comercializa desde el 67), que funciona como barrera entre el fuego y la piel. Es una variación del kevlar, flexible y parecido al nylon. Y este material pasar a ser el uniforme de los pilotos.

Desde la ropa interior hasta el traje, todo es de Nomex®. Los guantes también, aunque lo combinan con cuero, para mejorar el agarre al conducir.

EL GOLF

Para muchos, el golf es uno de los deportes más estrictos con su vestuario, aunque para otros, las normas de indumentaria son equiparables a las de otros deportes, como pueden ser el fútbol o el baloncesto. Quizás la idea de que es más estricto se deba a que la ropa de golf no es de deporte, sino más bien, de calle; pero en la que no todo está permitido, o tal vez al hecho de ser uno deportes en los que menos se ha modificado el atuendo a la largo de esta Historia de la ropa deportiva. O que se asocia al lujo, a un deporte para élites y, quizás, intensifica esa sensación de normas arcaicas.

Existe actualmente un debate sobre si las normas deberían relajarse y adaptarse más al momento, como hacen otras disciplinas deportivas o, por el contrario, mantener la tradición. Por ejemplo, Tommy Fleetwood, número 1 europeo, quiere que se permita practicar golf en chándal.

No existe un reglamento internacional con una lista de vestuario apropiado o prohibido. Son los clubes los que deben decidir cómo visten sus socios, con sus propias reglas. Pero, aunque haya unos clubes más exigentes que otros, en todo el mundo, la tradición funciona como norma global:

-Están prohibidos los vaqueros, las mallas, los pantalones de camuflaje o los ya mencionados chándal. Deben ser largos y, si son cortos, no se permiten shorts, sólo bermudas por debajo de la rodilla o 10 cm por encima de ésta.
-Las camisas o polos deben tener cuello y siempre deben estar metidas dentro del pantalón.
-Las gorras deben llevar la visera hacia delante.
-No se permiten zapatillas deportivas, sólo zapatos de golf.

 

LA GIMNASIA RÍTMICA

¿Recuerdas a Jean-Jacques Rousseau? Si no has leído más sobre él, al menos tienes ese recuerdo de los apuntes del colegio, de hombre ilustrado, aunque separado de otros protagonistas de la Ilustración, como Voltaire. Conoces su frase: «El hombre es bueno por naturaleza». Quizás lo recuerdes como impulsor de la Revolución Francesa. Y ahora no entiendes por qué hablo de él justo debajo de un subtítulo que pone «La gimnasia rítmica», en un artículo sobre la Historia de la ropa deportiva.

 

Pues porque Rousseau es un polímata, un hombre dedicado a la Escritura, la Filosofía, la Música, la Botánica, y la Pedagogía.

Y en esta última disciplina, en la Pedagogía, establece los primeros principios de la gimnasia deportiva, integrando el ejercicio corporal como parte de la educación de un niño, intentado desarrollar todas las potencialidades, ya que antes no se incluían aspectos corporales.

Pedagogos y médicos como Peter Henrik Link continúan desarrollando estas ideas, intentando que los niños expresen sus sentimientos y emociones a través del movimiento.

A partir de 1890 el suizo Dalcroze desarrolla un método musical. La bailarina Isadora Duncan desarrolla ejercicios de gimnasia. Y con Rudolf Bode, alumno de Dalcroze, nace la gimnasia moderan.

La indumentaria también se rige por ciertas normas:

• los maillots no pueden ser transparentes. Las gasas y encajes van forrados de color piel.
• el escote no puede bajar de la línea de la mitad del esternón (delantero) y de la línea inferior de los omóplatos (espalda).
• el corte del maillot en la pierna no puede sobrepasar el pliegue de la ingle. Está permitido el mono, pero con las dos piernas del mismo color, aunque pueden variar las decoraciones.
• si se compite en equipo, se hace con trajes idénticos, aunque se permiten pequeñas diferencias en estampado, debido al corte del tejido.
• se pueden llevar medias, mallas, puntos de sutura, adornos, cristales Swarovski…
• si lleva falda, no puede quedar más baja que la pelvis.

 

 

QUÍMICA Y TECNOLOGÍA, GRANDES AMIGAS DE TODA LA VIDA DEL TEXTIL DEPORTIVO.

La ropa deportiva se ha convertido en un elemento importantísimo de las competiciones, tanto por estética como por rendimiento o seguridad. Los textiles para deporte están siempre a la vanguardia de investigaciones para mejorar resistencia al fuego, al frío, al agua, facilitar la transpiración (para que no huela mal, no se moje…), para proteger contra los rayos del sol o incluso para permitir ser atravesados por ellos y no dejar marcas de bronceado, para facilitar el movimiento, ir más rápido (diseños aerodinámicos).

Xiaomi acaba de presentar hace unos meses una camiseta que mide el pulso. Los elementos electrónicos, un chip en la parte delantera, no se perciben en el textil. Lleva una batería, recargable por USB, colocada en la espalda y el precio, 25 euros, la hace muy asequible.

LAS FIBRAS SINTÉTICAS:

El desarrollo de las fibras sintéticas ha abierto un abanico de posibilidades y funcionalidades enorme, desarrollando el campo textil en un modo inimaginable hace años.

Con los polímeros, por ejemplo, se puede conseguir que un traje completo de deporte tenga unas características concretas en diferentes zonas, porque, por ejemplo, no necesitamos el mismo aislamiento térmico en el tronco que en las piernas.

Las fibras antibacterianas, mediante principios activos, evitan los malos olores de la transpiración.
Los polipropilenos, como no son amigos del agua, se secan a gran velocidad.

GORE-TEX

En 1958 el ingeniero químico Bill Gore descubre un polímero llamado  politetrafluoroetileno (PTFE), que utiliza para el aislamiento de cables. Lo conoces por su nombre de marca, el Teflón. En 1969 consigue desarrollar un hilo que permite escapar la transpiración, pero que, a su vez, impide el paso de gotas de agua, el politetrafluoroetileno expandido ePTFE. Es así cómo nace el conocido Gore-Tex.
En 1976 crean la primera colección con este material para deporte y ocio. En 1979 lo incorporan al traje de los bomberos norteamericanos y hoy en día es utilizado en todo el mundo, en equipamiento náutico, en ropa militar, etc.

 

CUIDANDO EL PLANETA.

 

Pero no todo debe ser buscar un mayor rendimiento en la competición, o un mayor confort cuando practicamos deporte. Es imperativo que, con cada gesto, con cada producción, tomemos conciencia y pongamos nuestra participación en la sostenibilidad y lucha contra la contaminación y destrucción, seamos fabricantes o consumidores. Por nuestro bien y para nuestro propio beneficio. Por tener un planeta en el que nadar o correr.

Malden Mills® crea en 1979 un tejido térmico de poliéster. La idea es desarrollar un producto con las cualidades de la lana, pero sin sus inconvenientes, que mantenga la piel caliente y seca. Se inspira en la piel de los osos polares, de ahí el nombre del invento: la fibra polar. Desarrollan varios tejidos como el Polarplus, Polarlite… Pero, finalmente deciden englobar todos en la firma Polartec®, que es utilizada por muchas marcas de alta gama del mundo (los más baratos son versiones aproximadas sin las mismas cualidades técnicas).

¿Sabes con qué se fabrican ahora? Polartec® sigue pensando en los osos, en el deshielo y en la fabricación con material reciclado. Crean en 2012 la serie Polartec ® Recycled. Cada chaqueta utiliza una media de 25 botellas de plástico de 2 litros. En el 2015 reutilizan un millar de estos envases.
El tejido no es impermeable, aunque combinado con otras fibras y acabados sí consigue esta función.

 

LA POLÉMICA: ROPA TECNOLÓGICA EN COMPETICIÓN. ¿SÍ O NO?

Como cierre a esta Historia de la ropa deportiva, retomo la apertura.

Volvamos a los Juegos Olímpicos. Natación. ¿Te suena la marca Speedo?
En el 2008, Michael Phelps, Amanda Beard y Natalie Coughlin exhiben unos trajes desarrollados por una empresa italiana (Mectex) junto al Instituto Australiano de Deporte y con colaboración de la NASA, que aporta tecnología, como un software de análisis de fuidos. Petratex, una empresa portuguesa, los fabrica. Son los LZR.

Comprimen el cuerpo, de modo que es más aerodinámico, favorecen la oxigenación de los músculos, y están cosidos con ultrasonido para evitar costuras que provoquen turbulencias o fricción. Repelen, también, el agua. Su precio: 470 euros.

La polémica:

La FINA aprueba su uso con la condición de que esté disponible para todos los participantes de los Juegos de Pekín 2008.
Sin embargo, algunos, como el ex nadador Kierin Perkins se oponen. Perkins alega que tanto el precio como acuerdos comerciales puedan desfavorecer a competidores, y que una ventaja tecnológica de unos sobre otros gracias al equipamiento va en contra de este deporte.

Los equipos sin acuerdo de Patrocinio con Speedo están en desventaja. El 94% de las pruebas son ganadas por nadadores con este traje, y el 98% de medallistas también lo utilizan.
Esto provoca una oleada de críticas, comparándolo al dopaje. Y en 2010, la FINA decide prohibirlo.

Desde el 2010 el bañador de hombre no puede pasar del ombligo o ser más largo de la rodilla, y para mujer, no puede cubrir ni los brazos ni el cuello. Además, facilitan una lista con 202 bañadores permitidos y un participante debe debe notificar con un año de antelación qué prenda utilizará en los Juegos.

En 2012 Speedo presenta un nuevo traje, el Fastskin 2, pero Arena, con su Powerskin Carbon-Pro lo supera.
En Speedo alegan que el deporte debe ir ligado a la tecnología, al avance.

¿Qué opinas?

Está claro que ambos deben ir de la mano. Todo lo que sea mejorar rendimientos, seguridad y confort debe ser bienvenido; pero en una competición, estoy de acuerdo con los que se oponen. El avance tiene que ser posible para todos, sin ventajas que se compren. Al igual que cuando en Fórmula 1 los trajes pasaron a ser ignífugos.
Los coches de rally no compiten contra bicicletas. La habilidad, potencia, resistencia y técnica del deportista no son comparables si se juega con diferentes medios.

 

Espero que te haya gustado este repaso a la Historia de la ropa deportiva.

Un saludo.

María Gondar.

 

 

Artículo: Historia de la ropa deportiva.

Historia de la ropa deportiva

READ MORE

ENTREVISTA A ANA ABELLEIRA, «ANA RED MOON»

Dicen que si quieres llegar rápido, camines solo; pero si quieres llegar lejos, lo hagas en grupo.

Me encanta trabajar en equipo. Ana no trabaja conmigo, no está literalmente en mi equipo; sin embargo, la siento como compañera. Desde que iniciamos camino profesional, que hacemos a solas o acompañados, nos vamos encontrando con personas en situaciones parecidas a las nuestras, o que conocen en qué momento nos encontramos, y empatizan con nosotros, porque lo han vivido anteriormente, y deciden echarnos un cable, aconsejarnos, contarnos sus trucos, secretos, animarnos…

El ser humano necesita contacto, sentirse comprendido o que parte de algo, de un grupo; compartir errores, fracasos, derrotas, éxitos…

He decidido crear un apartado en el Blog, para entrevistar a compañeros y compartir qué hacen, quiénes son, y quiero que Ana sea la primera. ¿Por qué? Nos conocimos durante unos cursos para novatos profesionales -le tengo manía a la palabra emprendedor, porque se ha usado tanto, que creo que ha perdido su significado real-. Se dedica también a la Moda.

Sin apenas conocerme, decidió compartir mi trabajo en redes sociales, en sus Historias de Instagram, para ayudarme a promocionarme. Y no lo hace sólo conmigo. Ana, arañita -es un encanto-, está tejiendo su red de contactos, creando equipo. Nos avisamos de concursos, eventos, noticias que pueden ser de interés para la otra…

No siempre es así: algunas personas guardan en secreto hasta las mayores tonterías de sus negocios, como si de la receta de la Coca Cola se tratase. Recuerdo una vez que pregunté a alguien dónde hacía las etiquetas con las indicaciones de lavado y planchado de las prendas, porque no tenía ni idea, y después de una par de excusas absurdas,no me lo dijo. Como si el éxito de su marca se debiese al secreto de quién le fabricaba las etiquetas de «lavar a mano» y «no planchar». Por eso encontrarse con personas que comparten, es siempre una alegría.

Quería darle las gracias por ser ese tipo de persona que cree en la colaboración, en que de la mano somos más fuertes, y he pensado que le voy a dejar un espacio permanente en la web, con esta primera entrevista, y que nos cuente qué hace y por qué.

Antes de empezar,  sólo decir que hace unas camisetas pintadas a mano muy chulas.

 

¿Cuándo descubriste tu vocación  por el Diseño de Moda?
Mi vocación por el diseño de moda nació hace 7 años, más o menos. Desde pequeña siempre fui creativa.

¿Qué significa para ti el diseño?

Para mí es una forma de comunicación, para transmitir y liberar lo que llevas dentro. Es una manera diferente de expresar lo que sientes.

¿Eres creadora/artista diurna, nocturna… ?

Soy creadora diurna. Soy muy de despertar temprano y ponerme en marcha xD.

¿Y cómo te organizas?

Primero hago lo que me encargan, si tengo, claro; si no, lo que me apetece hacer o crear en cada momento.

Muchas veces se asocia la actividad de los creativos a horarios desordenados, caóticos, sin rutinas, pero en realidad no es lo común. Puede que las horas de trabajo de los creadores se alarguen y ocupen la noche o los momentos de descanso; pero no por una metodología caótica. ¿Qué opinas?

Por mi parte no soy desordenada ni caótica; quiero acabar el trabajo lo antes posible, de ahí que a lo mejor eche más tiempo y parezca que los tiempos no sean siempre iguales.

Además del diseño de Moda, ¿Qué otras actividades te interesan? Me interesa el mundo del maquillaje y la caracterización, también me encanta cocinar, sobre todo, hacer postres.

Mmmm, a mí también, ¿cuál es tu especialidad repostera?

Me encanta hacer tartas.

Envíame una foto entonces para cuando edite esta conversación.

¡Hecho!

 

¿Tienes algún método para encontrar la inspiración y desarrollarla? No, la verdad que me muevo por lo que veo por ideas que surgen. No se si existen métodos la verdad jeje

¿El trabajo de qué profesionales admiras, ya sean de tu campo o de otro? Alexander Mcqueen me fascina.

¿Algún sueño profesional que desees compartir? La verdad me gustaría desarrollar mi marca y dedicarme a ella.

Algunas de tus camisetas tienen dibujos a mano de mujeres africanas, y recientemente has publicado una colección en braille, personificada si se desea. ¿Deseas hablar de los por qué de estas inspiraciones? ¿Qué te ha llevado a trabajar con estos temas?

Sí, las Africanas son por que a mi madre le encantan los cuadros con esas negritas y sus costumbres; decidí hacerle una en su camiseta y, a partir de ahí, hice más, por que me gustan, es como diseñar una prenda. Y las camisetas de braille las hago porque me parece interesante saber más de otros lenguajes y darlo a conocer.

¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo?

Me gusta crear y disfruto mucho cuando noto que a la gente le gustan mis productos y se va contenta con su compra.

¿Y lo que menos?

Lo que menos me gusta es tener que hablar con la gente y comunicar o intentar vender. Soy muy tímida y me cuesta mucho tener temas de conversación si no me dan pie a ello.

 

 

 

READ MORE

CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 1

Curso de Diseño de Moda: Ilustración 1

¿QUÉ VAMOS A VER EN ESTA LECCIÓN?

En este post veremos qué es la Ilustración de Moda, haremos un breve repaso a su Historia, y, al final, te dejaré un PDF descargable, para que lo imprimas, con figurines de diferentes tallas. Así podrás empezar a familiarizarte con el cuerpo humano y con las poses de dibujo.

Sé que quieres que te dé rápidamente técnicas para mejorar tu forma de dibujar, que vaya al grano; pero mi intención es que, primero, entiendas que tanto el Diseño como la Ilustración de Moda, si vas a dedicarle parte de tu tiempo, son actividades para disfrutar, con calma.

Tenemos muchas lecciones por delante para aprender cómo hacer diferentes poses, cómo dibujar transparencias, brillos, estampados, complementos, cómo vestir a un personaje… No quieras aprender todo hoy, porque es imposible.

Lo haremos paso a paso, primero con diseño manual, antes de pasar al digital, aunque iremos viendo algunos trucos para corregir o rematar imágenes hechas a mano con Photoshop e Illustrator, para que vayas familiarizándote poco a poco con estos programas.

Antes de comenzar la lección, me gustaría hacerte una pregunta:

¿Crees que lo más importante de una ilustración es que el dibujo esté muy bien hecho, que sea muy bonito y realista?

Si crees que sí, debo decirte que estás equivocado.

Aunque es muy importante dominar la técnica de dibujo, lo verdaderamente importante es el MENSAJE que transmitimos con la ilustración. Puede que un dibujo que sea menos correcto que otro, hecho con gran habilidad y detalle, emita una idea mucho más potente.

Puedes hacer ilustración detallista, o más artística, será tu elección. Lo importante es que lo hagas a tu manera, que vayas encontrando tu propio estilo.

¿Cómo se hace?

Primero sabiendo de qué estamos hablando, después viendo qué hacen y han hecho los demás, y por último, practicar y practicar, hasta que tu forma de dibujar se manifieste y fluya.

COMENCEMOS:

1. ¿QUÉ ES LA ILUSTRACIÓN DE MODA?

Es una representación artística de prendas de vestir o complementos que está presente en el ámbito de la comunicación:

• publicación en revistas,
• creando imagen de marca,
• como parte del proceso creativo.

Sirve para:

• comunicarse con el cliente o con otras personas que forman parte del proceso creativo.
• hacer marca.
• contribuir al patrimonio cultural y artístico y revalorizar los procesos creativos artesanos vinculados con el diseño y creación de moda.
• ayudar a pensar, a generar ideas, a saber plasmarlas.
• aumentar la creatividad.

 

2. ¿DÓNDE Y CUÁNDO SURGE?

Durante el siglo XVII, pintores y dibujantes hacen este tipo de representación tanto en forma de grabados, aguas fuertes como en publicaciones el Mercure Galant, primera revista francesa, nacida en 1611.

En el siglo XVIII, los principales soportes son: revistas de moda, almanaques y estampas, y el en XIX se publican decenas de revistas, en las que añaden uno o varias ilustraciones.

Los dos Paul:

Sin embargo, el paso del dibujo estático a una ilustración más moderna, no se produce hasta 1908, cuando Paul Poiret, vinculado a la Alta Costura, encarga al joven Paul Iribe figurines para el libro Les robes de Paul Poiret raccontées par Paul Iribe, quien dibuja de forma novedosa. Tres años después, Poiret vuelve a encargar más ilustraciones, esta vez a George Lepape, para Les Choses de Paul Poiret.

TOUJOUS PARIS...

París es la capital de la moda, pintores, poetas, decoradores y compositores se codean. Tanto el Fauvisme, Cubisme, Art-Nouveau y Art-Déco están presentes en las obras de los ilustradores.

Las revistas americanas como Harper’s Bazar y Vogue y las francesas Femina y L’officiel publican a los grandes nombres del momento: Drian, Benito, Erté…

LA DECADENCIA.

Sin embargo, a partir del año 1939 comenzará la decadencia, y tras la Segunda Guerra Mundial, ya nada será igual. Con la aparición de la Fotografía de moda, en los años sesenta, la ilustración queda desbancada. Queda, no obstante, algún superviviente, como René Gruau, que con sus dibujos de Balenciaga y Dior alcanza un gran reconocimiento (haz click aquí para acceder a su web oficial), o el ilustrador Antonio López.

En los años 80 del pasado siglo vuelve, aunque con muy poca fuerza, a utilizarse este tipo de representación. Antonio López está en la cumbre de su carrera.

• 

• 

• 

3. Años 2000…

Una nueva generación de artistas como Tanya King, Mats Gustafson, Jean-Philippe Delhomme, François Berthoud, comienzan a hacerse un nombre.

La Ilustración vuelve a estar de moda.

Personalmente, me encanta el trabajo de Pepe Muñoz, Verónica Ahmatova (Ahvero), Arturo Elena, Alena Lavdovskaya, Lena Ker, Blair Breitenstein… Y te recomiendo que veas su trabajo. Comprobarás que hay mil maneras de dibujar, de representar, y cada uno ha encontrado la suya, su técnica, su forma de comunicar el mensaje.

Y, por supuesto, ¡adoro los dibujos de Lacroix!

• 

4. PREPÁRATE PARA DIBUJAR. YA NOS QUEDA POCO…

 

Desarrollando habilidades se estimulan conexiones cerebrales.

Dibujar fortalece nuestra motricidad fina (coordinación de los movimientos musculares pequeños, como los desdos); por eso es recomendable en adultos. Estimulamos ambos lados del cerebro, lo racional y lo creativo y emocional… Adquirimos cultura, ya que dibujar nos lleva a interesarnos por el Arte y la Historia –en los artículos de este blog dedicados a la Historia de la Moda, podemos ver cómo el diseño es una forma más de expresión artística, que muchas veces está directamente vinculada a la  política, a guerras,  a movimientos sociales revolucionarios…

¿Deseando coger el lápiz?

El figurín debe buscar un equilibrio entre la figura humana y lo artístico. O sea, que sirva de ayuda para comprender cómo es o cómo debe de hacerse la prenda representada, pero que no sea demasiado realista. No pretende ser una reproducción exacta del producto final. El papel en blanco nos da una libertad artística que debemos aprovechar. No hay normas. Simplemente son necesarias unas nociones sobre las formas del cuerpo y sus movimientos, sobre los tejidos y formas de representarlos y que practiques muchísimo. Si lo quieres hacer profesionalmente, seguramente buscarás tiempo; pero si quieres dibujar como actividad de tiempo libre, te recomiendo obligarte a ser constante, hacer un horario y cumplirlo: “voy a dibujar media hora todas las noches para relajarme”, “voy a dibujar los viernes por la tarde, que tengo dos horas libres”, etc. Tómatelo con calma. Haz que el tiempo que dibujes sea relajante, sin estresarte porque al principio no te salga lo que tienes en mente. Acompáñate de la música que te gusta, de un café… Pronto desearás tener más tiempo para dibujar.

Cada ilustrador o diseñador tiene su propia forma de adaptar el cuerpo humano al dibujo. Unos realizan bocetos rápidos, otros mucho más detallados. Por eso, antes de empezar a dibujar, sería interesante ojear, como te he dicho antes, los diferentes trabajos de ilustradores, en Instagram, Pinterest (#fashionillustration, #fashionsketch, #fashiondraw, etc.).

Para el que se enfrenta por primera vez al  reto de dibujar el cuerpo humano, es aconsejable descargarse plantillas con las proporciones, ya que una cosa es una figura alargada intencionadamente, por ejemplo, o esquematizada, y otra es que no sepamos qué largo aproximado debe tener un brazo. Antes de llegar a tener un estilo propio, debemos aprender cómo es la morfología humana, los movimientos del cuerpo, practicar poses… El figurín debe ser DINÁMICO, expresar movimiento, tanto corporal como de la prenda representada, sea de poses, caminando en pasarela, etc.

Mientras no domines el boceto básico, no tengas miedo de calcar plantillas básicas o siluetas de modelos de revistas, que no es pecado. Poco a poco irás familiarizándote con las formas. Es obvio que requiere mucha repetición, pero si de verdad te interesa la ilustración de moda, está a tu alcance conseguirlo. Arrugarás y tirarás muchos papeles, pero hasta las fases frustrantes tienen su encanto, y cuando consigas lo que pretendes, el esfuerzo por lograrlo, habrá merecido la pena, como pasa en otros aspectos de la vida.

Como te decía al principio, te dejo aquí unas siluetas de figurines de diferentes tallas, para que los descargues, imprimas y puedas calcar o copiar.

Otra opción es intentar partir de cero haciendo tus propios figurines básicos, de frente, perfil, espalda, cambiando poses. Sería interesante que pruebes distintas morfologías corporales, variando las tallas y cuerpos. Más adelante veremos un artículo dedicado a esto, pero ahora, vayamos paso a paso.

Sería interesante que en imágenes de modelos posando, marques las articulaciones con circulitos.

5. MATERIAL NECESARIO.

Obviamente, un ilustrador, sea profesional o aficionado, que lleva mucho tiempo dibujando cuenta con un “arsenal” de lápices, rotuladores, ha experimentado con diferentes técnicas: pasteles, acuarelas, esmaltes, lápices de colores, purpurinas, rotuladores, carboncillo, óleos… Al principio, seguramente no podrás hacerte con mil cosas, ni son necesarias para dibujar bien.

Te recomiendo para empezar:

• Lápiz duro: 2H, 3H…Lápiz medio: 2HB.
• Un buen afilalápices. No son caros, así que busca uno bueno, que deje las puntas bien finas. Reconozco que soy maniática en este aspecto: dibujo siempre con el lápiz muy afilado.
• Goma de borrar.
• Un rotulador del tipo BrushMARKER de WINSOR&NEWTON, o COPIC, de color Almendra o Rosado Oscuro, para crear sombras en la piel con sencillos toques.
• Lápices de colores: yo utilizo diferentes marcas, FABER-CASTELL, MAPED, REMBRANDT-POLYCOLOR, ALPINO… No necesitas hacer una gran inversión para comenzar. Si ves que te gusta y quieres continuar dibujando puedes pasarte por algunas tiendas especializadas en Bellas Artes, e ir comprando material según te lo pidan tus dibujos. Te recomiendo hacerte con un par de lápices de colores para representar diferente tonos de piel, aunque no es imperativo al principio. A medida que avances las lecciones, iré recomendando más materiales, como sombras de ojos, pasteles, esmaltes de uñas, acuarelas…
• Comenzaremos con folios blancos. Más adelante emplearemos en otros colores, cuando utilicemos pasteles para crear efectos de brillos y sombras.

6. BOCETO.

Para comenzar el boceto, lo haremos con el lápiz duro (3H, 2H…), sin calcar demasiado, lo que nos permite borrar y rectificar, como vemos en la imagen. Comenzaremos con un figurín en postura frontal, relajado, sin poses (iremos practicando en posteriores post)

Puedes dibujar la cara completa o eliminar elementos, como un ojo, los dos, la boca (rasgos característicos de algunos ilustradores). Tú mandas. Experimenta sin miedo. Los resultados que no te gusten no son un problema. Sólo vuelves atrás y lo intentas una vez más. Después del lápiz, dibuja unas líneas, por ejemplo, con un rotulador BrushMARKER, en tono rosado oscuro 0518, en los pómulos, frente, bajo los ojos y nariz, hombros, pecho, líneas de brazos y piernas, remarcando rodillas (o con un lápiz del color piel que te apetezca)… Este tipo de rotulador tiene dos puntas, una ancha y otra con forma de pincel. Hazlo con el pincel, que ayuda a que las líneas sean muy finas. Con unos cuantos trazos se crea sensación de volumen, de sombras, se realzan zonas… Si no tienes el rotulador, prueba con un lápiz de un color aproximado.

Después comenzamos a dibujar la prenda deseada, sea nuestra creación o el diseño de otra persona o marca.

 

Cada uno tiene su forma de dibujar; yo, personalmente, una vez que tengo bosquejada la prenda, paso a dar color a la piel. Coge una revista de moda, o busca imágenes en Internet y fíjate bien en dónde la piel se ve más oscura, por ejemplo en el cuello, bajo la línea de la cara… Son esos puntos clave los que tienes que reconocer, los que con simples toques van a dar mucha vida a tu ilustración, que no parezca algo plano.

Me despido hasta la siguiente lección (en la que veremos cómo dibujar transparencias y tejidos), dejándote algunos de mis dibujos.

Para los que estéis en mi ciudad, Pontevedra, y os apetezca comenzar un curso presencial, no dudéis en poneros en contacto conmigo a través de mi dirección de correo electrónico: mariagondar@cruzcostacostura.com

No importa el nivel de iniciación ni la edad, sólo las ganas de dibujar.

 

 

 

READ MORE

La mejor defensa es… un buen vestido.

Estoy segura de que muchas mujeres estarán de acuerdo conmigo: un buen vestido puede hacernos sentir muy bien, y también puede tener el poder de hacer sentir muy mal a ésa que no nos quiere mucho, que nos somete frecuentemente a escrutinios y que, para desgracia suya, peca de envidia. Sin necesidad de nada más, sin ataques, sin palabras, sin herir. A veces, sólo hay que vestirse…

Con este guiño al mariscal Poniatowski -bromeando muy en serio-, escribo hoy sobre el poder de la imagen. ¿Qué efecto provoca mi ropa en los demás? ¿Qué dice de mí o qué pretendo que diga?

Obviamente, en esta época, no nos vestimos sólo para cubrirnos o abrigarnos. Lo hacemos como acto social. De un modo u otro todos, o casi todos, -incluso los que creen o aseguran lo contrario-, utilizamos la ropa como una extensión de nuestra personalidad, algo que nos define, nos identifica: «me gusta el deporte», «escucho Heavy Metal», «adoro el mar», «soy artista»… Ya sea con prendas, complementos, símbolos o tatuajes damos información de nuestro interior. Mostramos si pertenecemos a un grupo (Hippie, Punk, Hipster…), si nos interesa la moda o si nos da igual. Centramos la atención en lo que nos gusta de nosotros o intentamos disimular lo que nos disgusta o acompleja…

Vestimos diferente cuando, por ejemplo, acudimos a una entrevista de trabajo, porque somos muy conscientes de que la ropa es un mecanismo más de comunicación, una extensión de nuestro CV, una suerte de tarjeta de presentación, y con ella queremos provocar una reacción o aceptación por parte del entrevistador : «soy seria, responsable, inteligente, detallista…» Eso que llaman «buena presencia». Pero seguramente no iríamos vestidas de la misma forma a una cita, en la que lo que queremos transmitir es «soy divertida, sexy, guapa, coqueta…»
Personalmente creo que hay que saber qué es apropiado en cada momento, pero tampoco es necesario «disfrazarse» y esconder o anular la propia identidad. No creo que parezca más inteligente o profesional si llevo a todas mis entrevistas una camisa blanca y un pantalón azul marino, si no es algo que me ponga en otros momentos de mi vida. Ni enamoraré a nadie por presentarme en un microvestido de leopardo si no es mi estilo personal. Está claro que a una fiesta debemos ir vestidos de fiesta, y que ese atuendo no nos valdrá para ir al trabajo ni para asistir a un funeral, pero -reitero que es solamente mi punto de vista- entiendo la moda de una forma que sea consecuente con nuestro interior. El dress code nos ayuda a acudir de manera idónea y respetuosa en diferentes ocasiones, pero no es un conglomerado de normas cerrado que haya que acatar. Soy más de prendas que nos hagan sentir cómodas -ante todo-, que nos favorezcan, sean versátiles y que transmitan un mensaje de coherencia y seguridad en nosotras mismas.

READ MORE