HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA

Historia de la ropa deportiva

2020 será año olímpico. La ciudad de Tokio acogerá los Juegos de la XXXII Olimpiada desde el 24 de Julio al 9 de Agosto. Los organizadores nos hacen la boca agua asegurando que serán los más innovadores de todos los que se han celebrado. Y, conociendo la cultura tecnológica japonesa, mezclada con su amor por la tradición y las ceremonias, las emociones, el respeto, con su lucha contra la adversidad (el clima, la confluencia de las cuatro placas tectónicas sobre las que se encuentran…) y su manera de enfrentarse a ella con sabiduría, buscando la belleza, la seguridad, la conexión con la naturaleza en forma esos jardines sublimes, ¿cómo estamos?

Pues sentaditos esperando, frotándonos las manos, moviendo nuestras piernecillas inconscientemente, emocionados, a ver qué nos han preparado, como cuando mamá hace paella. (Porque las mamás también nos enseñan a sacar lo mejor de la adversidad, intentando crear hogar feliz con los medios que tienen. Buscan la perfección en lo que hacen, para nuestro disfrute y seguridad.)

KENGO KUMA

El arquitecto Kengo Kuma ha levantado su proyecto de Estadio Olímpico sobre el que se construyó en 1964. Se espera la conclusión de este proyecto para finales de este mes de Noviembre. Y el 21 de Diciembre podrá ser visitado, aunque para la inauguración, habrá que esperar hasta el gran día, el 24-06-20.

Kengo Kuma ha trabajado con madera de cedro, con formas de terraza, escalonadas, para mostrar al mundo que es factible la aplicación de la técnica tradicional japonesa para este tipo de construcciones de gran tamaño.

Leyendo sobre los proyectos de Tokio me he puesto ha pensar en también el diseño aplicado a la indumentaria, en su evolución. Y por eso comparto hoy este pequeño resumen de la Historia de la ropa deportiva.

Recuerdo que, desde pequeña, buscaba los horarios de emisión para ver Vela, Gimnasia Rítmica, Gimnasia Artística y Natación sincronizada. En cuanto a esta última disciplina confieso ser una gran admiradora. Y por supuesto, gran fan del equipo español, de su altísima calidad de puesta en escena, no sólo de sus técnicas deportivas, creatividad en las coreografías, sino también en la enorme originalidad de los diseños de sus bañadores y gorros, inspirados en las melodías.

EL EQUIPO ESPAÑOL DE NATACIÓN SINCRONIZADA

En el Mundial de este verano durante una de las pruebas, el equipo compitió al ritmo de una canción de AC DC, vestidas con unos bañadores que simulaban ser chaquetas de cuero rojo, muy rockeras. Antes de saltar a la piscina, subieron las cremalleras de sus “cazadoras”.

Equipo español de natación sincronizada, con sus cazadoras de cuero.
Imagen de El Mundo

 

Tenemos claro que el deporte es un catalizador para la evolución de la moda.

Su uso no se limita a las pistas deportivas, piscinas, etc. a la calle y las pasarelas de alta costura. Se asocia a la comodidad, a la vida sana y también al lujo.

¿Sabes cuánto qué gasto se estima en ropa deportiva para el próximo año?

 

1. HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA:

A finales del siglo XIX el uso de la bicicleta lleva al uso de ropa más ligera para los hombres y al de la falda pantalón por parte de las mujeres. Los baños de mar dan lugar a los bañadores, aunque sabemos, por representaciones como la de la Villa romana del Casale, en Sicilia, que en el la Antigua Roma ya se utilizaban bikinis.

Durante los años 1870 y 90 los ingleses van introduciendo diferentes deportes en Francia, además de comercios especializados en equipamiento deportivo. Primero importan del otro lado del Canal de la Mancha, pero, paulatinamente, comienzan a fabricar en el país galo. Tunmen es el primero en instalarse en París y vende mallas para correr, nadar, jugar al fútbol..

Los Juegos Olímpicos modernos se celebran por primera vez en 1896. En las de París en 1900, las mujeres pueden participar en tenis, golf, vela, croquet… En 1904 también en tiro con arco.

La burguesía urbana de la Belle Époque hace deporte y la ropa se va especializando.

Con el esquí aparece el anorak, con el golf el cardigan y los polos…

¿Y el pantalón Jodhpurs? Es un tipo pantalón de equitación, bastante holgado en la parte superior, con una pieza en la entrepierna hasta la rodilla como refuerzo de esta parte, que está en contacto con el caballo; y ajustado del tobillo a la rodilla para evitar pliegues en las botas de montar. Lo importan de la India los oficiales ingleses. Fue creado para Pratap Singh, hijo del maharajá de Idar, Regente de la ciudad de Jodhpur, quien era un jugador de polo nada satisfecho con sus pantalones de montar. El Jodhpur es una revisión de antiguo pantalón indio Churidar, ajustado hasta la rodilla y holgado en la cadera, y se convierte en el uniforme de muchos equipos de polo de la India.

En la década de 1920, algunos diseñadores, como Elsa Schiaparelli, comienzan a interesarse la indumentaria deportiva, que poco a poco se va introduciendo también en la vida diaria, en la ropa de calle.

¿Qué animalito viene a tu cabeza si digo “tenis”? Sí, el cocodrilo. Las chicas con falda plisada y los chicos con el polo Lacoste, creado en 1927. Aquellos primeros de algodón y hoy en día, la mayoría, en fibras sintéticas como el polyester, para facilitar movimiento y liberación de sudor.

FÓRMULA 1 Y TRAJES IGNÍFUGOS

Piensa ahora un momento en un piloto de Fórmula 1. ¿Cómo lo estás visualizando en tu cabeza? Perfectamente vestido, protegido, con la más alta tecnología textil para evitar arder en caso de accidente, para poder transpirar, etc… Pues no siempre ha sido así.

El primer campeonato se celebra en 1950 y los pilotos llevan una camisa de algodón, casco y guantes de cuero y SIN cinturón de seguridad. Pero en los 70 todo esto se modifica. Tras el accidente de Niki Lauda (fallecido este 2019) en el que las llamas le desfiguran cara, cabeza y manos, se toma conciencia de la importancia de la seguridad.

Los trajes pasan a ser ignífugos desde 1975, cuando la Federación Internacional de Automovilismo lo dispone como requisito indispensable. Como exigencia deben tener la capacidad de resistir las llamas hasta once segundos (tiempo de poder abandonar el vehículo en caso de incendio). Los científicos de Dupont crean en 1961 la fibra Nomex® (se comercializa desde el 67), que funciona como barrera entre el fuego y la piel. Es una variación del kevlar, flexible y parecido al nylon. Y este material pasar a ser el uniforme de los pilotos.

Desde la ropa interior hasta el traje, todo es de Nomex®. Los guantes también, aunque lo combinan con cuero, para mejorar el agarre al conducir.

EL GOLF

Para muchos, el golf es uno de los deportes más estrictos con su vestuario, aunque para otros, las normas de indumentaria son equiparables a las de otros deportes, como pueden ser el fútbol o el baloncesto. Quizás la idea de que es más estricto se deba a que la ropa de golf no es de deporte, sino más bien, de calle; pero en la que no todo está permitido, o tal vez al hecho de ser uno deportes en los que menos se ha modificado el atuendo a la largo de esta Historia de la ropa deportiva. O que se asocia al lujo, a un deporte para élites y, quizás, intensifica esa sensación de normas arcaicas.

Existe actualmente un debate sobre si las normas deberían relajarse y adaptarse más al momento, como hacen otras disciplinas deportivas o, por el contrario, mantener la tradición. Por ejemplo, Tommy Fleetwood, número 1 europeo, quiere que se permita practicar golf en chándal.

No existe un reglamento internacional con una lista de vestuario apropiado o prohibido. Son los clubes los que deben decidir cómo visten sus socios, con sus propias reglas. Pero, aunque haya unos clubes más exigentes que otros, en todo el mundo, la tradición funciona como norma global:

-Están prohibidos los vaqueros, las mallas, los pantalones de camuflaje o los ya mencionados chándal. Deben ser largos y, si son cortos, no se permiten shorts, sólo bermudas por debajo de la rodilla o 10 cm por encima de ésta.
-Las camisas o polos deben tener cuello y siempre deben estar metidas dentro del pantalón.
-Las gorras deben llevar la visera hacia delante.
-No se permiten zapatillas deportivas, sólo zapatos de golf.

 

LA GIMNASIA RÍTMICA

Me he inspirado en el kimono japonés para estos maillots de gimnasia rítmica. (Historia de la moda deportiva).

¿Recuerdas a Jean-Jacques Rousseau? Si no has leído más sobre él, al menos tienes ese recuerdo de los apuntes del colegio, de hombre ilustrado, aunque separado de otros protagonistas de la Ilustración, como Voltaire. Conoces su frase: “El hombre es bueno por naturaleza”. Quizás lo recuerdes como impulsor de la Revolución Francesa. Y ahora no entiendes por qué hablo de él justo debajo de un subtítulo que pone “La gimnasia rítmica”, en un artículo sobre la Historia de la ropa deportiva.

 

Pues porque Rousseau es un polímata, un hombre dedicado a la Escritura, la Filosofía, la Música, la Botánica, y la Pedagogía.

Y en esta última disciplina, en la Pedagogía, establece los primeros principios de la gimnasia deportiva, integrando el ejercicio corporal como parte de la educación de un niño, intentado desarrollar todas las potencialidades, ya que antes no se incluían aspectos corporales.

Pedagogos y médicos como Peter Henrik Link continúan desarrollando estas ideas, intentando que los niños expresen sus sentimientos y emociones a través del movimiento.

A partir de 1890 el suizo Dalcroze desarrolla un método musical. La bailarina Isadora Duncan desarrolla ejercicios de gimnasia. Y con Rudolf Bode, alumno de Dalcroze, nace la gimnasia moderan.

La indumentaria también se rige por ciertas normas:

  • los maillots no pueden ser transparentes. Las gasas y encajes van forrados de color piel.
  • el escote no puede bajar de la línea de la mitad del esternón (delantero) y de la línea inferior de los omóplatos (espalda).
  • el corte del maillot en la pierna no puede sobrepasar el pliegue de la ingle. Está permitido el mono, pero con las dos piernas del mismo color, aunque pueden variar las decoraciones.
  • si se compite en equipo, se hace con trajes idénticos, aunque se permiten pequeñas diferencias en estampado, debido al corte del tejido.
  • se pueden llevar medias, mallas, puntos de sutura, adornos, cristales Swarovski…
  • si lleva falda, no puede quedar más baja que la pelvis.

 

 

QUÍMICA Y TECNOLOGÍA, GRANDES AMIGAS DE TODA LA VIDA DEL TEXTIL DEPORTIVO.

La ropa deportiva se ha convertido en un elemento importantísimo de las competiciones, tanto por estética como por rendimiento o seguridad. Los textiles para deporte están siempre a la vanguardia de investigaciones para mejorar resistencia al fuego, al frío, al agua, facilitar la transpiración (para que no huela mal, no se moje…), para proteger contra los rayos del sol o incluso para permitir ser atravesados por ellos y no dejar marcas de bronceado, para facilitar el movimiento, ir más rápido (diseños aerodinámicos).

Xiaomi acaba de presentar hace unos meses una camiseta que mide el pulso. Los elementos electrónicos, un chip en la parte delantera, no se perciben en el textil. Lleva una batería, recargable por USB, colocada en la espalda y el precio, 25 euros, la hace muy asequible.

LAS FIBRAS SINTÉTICAS:

El desarrollo de las fibras sintéticas ha abierto un abanico de posibilidades y funcionalidades enorme, desarrollando el campo textil en un modo inimaginable hace años.

Con los polímeros, por ejemplo, se puede conseguir que un traje completo de deporte tenga unas características concretas en diferentes zonas, porque, por ejemplo, no necesitamos el mismo aislamiento térmico en el tronco que en las piernas.

Las fibras antibacterianas, mediante principios activos, evitan los malos olores de la transpiración.
Los polipropilenos, como no son amigos del agua, se secan a gran velocidad.

GORE-TEX

En 1958 el ingeniero químico Bill Gore descubre un polímero llamado  politetrafluoroetileno (PTFE), que utiliza para el aislamiento de cables. Lo conoces por su nombre de marca, el Teflón. En 1969 consigue desarrollar un hilo que permite escapar la transpiración, pero que, a su vez, impide el paso de gotas de agua, el politetrafluoroetileno expandido ePTFE. Es así cómo nace el conocido Gore-Tex.
En 1976 crean la primera colección con este material para deporte y ocio. En 1979 lo incorporan al traje de los bomberos norteamericanos y hoy en día es utilizado en todo el mundo, en equipamiento náutico, en ropa militar, etc.

 

CUIDANDO EL PLANETA.

 

Pero no todo debe ser buscar un mayor rendimiento en la competición, o un mayor confort cuando practicamos deporte. Es imperativo que, con cada gesto, con cada producción, tomemos conciencia y pongamos nuestra participación en la sostenibilidad y lucha contra la contaminación y destrucción, seamos fabricantes o consumidores. Por nuestro bien y para nuestro propio beneficio. Por tener un planeta en el que nadar o correr.

Malden Mills® crea en 1979 un tejido térmico de poliéster. La idea es desarrollar un producto con las cualidades de la lana, pero sin sus inconvenientes, que mantenga la piel caliente y seca. Se inspira en la piel de los osos polares, de ahí el nombre del invento: la fibra polar. Desarrollan varios tejidos como el Polarplus, Polarlite… Pero, finalmente deciden englobar todos en la firma Polartec®, que es utilizada por muchas marcas de alta gama del mundo (los más baratos son versiones aproximadas sin las mismas cualidades técnicas).

¿Sabes con qué se fabrican ahora? Polartec® sigue pensando en los osos, en el deshielo y en la fabricación con material reciclado. Crean en 2012 la serie Polartec ® Recycled. Cada chaqueta utiliza una media de 25 botellas de plástico de 2 litros. En el 2015 reutilizan un millar de estos envases.
El tejido no es impermeable, aunque combinado con otras fibras y acabados sí consigue esta función.

 

LA POLÉMICA: ROPA TECNOLÓGICA EN COMPETICIÓN. ¿SÍ O NO?

Como cierre a esta Historia de la ropa deportiva, retomo la apertura.

Volvamos a los Juegos Olímpicos. Natación. ¿Te suena la marca Speedo?
En el 2008, Michael Phelps, Amanda Beard y Natalie Coughlin exhiben unos trajes desarrollados por una empresa italiana (Mectex) junto al Instituto Australiano de Deporte y con colaboración de la NASA, que aporta tecnología, como un software de análisis de fuidos. Petratex, una empresa portuguesa, los fabrica. Son los LZR.

Comprimen el cuerpo, de modo que es más aerodinámico, favorecen la oxigenación de los músculos, y están cosidos con ultrasonido para evitar costuras que provoquen turbulencias o fricción. Repelen, también, el agua. Su precio: 470 euros.

La polémica:

La FINA aprueba su uso con la condición de que esté disponible para todos los participantes de los Juegos de Pekín 2008.
Sin embargo, algunos, como el ex nadador Kierin Perkins se oponen. Perkins alega que tanto el precio como acuerdos comerciales puedan desfavorecer a competidores, y que una ventaja tecnológica de unos sobre otros gracias al equipamiento va en contra de este deporte.

Los equipos sin acuerdo de Patrocinio con Speedo están en desventaja. El 94% de las pruebas son ganadas por nadadores con este traje, y el 98% de medallistas también lo utilizan.
Esto provoca una oleada de críticas, comparándolo al dopaje. Y en 2010, la FINA decide prohibirlo.

Desde el 2010 el bañador de hombre no puede pasar del ombligo o ser más largo de la rodilla, y para mujer, no puede cubrir ni los brazos ni el cuello. Además, facilitan una lista con 202 bañadores permitidos y un participante debe debe notificar con un año de antelación qué prenda utilizará en los Juegos.

En 2012 Speedo presenta un nuevo traje, el Fastskin 2, pero Arena, con su Powerskin Carbon-Pro lo supera.
En Speedo alegan que el deporte debe ir ligado a la tecnología, al avance.

¿Qué opinas?

Está claro que ambos deben ir de la mano. Todo lo que sea mejorar rendimientos, seguridad y confort debe ser bienvenido; pero en una competición, estoy de acuerdo con los que se oponen. El avance tiene que ser posible para todos, sin ventajas que se compren. Al igual que cuando en Fórmula 1 los trajes pasaron a ser ignífugos.
Los coches de rally no compiten contra bicicletas. La habilidad, potencia, resistencia y técnica del deportista no son comparables si se juega con diferentes medios.

 

Espero que te haya gustado este repaso a la Historia de la ropa deportiva.

Un saludo.

María Gondar.

 

 

Artículo: Historia de la ropa deportiva.

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CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 8: DISEÑO DE CINE

Curso de Diseño e Ilustración de Moda. Lección 8: DISEÑO DE CINE.

Voy a proponerte un ejercicio en forma de juego, para intentar acercarnos al oficio de Diseñador de Vestuario para Artes Escénicas (cine, televisión, teatro, ópera, ballet…)

DISEÑO + 1 TÉCNICA DE COLOR

Además, para sacar mayor rendimiento al tema 8 y, como a estas alturas del curso, estás dibujando mucho mejor, lo haremos con un técnica específica de color.

Hoy fingiremos ser diseñadores de Vestuario Escénico para cine.; pero si deseas aprender más, hay muchísimos libros, cursos y blogs en Internet esperándote. Yo sigo con interés el blog Vestuario Escénico de Diana Fernández :

es riguroso, rico en contenido (tanto en texto como en imágenes), actualizado con mucha frecuencia y con muchísima información sobre la Historia del Traje, sobre todo aplicado a estas artes escénicas; de modo que, si deseas profundizar en el tema, te animo a hacerlo.

CREA TUS PROPIOS EJERCICIOS 

Además, podrás proponerte ejercicios a ti mismo. Por ejemplo, cuando veas una película o tu serie favorita, imagínate cómo habrías vestido tú los personajes si hubieses sido el director de vestuario.

Y da un poco más, salta de la imaginación a un planteamiento más serio y analiza dónde está situada la película: presente, pasado o futuro; en qué ciudades o países está ambientada…

Estudia el personaje. Sus cualidades, estilo, valores, qué lugares frecuenta, cuáles son sus actividades de tiempo libre, nivel económico, académico…

¿PARA QUÉ SIRVE EL ANÁLISIS?

Aprender a analizar personas te será de ayuda cuando necesites focalizar tu público objetivo, tu target; para poder definir sus necesidades y gustos y diseñar adecuándote y ofrecer a tus clientes lo que quieren o lo que crees que podría interesarles.

 

No siempre tenemos la posibilidad de ir a clase, falta de tiempo o recursos, porque no hay lo que necesitamos en el área geográfica en la que vivimos, etcétera.

Como decía Sócrates, “scio me nihil scire o scio me nescire” (“Yo sólo sé que nada sé”); pero el mínimo de información que tengo sobre Moda, y lo que voy aprendiendo, lo comparto. Este curso ha nacido para esto.

Y quiero que comprendas que, cuando no tengas la posibilidad de ir a clase, de conseguir nuevos ejercicios para practicar, no te quedes sin hacer nada. Invéntatelos. Si amas verdaderamente el Diseño y el Dibujo de Figurines, si eres creativo, siempre encontrarás para quién diseñar.

CENTRÉMONOS EN EL CINE AHORA.

El cine, como bien sabes, es un arte que conjuga muchas otras. El cine es también escritura (guiones), fotografía, música, diseño de vestuario, diseño de decorados, iluminación, maquillaje y peluquería, dirección artística… Se estudia el valor del plano, cómo se mueve la cámara y qué efectos produce en el observador. En muchas ocasiones, el cine no es sólo entretenimiento, sino que tiene una labor más social, intenta hacernos pensar sobre ciertos temas, injusticias o dramas.

El diseñador de vestuario debe conocer técnicas de confección, historia de la moda, materiales textiles, la silueta humana. ¿Por qué? Porque su labor es la de convertir al actor en personaje.

Para ello puede localizar (hay mercado de vestuario para cine y teatro), comprar, modificar o crear nuevas prendas.

Debe dominar así mismo las técnicas de representación gráfica y figurinismo, escenografía, iluminación y psicología del color.

Para el ejercicio de hoy, te dejaré escoger película o serie, época en la que está ambientada y personaje a vestir. Intenta que sea del pasado, para poder investigar un poco sobre la Historia de la Moda. Y si después quieres seguir con el juego, prueba a vestir un actor de cine o televisión actual.

Te guiaré en los pasos que debes seguir, y dispondrás de 15 días para hacer el trabajo, hasta que publique el próximo tema. Así tendrás tiempo suficiente para ver tu película, documentarte, bocetar y crear los figurines con la técnica de color.

Pero antes de ponerte a trabajar, ¿qué te parece si vemos algunas prendas icónicas del cine y conocer algunos diseñadores galardonados?

MILENA CANONERO PARA LA PELÍCULA MARÍA ANTONIETA.

Dirigida por Sofia Coppola, con Kirsten Dunst como protagonista en el papel de la reina de Francia Marie-Antoinette. La famosa diseñadora de vestuario Milena Canonero ganó un Oscar por su fantástico trabajo. El vestuario tiene un papel protagonista en la cinta. La película se sitúa en el siglo XVIII, en el Palacio de Versalles, durante el convulso período de la Revolución Francesa, con un rey absolutista y una aristocracia que disfrutaba del lujo y un pueblo que vivía en la miseria.

AMBIENTE DULCE

María Antonieta está vestida al estilo Rococo, con tonos pastel, grandes volúmenes, pelucas y maquillajes empolvados, abanicos y plumas.

Manolo Blahnik fue el diseñador de los zapatos. Y como toque divertido, y para enfatizar el aspecto aniñado de la reina, aparecen unas All Stars de Converse en una de las escenas.

Los dulces (tartas, pasteles… ) tienen también gran importancia. La célebre pastelería Ladurée de Paris, (conocida por sus macarons, sus chaussons aux pommes…) elaboró piezas de repostería para la película.

El diseño de las salas, el de vestuario junto a la confección de los dulces y la interpretación de Kirsten Dunst crean el ambienta aniñado que la directora quería mostrar, ya que María Antonieta llegó de Austria a Versalles siendo una niña.

DATO EXTRA: ¿Sabes quién era Rose Bertin? Cuando acabes la lección haz click en este enlace. Creo que te gustará.

 

La Revolución Francesa fue un momento de muchos cambios en el vestuario de la población, como el comienzo del uso del pantalón, por parte del pueblo, los sans-culottes, para separarse de las mallas que utilizaban las clases altas.

La ropa se utilizó como elemento de protesta, de pertenencia a un grupo que reivindicaba derechos de igualdad.

Si te interesa ampliar tus conocimientos sobre cómo la moda se ha utilizado para reclamar igualdades, busca en Internet o libros, o escríbeme a esta dirección de correo mariagondar@cruzcostacostura.com, y estaré encantada de compartirte enlaces de interés.

 

CHRISTIAN DIOR. 

Comenzó como diseñador para cine, participando en 8 películas antes de sacar su primera colección. (Haz click para más información)

Realizó, por ejemplo, el vestuario de Marlene Dietrich en ‘Stage Fright’ (1947), de Alfred Hitchcock,

 

MARC BOHAN PARA DIOR.

Tras la muerte de Christian Dior en 1957, le sucedió Yves Saint Laurent, quien no llegó a encajar en la marca, por ser rompedor e innovador y salirse de las siluetas ceñidas y cortes de la Casa Dior. En 1958 fue destituido y entró Marc Bohan, quien, a pesar de no ser tan célebre como otros, estuvo casi 30 años al frente de la firma y quien debutó en 1961.

Si no has visto Arabesque (1966), de Stanley Donen, con Sofia Loren y Gregory Peck, te la recomiendo. Bohan vistió de lujo a Sofia Loren en esta película, y sumado a la interpretación de dos grandes del cine, a la arquitectura que se muestra en la película, es un clásico más que recomendable.

IRENE SHARAFF

Fue la diseñadora de vestuario de Elizabeth Taylor en Cleopatra.

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DAN LAWSON PARA THE GOOD WIFE Y THE GOOD FIGHT.

Tanto para la finalizada serie The Good Wife como para la actual The good Figth, Dan Lawson, diseñador de televisión muy apreciado, es el jefe de vestuario. Es el rey de las working girls de lujo. Soy admiradora del personaje Diane Lockhart, interpretado por Christine Baranski, y de las prendas que luce.

Es una serie de abogados en cuya cabecera hacen estallar el famoso bolso Birkin de Hermès.

Dan Lawson crea y utiliza también vestuario de otras marcas, como Fendi o Karl Lagerfeld.

Como te explicaba anteriormente, el jefe de vestuario también puede adquirir prendas de otros. Sin embargo, como veremos a continuación en el apartado dedicado a los Premios Oscar, verás que para ganar uno es necesario que el diseñador principal haya concebido la indumentaria.

 

PREMIOS OSCAR.

El Oscar al Mejor Diseño de Vestuario se otorga desde 1949, a las películas filmadas en 1948. En principio había dos categorías: color y blanco y negro; hasta que se fusionaron en 1967.

El vestuario debe ser concebido por un diseñador. Y las nominaciones son para el diseñador o diseñadores principales. Las 5 películas más votadas se convierten en nominadas.

Edith Head fue la diseñadora más galardonada. En 1974 consiguió su 8ª estatuilla, y para 1978 contaba con 35 nominaciones en su curriculum.

Edith Head inspiró el personaje de Edna Moda de la cinta animada Los Increíbles.

Algunos de sus vestidos más icónicos se vieron en películas como:

Sabrina, con Audrey Hepburn, en colaboración con Givenchy.

Imagen de Pinterest

-Recuerdo de una noche, vistiendo a Barbara Stannyck

-La ventana indiscreta, con vestidos para Grace Kelly

-Vértigo, con el famoso vestido negro de Kim Novak

Las más galardonadas vivas son Milena Canonero (antes mencionadas por su trabajo en María Antonieta) y Collen Atwood, ambas con 4 premios.

TUS EJERCICIOS.

A continuación dejo un PDF descargable de dos páginas, para guardar o imprimir.

Haz click sobre la imagen para descargar el ejercico

En la primera verás las indicaciones para realizar tu ejercicio de Diseño de Cine. Todos los pasos que debes seguir.

En la segunda, la técnica de aplicación de color que vamos a utilizar hoy. Imprímela y guárdala, o apúntala en un cuaderno. Sería interesante ir guardando las diferentes técnicas que vamos a ir viendo durante el curso. Sin embargo, recuerda que tú eres quien manda.  Como en todas las disciplinas artísticas es importantísimo conocer los métodos y materiales que hay, saber aplicar color y crear texturas, luces, sombras, brillos, que provoquen emociones.

Veremos cómo colorear con rotuladores (marcadores), lo combinaremos en ocasiones con lápices de color, lápices tipo pastel, acuarelas, esmaltes, rotuladores finos calibrados para perfilar y enfatizar…

Cuando tengas todo este conocimiento, escogerás libremente cómo dar color, qué siluetas utilizar, cómo mezclar las técnicas a tu antojo para conseguir expresarte.

 

Trabaja mucho y nos vemos en la siguiente lección; pero antes de que esto se acabe, te dejo un adelanto y también uno de los trabajos de uno de los compañeros que está siguiendo el curso (¡Gracias, Luis Daniel Fer Fermín, por tu constancia y esfuerzo!)

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Como adelanto, piensa en tu cantante preferido. Da igual hombre o mujer. En los diseños que lleva durante sus actuaciones. Trabajaremos sobre esto en la Lección 9.

 

 

 

 

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CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 6: MORFOLOGÍA APLICADA AL DISEÑO DE INDUMENTARIA

 

Curso de Diseño e Ilustración de Moda. Lección 6: MORFOLOGÍA APLICADA AL DISEÑO DE INDUMENTARIA.

Como introducción me gustaría decir que la lección de hoy es para aplicar al Diseño de Moda, con la intención de crear figuras más equilibradas, pues es algo que debe dominar un creador de este tipo; pero no se trata de un artículo superficial para juzgar los diferentes tipos de cuerpos, ni para señalar que haya nada que esconder o disimular y de lo que acomplejarnos. El cuerpo que tenemos, cada uno de nosotros, es el que nos ha tocado, no ha sido una elección. Si bien es cierto que podemos modificarlo, mantenerlo en forma, combinando deporte, dieta sana, etc., hay formas que no podemos cambiar. Y no hay que darle más importancia. La vida es fantástica, por momentos muy dura; así que es una lástima sufrir por nuestra altura o medida de cadera.

Ingres pintó El baño turco con 82 años. Las figuras no encajan en los cánones de perfección corporal actuales (las modas van cambiando). Los cuerpos están representados, además, demasiado largos y, sin embargo, es una de las obras más bellas de la Historia del Arte. Todas las mujeres están relajadas mostrando sus cuerpos desnudos, sean cuales sean, unas delante de otras, sin complejos. Todas bellas.

Aclarado esto, pasemos al tema:

3, 2, 1, GO!

Estoy segura de que has escuchado o leído alguna vez que alguien tiene cuerpo de reloj de arena, cuerpo en forma de pera o triángulo… Hoy terminarás esta lección sabiendo claramente qué es un cuerpo en forma de triángulo invertido y cómo vestirlo para que se vea favorecido. Porque, en ocasiones, creemos, erróneamente, que a un tipo de cuerpo no le sentarían bien cortes o prendas que sí lo hacen, y viceversa.

 

Es deber del diseñador conocer el cuerpo humano: sus diferentes tipologías, para que las prendas sean cómodas, favorecedoras. 

De poco sirve crear formas bellas, artísticas, que no se puedan utilizar, o que sienten mal. Hay más factores a tener en cuenta que los estéticos, como son la comodidad (posibilidad de movimiento), la durabilidad, el contexto en el que se va a utilizar una prenda…

Una persona que se siente bien vestida, ganará seguridad, confianza. Querrá volver a ponerse esas prendas, y hará que vuelva a ti como diseñador. Es importante que des a tu cliente lo que necesita, aunque no lo sepa hasta que se vista y lo sienta. Un trabajo responsable es el que piensa en el resultado final, en cómo se sentirá la persona una vez vestida, y no simplemente en las formas, en tu ego artista, en tus capacidades creativas vacías de significado o intención.

No eres un artista. Eres un diseñador de moda. ¿Comprendes la diferencia? La diferencia entre ambos es un gran debate abierto. Algunos dicen que el arte inspira y el diseño motiva; que el arte hace pensar y que el propósito de un diseño es comunicar un mensaje. Resumiendo, arte y diseño tienen en común la creatividad, la inspiración. El arte precisa del diseño, del proyecto. Pero tu diseño de moda requiere algo más.

 

¿Qué es la Morfología?

Es el estudio de la forma, y se aplica en todas las disciplinas de Diseño: industrial, de mobiliario, arquitectónico y, cómo no, en diseño de vestuario.

Según la RAE, la Morfología, en el campo de la Biología, significa:  parte que trata de la forma de los seres orgánicos y de las modificaciones o transformaciones que experimenta.

Cada cuerpo es diferente, -y además se nos va modificando a lo largo de la vida-, lo que hace que no todos los diseños sienten igual a todo el mundo. A unos se le acumula lo que engordan en la zona de la tripa, a otros solamente en las caderas o muslos, los hay que siempre están delgados, y los que no tienen forma de cintura, por ejemplo.

¿CÓMO SE APLICA EN EL DISEÑO DE INDUMENTARIA?

Un profesional de la Moda debe saber reconocer las estructuras corporales, para poder decidir cómo vestirlas.

Debe saber qué escotes producen un efecto visual que alarga y afina, cuáles hacen más pecho; qué cortes hacen el talle más largo o los que estrechan o, por el contrario, ensanchan la figura…

Quiero que conserves una copia de estas nociones, que la imprimas o conserves en tu ordenador, que las tengas a mano para cuando necesites consultarlas, sin necesidad de buscar esta lección en el blog -aunque está bien releer de vez en cuando-; así que he creado una ficha en PDF.

  HAZ CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR EL PDF COMPLETO PARA DISEÑAR

Y si aún no tienes una carpeta con apuntes importantes para diseño, creo que a estas alturas del curso, es importante que te hagas con una y comiences a guardar este tipo de cosas. Te recomendaría carpetas físicas, y carpetas digitales. Siempre está bien tener copias importantes en papel, por si algún archivo se nos pierde.

 

¿A qué debe prestar atención el diseñador?

Viendo la imagen anterior, -esos cuerpos llamados pera, manzana, reloj de arena… para que se nos haga fácil comprender la silueta-, un diseñador debe prestar atención a desproporciones llamativas, e intentar resaltar otras zonas, que compensen el desequilibrio y hagan una figura más armónica.

No voy a hacer todos los cuerpos, porque eso forma parte de tus ejercicios (al final de la lección) para que tu puedas trabajar; pero como ejemplo voy a analizar dos tipos de silueta, y diseñar una prenda ejemplo.

Cuerpo en forma de pera o triángulo invertido. 

Los hombros son más estrechos que la cadera, el pecho es pequeño. En algunos casos, la desproporción es escasa, pero en algunos ocasiona algún problema para vestirse, si se trata de vestidos, por ejemplo. Cuando se trata de dos piezas, se soluciona fácilmente comprando dos tallas diferentes para parte superior e inferior.

¿A qué habría que dar valor?

A la cintura, a la parte superior…

Muchas mujeres piensan que ajustando mucho las prendas a las caderas, parecerán menos anchas, y tienen miedo de dar volumen a esa zona, y que parezca mayor.

Al contrario, una falda en forma de A, incluso con mucho vuelo, oculta el ancho real de caderas y muslos y ayudaría a remarcar la línea de la cintura. También faldas con godets, faldas lápiz (que alargan la figura).

La parte superior se puede revalorizar con escotes palabra de honor, asimétricos , escotes que hagan los hombros más anchos (barco, corazón). Estampados, encajes, lazos, flores, adornos, también mejor en la parte superior.

Los pantalones, de tiro medio o alto. Sin bolsillos sobre las caderas.

Hay quien prohíbe los leggins para este tipo de cuerpo. ¡Prohibido prohibir! Beyoncé encaja en este tipo de figura, y nadie le prohibiría llevar mallas. Es cierto que señalan más las caderas, pero, dependiendo del ancho, si el desequilibrio entre parte superior e inferior es muy exagerado, se puede equilibrar con alguna prenda más suelta y larga en la parte superior, que caiga sobre las caderas, restando un poco el acento. Se trata aplicar la creatividad de forma que produzca efectos ópticos correctivos o que realcen, no de vetar prendas.

 

En el PDF que he dejado para descargar, encontrarás líneas de prendas y escotes que alargan, ensanchan, afinan, acortan… Así, dependiendo de la intención, del efecto que desees conseguir, podrás jugar con ellas.

Cuerpo manzana u ovalado. 

Hombros redondos, más anchos o iguales que la cadera. La grasa se acumula en la zona abdominal y en las caderas, creando una silueta redondeada. El pecho suele ser grande y los brazos gruesos.

¿Qué voy a diseñar para esta figura?

Un vestido de novia.

 

Analicemos la foto: 

El vestido lleva dos cortes verticales que alargan la figura, la estilizan. El corte horizontal en forma de curva, estrecha.

Muchas mujeres con los brazos gruesos, no los quieren llevar descubiertos en su boda. Una opción podrías ser estas mangas de organza blanco roto (transparente). Sobre los hombros he dejado una zona al aire, cubierta con tul “segunda piel”. Esto crea un corte. Separa escote de brazos, rompiendo la forma redondeada. Se crea un falso Escote Halter, apropiado para hombros anchos, ya que los armoniza. Este escote realza las curvas, reduce un pecho abundante.

Te toca ponerte a trabajar. 

Ahora te pregunto: ¿Cómo es un cuerpo columna? ¿Cómo lo definirías? ¿Qué resaltarías? ¿Qué tipo de vestido, pantalón, etc. diseñarías para esta tipología?

Tu tarea:

Es el trabajo que te dejo encargado. Descárgate la ficha ejercicio en PDF y ten a mano las 8 hojas que te he dejado al principio de la lección. Hemos visto tipologías para pensar y diseñar. Escoge una, escoge tres, cuatro… Las quieras, o puedas, según el tiempo del que dispongas.

Puedes coger alguna fotografía de una modelo, celebrity, tuya. Lo primero que harás será describir la figura. Los hombros son más anchos que las caderas, no tiene una cintura marcada, etc.

De cada tipología que escojas, crearás un vestido, una falda y un pantalón, al que añadirás una breve descripción o anotaciones sobre la ilustración.

Haz click en la imagen para descargar tus hojas de ejercicios

Diseño de lencería: 

Sé que hay una persona que está haciendo el curso porque quiere aprender a diseñar lencería. A ti te animo a diseñar 2 piezas de ropa interior para 2 tipologías corporales:

1.- un body  (swimwear) para cada morfología.

 

2.- un sujetador con salto de cama (negligee)

 

Y a todos, gracias por seguir el curso, por vuestros emails privados en los que me contáis qué os gusta del diseño y por enviarme vuestros ejercicios.

Espero ver vuestras creaciones con diseños adaptados a la morfología femenina.

 

Un abrazo.

María Gondar.

 

 

 

 

 

 

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CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 3: REPRESENTACIÓN DE TEJIDOS Y TEXTURAS.

Curso de Diseño de Moda: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES DE MODA CON REPRESENTACIÓN DE TEJIDOS Y TEXTURAS.

Como adelantaba en el post anterior, en esta lección vamos a comenzar a dar color a nuestros figurines y dibujando los tejidos presentes en el diseño. Representaremos:

  • tejido Harris tweed escocés
  • lana
  • pelo (piel)
  • charol
  • lentejuelas
  • transparencias
  • piel animal

Lo haré combinando los diferentes técnicas de color y sombra, además de los diferentes tejidos y texturas sobre dos estilismos de calle para mujer y un traje sastre para hombre.

AL FINAL DE LA LECCIÓN PODRÁS DESCARGARTE UN PDF CON UN EJERCICIO DE DISEÑO Y REPRESENTACIÓN DE TEXTURAS. 

Puedes probar repitiendo estas texturas, o probar con otras nuevas: fotos de Internet, revistas, prendas o muestras de tejidos que tengas por casa. Por ejemplo, en vez del cuadro Harris tweed, puedes optar por un cuadro Vichy, por un tartán; puedes buscar piel de diferentes animales: cebra, avestruz, leopardo, serpiente…

No es necesario que lo hagas siempre sobre un figurín. Te aconsejo que, siempre que vayas a aplicar un tejido sobre una ilustración, hagas primero muestras en otro papel. DESCÁRGATE la siguiente plantilla para imprimir.

Podrás imprimirlo tantas veces como quieras, y hacer un pequeño estudio de cada tejido con el que vayas a trabajar, ya sea para ilustración o diseño de prendas.
PINCHA EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR LA FICHA EN PDF

 

Me encantará si quieres enviarme una hoja con varias muestras, para corregir o guiarte; o, incluso, alguna prenda o figurín en la que hayas trabajado algún tejido.

Envíalo a esta dirección de correo: mariagondar@cruzcostacostura. En cuanto pueda, te contestaré.

 

¿QUÉ MATERIALES NECESITAS?

Comienza con un dibujo a lápiz, muy claro. Mejor con un lápiz duro, 3H ó 2H, que no manche el papel, y bien afilado, para hacer trazos muy finos que no dejen rastro cuando se le aplique encima el color, y una goma de borrar.

Para dar puntos de luces y sombras te vendrá bien un lápiz blando 2B y un Rotring o rotulador negro Staedler 0,05 o 0,1. Con ellos daremos pequeños trazos o toques, muy sutiles, en zonas que queramos resaltar, dar volumen o sombras.

Puedes dibujar con cualquier tipo de colores. Si estás empezando, no hace falta que te compres todo el arsenal. No te preocupes si al principio no tienes unos buenos marcadores de muchos colores… Tendrás que hacer tú mismo las mezclas, con lápices de colores, acuarelas, etc. Se puede hacer una ilustración fantástica con un sólo lápiz, o añadiendo uno o dos colores. Yo iré diciéndote qué uso, para que conozcas diferentes técnicas y posibilidades; pero no tener mucho material no es una buena excusa para dibujar.

En las ilustraciones de esta lección he utilizado rotuladores o marcadores Promarker y Brusmarker de Winsor&Newton, lápices de colores de Faber Castell, algunos tipo pastel, o sea, que se pueden difuminar (de Conté à Paris), y pasteles Rembrandt

Karl Lagerfeld, entre otros, utilizaba sombras de ojos en sus bocetos. Puedes aplicarlas con un dedo y difuminar, o con cepillitos de maquillaje como el de la foto. Yo los utilizo mucho cuando necesito hacer tonos beige, dorados con algo de brillo, marfiles o pasteles.

El cepillo te permite aplicar y difuminar con limpieza la sombra sobre el papel.

También perfiladores de labios o delineadores de ojos en lápiz. Como suelen contener cierto brillo, como muchos tejidos, dan un acabado muy interesante a las ilustraciones.. Pero, atención: hay que difuminarlos siempre, para que se sequen y no quede sobre el papel una textura pegajosa que pueda manchar toda la lámina.

Con esmalte de colores y palillos de madera, puedes hacer puntitos que simulen pedrería, cristales, perlas, brillos.

Y si salpicas purpurinas metalizadas encima, mientras el esmalte está líquido, el brillo se intensificará. Al final de la lección encontrarás un vídeo con este proceso sencillo, que dará un toque muy luminoso a tus ilustraciones.

Otra opción es pegar stickers de brillos, como esos que se venden para decorar las uñas, móviles, etc.

 

PRIMER TEJIDO: HARRIS TWEED.

 

 

 

 

 

 

 

 

Antes de pasar a representar el tejido, te recomiendo buscar información sobre él, y, si tienes tiempo, cubrir una ficha como la que te he dejado hace un momento. Buscando para qué se utilizan los materiales, sabrás emplearlos adecuadamente, y quizás se te ocurra algún nuevo uso interesante.

El Tweed es un tejido de lana originario de Escocia (su nombre proviene del río Tweed). Existen diferentes tipos de Tweed: el Harris, el Donegal (irlandés), el Silk (seda).

El Harris Tweed se teje a mano, con lana local, por los habitantes de las Islas de Harris, Lewis, Vist y Barra, en las Hébridas exteriores de Escocia.

 

Se utiliza en prendas tanto de hombre como de mujer, en hogar…

Para esta ilustración he escogido un figurín de hombre. He buscado fotos de modelos con traje sastre, he escogido una y he intentado sacar la figura. Una vez hecha, he decidido alargar la altura del modelo, dibujando las piernas más largas, el tamaño equivalente a la medida de la cabeza que, en mi caso, es de 3 cm.

Como ves, comparando los dos figurines de moda, la copia del real y el alargado, el segundo es mucho más estilizado, esbelto. Hace la ilustración más atractiva.

TÉCNICA DE COLOR:

A continuación he diseñado una muestra de tejido, he dibujado los cuadros a lápiz en la chaqueta, siguiendo los giros del cuerpo y la prenda. Si no eres capaz, busca fotos de “Harris tweed jacket man” en Google. Escoge alguna  fotografía de chaqueta y guíate por ella. Una vez dibujada, le he dad el color de fondo con lápiz de color, para después marcar las líneas de los cuadros con marcadores Promarker y Brusmarker. En las fotos de la galería se ven los nombres de los colores utilizados. Una vez hecho esto, he trabajado las sombras y luces. Primero he perfilado con un lápiz HB, más blando y oscuro, partes del contorno de la chaqueta, pero no todo, para ir danto toques de luz.

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Con un lápiz gris o negro y algunos lápices marrón oscuro y claro, además de lo rotuladores, se va matizando. Intenta seguir fotografías de revistas o internet, para ver bien qué zonas deben estar más oscuras, dónde se forman arrugas en las prendas. Como podrás apreciar en las imágenes, en los lados de la chaqueta, para dar volumen, sobre las líneas horizontales marrones he puesto algo de lápiz oscuro, dejando las rayas un poquito más oscuras.

Por último, he dibujado unos zapatos de charol y ante, dándoles color con el mismo marcador azul y un lápiz en ese mismo tono de Conté à Paris, pastel para difuminar. La luz del charol se crea dejando huecos blancos sin colorear. El blanco del papel es el que crea ese luz y brillo.

El color del pantalón lo he aplicado con sombra de ojos color beige con pigmentos oro viejo. La he extendido con el dedo. Después he perfilado, como la chaqueta, algunas zonas con lápiz, creando ese efecto luz/sombra. Y con un lápiz 2B, blando, he dibujado sombreado, y un difumino para extenderlo. Si no sabes qué es un difumino, o cómo utilizarlo correctamente, una vez que acabes la lección -¡no me abandones ahora!-, accede a este enlace, en el que explican con texto e imágenes, qué es y cómo se usa: http://artpill.blogspot.com/2013/05/que-es-y-como-se-prepara-un-difumino.html

Difumino con doble punta

Puedes sustituir el difumino por tu dedo; los lápices blandos y los Contés (pastel) se difuminan con mucha facilidad.

Por último, con un rotulador Staedler Negro punta 0,1 he dado un par de toquecitos en algunos puntos. Pequeñas líneas en zonas oscuras, para dar más sensación de volumen y sombra. Bajo los brazos, en puntos de encuentro de prendas, etc. El trazo debe ser muy fino. Puedes hacerlo también con un 0,05.

 

SEGUNDO TEJIDO: LANA

Sigamos el procedimiento anterior, para convertirlo en un hábito. Aunque todos sepamos qué es la lana y de dónde procede, quizás haya datos que desconozcamos. Estoy segura de eso. La mayoría asociamos lana y ovejas, y no sabemos mucho más. Así que hagamos un brevísimo resumen:

La lana es una fibra natural que se obtiene, mediante el esquilo, de ovejas, sobre todo, cabras, alpacas, llamas, guanacos, vicuñas y conejos. Se sitúa su origen en las aisladas poblaciones del Tíbet, cuna de la cabra cachemira (Cachemire, Cachemira, Casimir, Cashmere). Actualmente China es el mayor productor de lana cachemira, seguida por Mongolia, Afganistán, Irán, Turquía…

Los arqueólogos datan su aparación en el Neolítico.

Se esquila una vez al año, en verano.

A continuación, se lava, y de las lejías de los lavados se pueden recuperar pueden las sales que constituyen la suarda y la grasa de la lana. De esta grasa se extrae la lanolina, utilizada en productos farmacéuticos y de belleza.

La mejor lana de ovejas es la de ejemplares de entre tres y seis años.

Tras su lavado, puede ser teñida.

La lana se clasifica según su finura, longitud, regularidad en el grado de ensortijado y uniformidad; resistencia y alargamiento, elasticidad, flexibilidad, color, brillo y rendimiento.

Es un fantástico aislante térmico.

¿Qué tejidos conoces que lleven lana?

Escocés, mohair, punto, alpaca, tweed, estambre, franela, crepe de lana, veneciano…

 

Para la siguiente ilustración, he creado un diseño en lana. Se trata de un mini vestido en lana calcetada, con mangas en tejido transparente brillos y pelo sintético, combinado con un pantalón, del mismo tejido transparente que la manga, con puño en el tobillo.

TÉCNICA DE COLOR:

Primero he dibujado la textura en un rectángulo. Luego he dibujado un figurín (delantero y espalda), y a continuación he dibujado con un lápiz duro 2H las cadenetas de lana. Después he dado con pastel Rembrandt color violeta suave unos puntos de color con el dedo. Después he remarcado las sombras de estas cadenetas con un marcador Brushmarker rosa pálido, para crear las sombras propias del relieve de la lana tejida.

He coloreado la piel de las zonas transparentes y las que quedan vistas. Y para el pantalón y las mangas, he vuelto a dar toques con tiza pastel violeta, y marcador.

Con lápices de colores he ido matizando y creando sombras. He perfilado ciertas zonas con lápiz blando y oscuro, y con un rotulador Staedler 0,1, muy fino, he perfilado algunas pequeñas líneas, puntos de contraste y sombra.

El colgante y la cinta de la espalda, que sujeta el vestido para que no se abra demasiado, debido a su gran escote en V, están coloreadas con esmalte de unas dorado con purpurina. He utilizado dos tonos diferentes. Lo he aplicado con un palillo de madera alargado, de los que se utilizan en cocina, para brochetas, haciendo pequeños puntitos.

Pon una pequeña cantidad de esmalte sobre un trozo de plástico, metal (la tapa de un tarro), como si fuese la paleta de un pintor. De ahí ve tocando con el palillo de madera, o pincel muy fino, o la punta de un lápiz, y luego aplica sobre el papel. Si quieres aumentar el brillo, puedes espolvorear purpurina sobre el esmalte húmedo, dejar que seque, y soplar para retirar el exceso.

EN LA SIGUIENTE LECCIÓN DIBUJARÉ UNA NOVIA CON APLICACIONES DE ESMALTE, Y TE LO MOSTRARÉ EN UN VÍDEO TUTORIAL, PARA QUE LO VEAS PASO A PASO.

Tómate un descanso y deja secar cada vez que utilices esmaltes, para no ensuciar todo el dibujo.

Son una forma muy buena de representar pedrería y lentejuelas en las ilustraciones de prendas de fiesta, gala, etc.

Casi nunca me pinto las uñas de las manos, sólo las de los pies; pero tengo un arsenal de esmaltes de colores que utilizo para dar estos pequeños toques a las ilustraciones de moda. 

TERCER TEJIDO: PIEL DE CABRA CON ACABADO FANTASÍA:

Las pieles fantasía o grabadas son cueros que imitan la piel de otros animales, como por ejemplo serpiente, cocodrilo, o estampados, gracias a procesos de impresión.

La siguiente piel de cabra que he utilizado para la ilustración, es una muestra real, que he utilizado para una falda de Cruz Costa Costura. Es un boceto personal, y pronto la veréis en nuestras redes sociales. Espero que me digas si se parece al proyecto definitivo o no.

Boceto de falda en piel de cabra fantasía efecto serpiente color fucsia. La textura fotografiada se muestra en el fondo de la ilustración.

TÉCNICA DE DIBUJO:

Esta presentación la he hecho con Adobe Illustrator. Más adelante veremos un tema sobre cómo dibujar, componer e insertar estampados en Illustrator. Pero por ahora, centrémonos en aprender a dibujar. Paso a paso.

He dibujado un figurín de 9 cabezas, con lápiz duro 2H. Una vez dibujadas las prendas, he dado color a la falda. Primero he dibujado, también a lápiz, de forma esquemática, el estampado de la piel, y después le he dado color con un marcador o rotulador Brushmarker fucsia. Con un rotulador Staedler negro de 0,1 y un lápiz Faber Castell del mismo tono, he vuelto a marcar las manchitas de la piel. Este cuero tiene un acabado brillante; pero esta vez, en vez de dejar zonas en blanco para dar esa luz, como hice con el zapato de charol de la ilustración masculina, he dado un acabado final con un esmalte de uñas blanco. En la fotografía no se aprecia totalmente, pero en la ilustración física, ese esmalte crea un brillo en relieve interesante.

La camiseta está coloreada con lápiz negro, dejando zonas sin colorear para dar puntos de luz: escote, pecho, brazo. Las mangas y el escote llevan un tejido en rejilla negro transparente. Antes de dibujarlo, he coloreado la piel de esas zonas. Después he dibujado la red a lápiz, y por último he trazado unas pequeñas líneas con Staedler negro 0,1.

Por último, las lentejuelas cosidas a este tejido transparente, están dibujadas con puntitos de marcador fucsia y dos esmaltes de uñas: oro viejo y granate burdeos. He utilizado, como te explicaba antes, un palillo de madera. Mojo la punta en el esmalte, retiro el sobrante si he cogido demasiado, y punteo sobre mi ilustración.

En próximas lecciones, trabajaremos con otras texturas.

Pero por hoy es suficiente, porque ahora toca ponerte tarea:

Haz click aquí debajo para descargártela. Cuando la tengas hecha, al completo, o la parte que te haya dado tiempo, envíamela. No sientas vergüenza.

HAZ CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGARTE TU TAREA EN PDF

 

En la próxima lección enviaré un vídeo tutorial dando color a una ilustración, para que me veas trabajar.

¡Te espero!

María Gondar.

 

 

 

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CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 2: CANON, MOVIMIENTO Y CONTRAPPOSTO

Curso de Diseño de Moda: ilustración de figurines 2: canon, movimiento y contrapposto.

Con los figurines desnudos descargables que encontrarás al final de la lección, podrás diseñar y dibujar prendas como ésta. Y con herramientas como Adobe Illustrator o Photoshop, podrás dar más fuerza al fashion sketch, añadiendo marcas de agua, colores, estampados, tu logo…

¡Comencemos!

¿Qué vamos a tratar en esta lección?

Nos centraremos en 3 puntos claves para hacer un buen figurín:

 

1º DIFERENTES CÁNONES PARA FIGURINES: 8, 9, 10 y 12 cabezas de altura. Con una FICHA DESCARGABLE GRATIS PARA IMPRIMIR (figurines de 8, 9 y 12 cabezas + hojas de ejercicios)

 

2º FIGURÍN DINÁMICO VS FIGURÍN ESTÁTICO: EN EL MOVIMIENTO ESTÁ LA FUERZA DE TU DIBIJO.

 

2º QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO. (Con figurín descargable para imprimir).

 

Y combinaremos estos puntos de ilustración de moda con un poco de Historia del Arte, porque mi intención, es que además de aprender a dibujar, adquieras algo de conocimiento sobre el tema, para enriquecer tu trabajo.

Estoy segura de que, el darte algo de información, te llevará a querer conocer más, a investigar.

Como futuro diseñador de moda o ilustrador NECESITAS ir llenando una especie de cajonera imaginaria en la que almacenarás en un cajón, por ejemplo, las diferentes formas del cuerpo humano; en otros, las técnicas de dibujo, los tipos de prendas y sus cortes, pinzas, aperturas; los diferentes tejidos y cómo dibujarlos; la historia de la moda y de su ilustración… etc. Y hay un cajón, que es muy importante que es el de la inspiración: en él irás guardando todo lo que aprendas, leas o veas sobre arte, naturaleza, historia, tecnología, ciencia, investigación, ecología, diseño, artesanía, y que servirán de base para crear tus diseños

Cuando te sientes a diseñar, sabrás a dónde dirigirte, tendrás la capacidad de sacar provecho de todo ese conocimiento adquirido, de los temas que han llamado tu atención, de los detalles que te han parecido fantásticos, etc.

Y si, además, quieres ser un buen ilustrador, es fundamental que domines la forma del cuerpo humano. Como ya sabes, ha sido objeto de estudio desde la Antigüedad; así que te animo a que tú también la estudies: alturas, proporciones, formas de manos y pies en las diferentes poses, movimientos… Hoy comenzaremos con los 3 puntos arriba mencionados, y te animo a descargar e imprimir las fichas para poder practicar.

1.- ¿QUÉ ES EL CANON DE PROPORCIONES?

Canon es un modelo o prototipo que reúne las características que se consideran perfectas en su género; o sea, que el Canon referido a la figura humana, se trata de un cuerpo que reúne las proporciones ideales.

Los antiguos egipcios tomaban el puño de la mano como módulo para todo el cuerpo. Un cuerpo debía tener 18 puños de altura, desde los pies hasta la mitad de la frente. A partir del siglo VII a. C. este canon se amplió a 21 puños, estilizando más la figura.

En Grecia, Policleto estableció las proporciones ideales, utilizando una medida o módulo, que fue la cabeza. Determinó que la medida de 7 cabezas era la altura ideal de un cuerpo humano. Lisipo alargó la figura hasta las 8 cabezas. 

El renacentista Miguel Ángel, utilizó un canon de 7 cabezas y media; y Leonardo Da Vinci, uno de 8 cabezas: el conocido hombre de Vitruvio. Leonardo desarrolló un canon artístico a partir de estudios antropométricos, teniendo como referencia el libro “De Arquitectura”, del arquitecto romano Vitruvius; que, a su vez, se inspiraba en el canon de Eufranor, discípulo del mencionado Policleto.

El pintor Durero empleó una altura equivalente a 9 cabezas en su obra Adán y Eva, que podrás encontrar en el Museo del Prado de Madrid.

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¿Qué canon de proporciones debes emplear para el diseño y la ilustración de Moda?

A no ser que en tu escuela, universidad, etc., te indiquen lo contrario, la elección de la altura y proporciones de un figurín, es libre para el diseñador/ilustrador. Tú decides cómo quieres dibujar, qué deseas expresar y provocar; aunque para la ilustración de moda, debes tener en cuenta algunos puntos importantes. Veamos:

La intención de un buen figurín debe ser transmitir cómo será la prenda una vez confeccionada, que se entiendan perfectamente sus cortes, tejidos, pinzas… Debe ayudar al patronista o modelista para continuar el trabajo, o para que un cliente final entienda cómo va a sentarle esa prenda que le han diseñado. La ropa (sus pinzas, cortes, pespuntes, cremalleras… ), accesorios o complementos que se muestren deben, por tanto, debe quedar bien definidos, claros. O sea, que si en un maniquí de espalda, dibujamos un pelo larguísimo, que tapa toda esa parte de la prenda, y resulta incomprensible cómo está diseñada, el trabajo no servirá de mucho. Puedes añadir notas con flechas sobre cómo irá confeccionada, al igual que dibujar pequeñas ampliaciones de alguna parte de la prenda que precise de mayor definición o detalle.

2.- ¡HAZ QUE SE MUEVA!

La expresividad y fuerza de tu dibujo depende del movimiento que consigas transmitir.

Es importantísimo que sea dinámico. Si comparas un maniquí estático, con uno en movimiento, la diferencia es abismal. Tanto la ilustración como la prenda ganan. Un maniquí rígido, convierte a una ilustración en una ficha técnica. Un figurín de moda es, en gran parte, un trabajo artístico, y no sólo técnico. No tiene que ser 100% real o veraz. Puedes dejar volar tu creatividad. Si conoces la obra de algunos ilustradores, los cabellos de sus figurines son como de personajes de dibujos animados, pueden llevar ojos pero ni boca ni nariz, o sólo llevar unos labios y el resto de la cara en blanco, puedes colorearlos por completo o dar sólo unos sutiles toques de color, sombras y luces…

Pero todos coinciden en algo: sus maniquíes están posando como modelos, o simulan estar caminando en una pasarela. Nunca los dibujan de frente, de brazos caídos y piernas rectas y paralelas.

Debe ser libre. Disfruta de tu libertad creativa e intenta hacer tus propios cuerpos y caras.

Si se trata de ilustración de moda para un cliente final, puedes incluso adaptar el diseño a la forma de su cuerpo. Veremos más adelante una lección sobre morfología humana aplicada al diseño de moda.

Adjunto a la lección de hoy, voy a dejar 4 maniquíes descargables para imprimir, con las proporciones de 8, 9, 10 y 12 cabezas. Búscalo al final de la lección.

3.- ¿QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO?

El contrapposto es una palabra italiana que designa a la manera de oponer armónicamente las partes de un cuerpo, cuando unas están en tensión o movimiento, sus simétricas permanecen en reposo. Una pierna está fija en el suelo y la otra adelantada, al igual que los brazos. Al descansar el peso del cuerpo sobre una pierna, tanto la línea de los hombros como la de la cadera, dejan su posición horizontal.

Se utilizó en escultura griega, pintura y también se aplica en el dibujo de figurines de moda. En la imagen que veíamos al principio del Doríforo de Policleto, puede apreciarse esta técnica.

Doríforo de Policleto en Contrapposto.

 

 

En la próxima lección veremos cómo ilustrar diferentes tejidos y transparencias. Como avance, la siguiente imagen.

Se trata de un vestido que combina tejido liso gris, tartán de cuadros violeta, gris y rosa y rejilla en las partes transparentes de la cintura. En la próxima lección veremos cómo representar diferentes tejidos y transparencias. Te espero.

 

 

 

 

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CURSO DE DISEÑO DE MODA. CÓMO ENCONTRAR Y DESARROLLAR LA INSPIRACIÓN.

Pues olvida la angustia y aprende con este curso de Diseño de Moda cómo crear colecciones originales de forma metódica. 

Aunque la inspiración parece algo mágico, que surge por casualidad, existen técnicas para conseguirla y saber construir con ella un proyecto. 

7 PASOS PARA ENCONTRAR Y DESARROLLAR UNA IDEA Y CONVERTIRLA EN COLECCIÓN. 

Imagínate que esto es un blog de cocina. Has buscado una receta y te indican cómo hacerla PASO A PASO. Con tu colección trabajaremos de la misma forma. Siguiendo un orden. 

Al final del artículo te dejaré un PDF descargable para imprimir.

Así, cuando intentes hacer tu propia creación, podrás seguir los pasos uno a uno, sin necesidad de tener mi artículo abierto; pudiendo, además, hacer pequeñas anotaciones de proceso en los huecos blancos. 

Quiero que te metas en el papel, como si fueses un actor, convirtiéndote ahora mismo en un estudiante de Diseño de Moda.

Como estamos en Enero y ya tenemos la cabeza puesta en la próxima estación, imaginemos que en clase te han pedido que desarrolles una pequeña colección inspirada en la Primavera, pero no te han dicho nada más, para que la temática sea lo más libre posible, y poder ver los caminos que han tomado los diferentes trabajos de todos los alumnos.

¿Flores en Primavera?

Recuerdas aquella escena de El diablo viste de Prada, durante una reunión en la redacción de la revista Runway en la que se habla de los temas de un próximo número, y en la que una redactora habla de estampados florales, y Miranda Priesley, la editora, le contesta “¿Flores en Primavera? ¡Qué original!”. Quieres sacar buena nota. Tienes miedo de que tu profesora de diseño te mire con la misma cara de sarcasmo, y piense que tu cabeza no ha dado para más, o que no te has esforzado en absoluto.

No digas: “para la Primavera, me he inspirado en las flores”. Di más bien…

Y sí, las flores son el símbolo de la Primavera. Y si quieres utilizarlo para el desarrollo de tu propuesta, no hay nada de malo, si consigues que sea buena, original y bonita. Pero busca la forma de hacerlo. No digas “Para la Primavera me he inspirado en las flores”. Profundiza. Di, más bien, “He llegado a esta colección gracias a un inspirador poema de Antonio Machado, titulado La Primavera besabaen el que habla de nubes que pasan, verde que brota, almendros floridos y besos”. Explica que has buscado una paleta de colores con esas ideas, además de crear estampados. Quizás haya algún dato más sobre el poeta, sobre su vida u obra, que te lleve a pensar en formas, tejidos…

¿Entiendes lo que quiero decir? Por supuesto que puedes hacer flores para la Primavera. Pero no te quedes ahí. 

Veamos esos 7 procesos:

1ER PASO:  BÚSQUEDA EN ABANICO. 

Tienes un tema o una palabra clave para inspirarte. Escríbela en el centro de un papel, y saca líneas con todas las posibilidades que se te ocurran vinculadas él.  

Pongamos, por ejemplo, en Google: La Primavera en…

1.1. La Mitología:

te encontrarás con Perséfone o Proserpina. Puedes leer sobre este Mito, y crear un arquetipo y vestirlo. ¿Cómo vestirías a Perséfone, diosa de la Primavera, por ejemplo, para una ópera?

1.2. La Música:

tu buscador de Internet te llevará a Vivaldi (Las Cuatro Estaciones), Stravinsky (La Consagración de la Primavera). Buscando más sobre esta obra, veremos que fue escrita para la temporada 1913 del Ballet Ruso de Serguéi Diaguilev, y estrenada en el Teatro de los Campos Elíseos, en París. Es una de las obras más influyentes del siglo XX. Se percibe como un grito de liberación.  El vestuario fue creado por Nikolái Roerich está inspirado en prendas tradicionales rusas.

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1.3. La Pintura:

Paul Klee (Arbustos en Primavera), Claude Monet ( su serie titulada Primavera en Giverny)…

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1.4. Las tradiciones del mundo:

Por ejemplo, el Festival Holi, en India y Nepal, durante la última luna llena del mes de marzo. Se lanzan al aire agua y polvos de colores para celebrar la llegada de la Primavera.

Festival Holi en India y Nepal.

1.5. La literatura: prosa y poesía. 

Hay infinidad de textos, poesías, etc., dedicadas a este tema. No es necesario que leas todo lo que encuentres. Echa un vistazo por encima, y lee lo que llame tu atención o curiosidad.

1.6. Las alergias: 

No sé si será posible inspirar una colección en el polen, pero nunca se sabe. En este momento sólo estás tratando de reunir conceptos relacionados con esta estación del año.

1.7. Las flores y las abejas:

No pienses que te estoy proponiendo dibujar un vestido de rayas negro y amarillo. ¡No! Piensa en la cantidad de joyas y complementos que llevan abejitas hechas con brillos. Todo es inspirador.

1.8. La Primavera y el amor: 

Para muchos esta época desata la euforia y la pasión. Te lo creas o no, el concepto Pasión, podría ser una fuente de inspiración.

1.9. Flores y fotografía:

¿Conoces a Karl Blossfeld?

De este último artista, tengo un proyecto hecho, y podría compartirlo, pero he decidido que en este artículo juguemos tú y yo con las mismas cartas. En este momento aún no he decido cómo se desarrollará la colección. Ambos somos ese estudiante, y estoy, como tú, buscando información sobre la Primavera.

AMPLíA MUCHO MÁS: NO TE LIMITES A BUSCAR LA INSPIRACIÓN EN LA BELLEZA O EN EL ARTE.

¿Sabes qué pensé ayer, mientras escribía este post?  Me pregunté por qué a la revolución de los pueblos de Libia, Túnez, Egipto, Yemen y Siria (donde la guerra continúa) durante los años 2010 al 2013, en clamor por derechos sociales y democracia, se la conoce como Primavera árabe. La respuesta que encontré en Google es que evoca la Primavera de Praga de 1968 (al tiempo que el Mayo del 68 en París). ¿Y por qué se le llamó Primavera?, me pregunté. Fue otra revolución que buscaba modificar aspectos totalitarios del régimen soviético en Checoslovaquia, legalizando partidos políticos y sindicatos, promoviendo el derecho a huelga, la libertad de prensa, etc., y que terminó con un brutal aplacamiento soviético. Y su nombre, evoca a su vez la Primavera de los Pueblos o de las Revoluciones, en 1848

¿Evocación de la evocación de la evocación?

Tuve miedo de seguir preguntándome ¿pero por qué Primavera si empezó en invierno y acabó en verano? Pero quería saberlo. Tenía que haber un motivo para el nombre. Esta revolución comenzó el año en el que se publicó en Londres el Manifiesto Comunista. Fue iniciada en Francia y se extendió rápidamente por Alemania, Austria, Hungría e Italia. Aunque ha habido revoluciones con mejor final, ésta ha sido la que más rápido y ampliamente se ha extendido, ya que traspasó fronteras y océanos. Pero fracasó. A los 18 meses, excepto en Francia, todos los regímenes derrocados volvían a estar en el poder.

Los trabajadores pobres aún no eran conscientes de que podían unirse como clase, y los burgueses, intelectuales de la revolución, abandonaron cuando la revolución ya no servía para su interés económico. Aunque se lograron tres cosas: la abolición del sistema feudal todavía vigente en Austria y Hungría, fue la primera experiencia del proletariado incipiente, y supuso el abandono de las políticas absolutistas de derecho divino y sus privilegios.

¡LA ANSIADA RESPUESTA!

Y, finalmente, encontré al historiador Eric Hobsbawn, quien explicó que pareció ser una primavera de los pueblos porque, al igual que esta estación del año, fue efímera. Los símbolos románticos, los ideales utópicos se debilitaron con rapidez, se marchitaron. Así que Primavera es también metáfora de revoluciones populares, de personas que se unen para clamar por sus derechos. Fracasen o triunfen, no son otoños ni inviernos. Son intentos de renacer, de florecer, mejorar, y aunque sean efímeros, se pueden volver a intentar.

2.- REFLEXIÓN.

¿Por qué he decidido compartir esto, cuando estábamos tratando un tema de Diseño de Moda?

Porque ayer, después de leer toda la información sobre el tema, no quise seguir con el artículo. Leer sobre injusticias, muertes, guerras, desigualdades, complica un poco continuar como si nada, hablando de nuestras profesiones. Me tomé un día para retomarlo y, finalmente, he decidido incluirlo.

Considero que cuando nos encontremos con temas así, deberíamos reflexionar. A menudo, desde nuestras casas con internet, calefacción, neveras y armarios llenos y plan con amigos para el viernes noche y un viaje preparado para Semana Santa, es fácil olvidarnos de lo injusto que sigue siendo el mundo. Deberíamos sentir la injusticia. El dolor y la sangre que vierte.

Como diseñador, modista, que quiere ver sus diseños en la calle, apelo a tu conciencia, a tu corazón. Ni tú ni yo tenemos la culpa de las guerras. Ni en tu mano ni en la mía tenemos la posibilidad de solucionarla. ¿Pero sabes qué podemos hacer?

VALORA Y RESPETA EL TRABAJO DE LOS DEMAS.

El bagaje cultural, tanto del trabajo de los demás, de la historia, de lo que sucede en el mundo… harán que valores el talento ajeno, y no sólo el tuyo. Apreciarte única y exclusivamente a ti mismo, puede que te lleve a buscar destacar a toda costa, sin importante si explotas con tu negocio a otras personas, si les exiges demasiado, hasta hacerlas infelices por trabajar para ti. O a que se sientan salvados porque trabajan por una miseria de salario.

Te animo, a que no sólo busques ser creativo, sino a trabajar con amor, respeto y dignidad.  No te obligo, por supuesto. Tú eliges qué tipo de persona quieres ser.

Y con bagaje de conocimiento no quiero decir que te pongas a estudiar Historia, Arte, Geografía, Filosofía, Matemáticas, Marketing, Informática, Literatura, leerte todas las noticias del mundo o intentar entender todos los conflictos armados… de forma desesperada. Es imposible Empieza poco a poco. Con cada proyecto, por ejemplo, exprimiéndolo al máximo, y ya será mucho lo que has conseguido. No se trata de ser la persona más culta ni la más inteligente del mundo.

Se trata de ir ganando sabiduría, observando, aprendiendo a respetar. Si acompañas a una modista mientras hace uno de tus diseños, verás el tiempo que le lleva hacerlo, y deberías “obligarte” a pagarle un precio justo por él, lo que se merece. Querer enriquecerte a costa de su sacrificio, aunque ella acepte un precio miserable por necesidad, te hace ser despreciable. Nadie es más persona que nadie. Simplemente nacemos en diferentes lugares y en condiciones muy desiguales. Con oportunidades o con trabas. Muchos, por mucho que se esfuercen, el lugar en el que han nacido, les limita su capacidad de prosperar, casi por completo.

3.- Y EL GANADOR ES…

Volvamos a nuestro proyecto práctico.

Hemos visto que la Primavera es sol, luz, color, fragancias de las flores, aromas, excursiones por la naturaleza, verdor, amor; pero también es la lucha por la igualdad y la supervivencia; es intentar renacer, y que su carácter efímero no significa fracaso absoluto, si se marchita, puede volver a florecer.

Primavera es Vida.

Es obvio que con toda esta reflexión, las flores van a ser más que simples formas y aromas. Nuestro proceso creativo se ha enriquecido. Has ido tomando notas de los datos que más te han emocionado o impactado. Te han ido surgiendo ideas, que también has apuntado.

Y ahora toca revisar y escoger un tema a desarrollar. Y si no te satisface el resultado, sólo tienes que dar un paso atrás y escoger otro.

4.- MOODBOARD: DESCUBRE EL INSPIRADOR PROCESO POR EL QUE PASAN LOS PROYECTOS CREATIVOS. 

Una vez escogido el tema a tratar,  haremos un MOODBOARD (muro de inspiración), con fotografías, colores, texturas, materiales y conceptos que nos ayuden a filtrar y provocar ideas. Puedes hacerlo a mano o a ordenador, con Photoshop o Illustrator. Y te aseguro que es una herramienta que funciona. Piensa qué idea quieres transmitir con él. 

Para este ejercicio práctico, de todas las búsquedas que he hecho sobre el tema, he escogido el Festival Holi, porque esas imágenes polvos de colores me parecen muy llamativas e inspiradoras, y están muy relacionadas con esa idea de que la Primavera es vida, es color. 

Busca imágenes libres, en pixabay.com, por ejemplo.

Como ves, he buscando fotos muy coloridas, con personas sonrientes que transmiten la sensación de estar divirtiéndose. He pensado en tejidos y materiales que puedan ayudarme a representar esos polvos de colores volando, y me han venido a la cabeza el tul (imagen del fondo), o las tizas y pasteles de colores que se utilizan para las pizarras o al dibujo artístico. 

Ahora me será mucho más fácil trabajar, porque tengo que centrarme en conceptos y materiales como “colorido”, “alegría”, “empolvado”, “tul”, “vuelo”…

5. REDACTA TEXTOS Y MEMORIAS DESCRIPTIVAS QUE DEN VALOR A TU PROPUESTA. 

Escribe, sobre el tema escogido, un pequeño texto explicando cómo has llegado a él. Y al final, deberías realizar una memoria de tu trabajo, en la que expongas el desarrollo de la idea, los resultados y unas conclusiones. Puedes añadir presupuestos. Si no explicas por qué y cómo has llegado a un diseño, tal vez vean que es bonito, muy original, pero pierdan todo su significado, su simbolismo, qué quieres reivindicar u homenajear. Eso que hace tu trabajo más especial, poético, sensible, artístico…

No seas demasiado extenso. Yo he escrito todas las búsquedas que he hecho, porque tú necesitas también hacer mucha investigación previa; pero no es necesario que la compartas. Quien vea tu colección, sólo debe ver una parte del trabajo.

Si tienes problemas para redactar textos atractivos, puedes echar un vistazo a las bases del Copywriting. Hay muchísimos blogs con muy buenos consejos para empezar, como el de Maider Tomasena.

Próximamente publicaré más artículos con ejemplos para redactar tus proyectos de Moda, tanto las fichas técnicas, como las memorias descriptivas, que harán que tus ideas ganen atractivo y puedan ser mejor comprendidas por profesores, clientes, etc. Si quieres que te avise de su publicación suscríbete y recibirás una Newsletter en tu correo electrónico informándote.

6. BOCETAR CON IDEAS SALVAJES.

Con ideas salvajes no me refiero a que estén sin domesticar. Sino a que comiences a dibujar de forma rápida, esquemática, sin pararte a juzgar cada esquema.

Si no tienes una mesa de calco, te aconsejo comprar papel vegetal. No sé si tienes experiencia dibujando maniquíes; si no es así, puedes buscar en internet imágenes y descargarlas, ya sean figurines de hombre, mujer o niños. 

Intenta hacer muchos dibujos rápidos, bocetos, poniendo el papel vegetal sobre el maniquí, para obtener siempre la misma forma y ahorrar también tiempo de dibujo. Intenta buscar formas y texturas diferentes, relacionadas con tu idea, haciendo que fluyan. Haz 10, 20, los que puedas.

7. ILUSTRACIONES. 

De esos bocetos, intenta escoger los que más te gusten, y dibújalos bien, en papel de mayor grosor, o a ordenador, según suelas diseñar.

Y si quieres hacerlo más profesional, haz fichas técnicas de las prendas. 

Si no sabes hacerlas, no te preocupes, lo veremos próximamente.

Te dejo una ilustración o fashion sketch, de un vestido de líneas sencillas, tonos empolvado, inspirado en nuestro Moodboard Holi, turquesa y fucsia, con godets y adornos, ambos en tul, sobre lo hombros.

Lo prometido:

Aquí tienes el PDF para que puedas seguir los pasos mientras no los memorizas. Con el tiempo los convertirás en costumbre. Pero sigue leyendo que tengo más regalitos para ti.

Ayúdame a mejorar:

Mientras practicas este primer tema, yo seguiré preparando más post para ayudarte a realizar memorias descriptivas, dibujar figurines de moda, realizar fichas técnicas, etc. Si deseas sugerir temas de tu interés para este apartado del blog CURSO DE DISEÑO DE MODA, no dudes en escribir a esta dirección: mariagondar@cruzcostacostura.com
Y si deseas ayuda con tus proyectos de diseño (ideas, desarrollo, presentación, ilustración), consúltanos y te haremos un presupuesto sin compromiso.

Bonus:

Y si te has quedado con ganas de aprender más, descárgate mi ebook con claves para aumentar la creatividad. 

Sí, es cierto que algunos han nacido con talento innato, pero todos trabajar y mejorar nuestras dotes creativas. No sólo para el trabajo, sino para resolver situaciones y problemas de la vida diaria. 

Simplemente suscríbete a la web y podrás descargártelo. Y si tienes algún problema para obtenerlo, no dudes en enviarnos un correo y lo solucionaremos.

Curso de Diseño de Moda por María Gondar, para Cruz Costa Costura.

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DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA.

DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA

Hace unas semanas me encontraba dibujaba unas ilustraciones para camisetas escuchando Francesca da Rimini, y pensaba que Rachmaninov no me estaba ayudando nada a tener más inspiración, pero sí estaba haciendo del momento de frustración, nada productivo ni creativo, un rato muy agradable.

Entonces, la explotada neurona que me queda pasó de la concentración a la divagación, se fue de paseo a la ópera, y me hizo pensar que estaría muy bien poder diseñar vestuario para este tipo de espectáculos. Y así nació la idea para este artículo.

Hacer una lista de diseñadores para ópera haría el texto demasiado extenso, así que me he limitado a escoger a algunos de los más destacados, por su pasión, audacia, por su método de trabajo, o por cómo de rebote alguno acabó diseñando vestuario a pesar de no ser su oficio e incluso caeré en el cotilleo contando algún truculento detalle personal.

 

MARIETTE Y EGIPTO:

François Auguste Ferdinand Mariette (Boulongne-sur-Mer, Francia, 1821- El Cairo, Egipto, 1881) no se imagina mientras da clases de dibujo en Stratford (Inglaterra),durante 1839 y1840, que acabará siendo un experto en Egiptología y como tal colaborará en la representación de Aida en El Teatro de Ópera del Jedive, en el Cairo, el 24 de diciembre de 1871.

De profesor de dibujo a egiptólogo

En 1841 descubre en el Museo de Boulogne algunos objetos egipcios y queda impresionado. En 1845, su primo lejano Nestor L’Hôte, dibujante de gran talento que acompaña a Jean François Champollion en Egipto, muere. Mariette es el encargado de clasificar sus papeles y dibujos, y descubre la Egiptología. Estudia los jeroglíficos, el copto, el sirio, el arameo y renuncia a su plaza de profesor por un puesto mal pagado en el Louvre.

El Escriba sentado

En 1850 es enviado a Egipto para adquirir unos manuscritos en copto, pero esta misión fracasa y decide, sin permiso y a escondidas, utilizar los fondos para excavar Saqqara, donde encuentra primero una esfinge y después desentierra algunas más, además de la estatua del Escriba (Museo del Louvre, París). Este es sólo el principio de la carrera de uno de los padres de la Egiptología y fundador del Museo del Cairo.

Aida

Pero volvamos a Aida (ópera que trata de una princesa etíope prisionera en Egipto): el jedive de Egipto, Ismail Pacha encarga a Verdi una oda para conmemorar la apertura del Canal de Suez, pero Verdi declina la invitación alegando que él no realiza “piezas ocasionales”. Pachá intenta convencerlo nuevamente, al tiempo que también lo hace con Gounod o Wagner. Finalmente, cuando Verdi lee el argumento escrito por Mariette, acepta componer una ópera. El despliegue escénico es grandioso. Mariette crea los personajes, el vestuario, los decorados, inspirándose en las pinturas de la tumba de Ramsés II y en los colosos ornamentales de su templo en Madinet Habu, por ejemplo. La corona que ciñe Amneris es de oro macizo. En los figurines que se muestran a continuación, puede apreciarse el trabajo detallado del diseñador.

Ilustración de personaje egipcio para Aida, por Mariette. Imagen de “Amigos de la Egiptología”.

 

Personaje etíope para Aida, por Mariette. Imagen de “Getty Images”.

 

CHARLES BIANCHINI Y LAS VALKIRIAS:

Antoine Charles Bianchini, (Rhône, 1859- París, 1905), conocido como Charles Bianchini es un diseñador francés de vestuario escénico para teatro. Aunque su padre lo envía a Inglaterra para estudiar Comercio e Inglés, su verdadera vocación es el Teatro; desde la administración hasta la puesta en escena o el vestuario.

Comienza diseñando trajes de fantasía para revistas, y recorre Holanda con una troupe, y poco a poco, su vocación se va centrando en la puesta en escena. Unos años más tarde debuta con Eldorado, después monta Sigurd para Bruselas, vuelve a hacerla en Lyon y llama a la Ópera de París para solicitar representarla allí, solicitud que le es concedida y vende para ello sus muebles para financiar el proyecto.

Diseñador de la Ópera de París

Y en 1883 se convierte (hasta su muerte) en el diseñador titular de esta Ópera, además de crear para otras escenas, en especial para la Ópera Cómica. Posteriormente monta Les Deux Pigeons, Patrie !, la Dame de Monsoreau, Roméo et Juliette, la Tempête, le Rêve, Ascanio, le Mage.

Para la Opéra-ComiqueMadame Turlupin, le Roi d’Ys, l’Enclume, l’Escadron de la Reine, Esclarmonde, Dante, la Basoche; à l’Odéon, Caligula, además de otras piezas de Ambigu.

La Walkyrie

En 1893 diseña el vestuario para La Walkyrie de Wagner (la segunda de las cuatro óperas que componen El anillo del nibelungo,  inspirada en la mitología nórdica, y cuyo fragmento más conocido es “La cabalgata de las valkirias”), con un estilo muy realista.

Figurín por Bianchini para La Walkyrie de Wagner en la Ópera de París.

 

Figurín de Bianchini para La Walkyrie de Wagner, en la Ópera de París, 1893. Imagen de Pinterest.

Es evidente que al ejercer un oficio de forma vocacional se hace apasionadamente, intentando dar lo mejor de uno mismo, crear un estilo propio y dejar impronta. Bianchini es minucioso y detallista. Ningún detalle del personaje es dejado a la improvisación. Todo está diseñado y representado: ropa, complementos, joyas, maquillaje, peinado…

Rey de Irán, por Bianchini. Imagen de gallica.bnf.fr

 

Hay muy pocos datos de su biografía, pero sí se sabe que el 10 de Mayo de 1898 cae enfermo de forma repentina, entrando en un estado parecido al coma, y hasta el día 17 alterna extraños estados: amanece mejor, pero su estado se agrava rápidamente durante el día, aunque no muere. Nadie sospecha de su mujer, hasta que el día 13 pide a un doctor atropina “para su perro”. Las sospechas se convierten en certeza por las alucinaciones de los días 14 y 15, por lo que decide avisar a otros doctores y es finalmente apartado se su esposa el día 17. En 8 días está en pie.

 

Madame Simonet.  Personaje de La Traviata (ópera de Verdi basada en La dama de las camelias, de Dumas. La ilustración para este vestido parece sencilla, simplificada, sin embargo todo está exquisitamente detallado: tejidos, colores, brocados, forma.

 

A partir de 1900 los temas históricos modifican el método de trabajo de los costureros y los talleres deben adaptarse.

Después de la Segunda Guerra Mundial, la Ópera de París colabora estrechamente con la Escuela de París y con la Escuela Italiana.

 

LILA DE NOBILI VISTE A “LA CALLAS”:

Lila De Nobili (Lugano, 1916- París, 2002) es una diseñadora, diseñadora de vestuario y escenógrafa suizo-italiana. Destaca como ilustradora para la revista Vogue. En 1943 se establece en París . Realiza históricos vestuarios en ópera, especialmente en La Scala de Milán con Luchino Visconti, Maria Callas, Franco Zeffirelli, Luigi Squarzina y en Inglaterra con Frederick Ashton, Tony Richardson y Peter Hall entre 1957-62 en seis producciones de obras de Shakespeare,​ y la primera Carmen en el Palais Garnier en 1958.

 

María Callas vestida por Lila de Nobili para La Traviata. Imagen de Wikipedia.

 

Figurines de Lila De Nobili para Las cigarreras de Carmen. Imagen de Pinterest.

En los años 1960 los estilistas sustituyen a los pintores. Roland Petit encarga a Yves Saint Laurent el vestuario de Notre Dame de París, y Robert Wilson hace lo mismo con Kenzo para La Flûte Magique (1999).

CHRISTIAN LACROIX Y SUS MARAVILLOSAS ILUSTRACIONES:

Pero entre los diseñadores, quien destaca sobre el resto es Christian Lacroix (Arles, Francia, 1951). El diseñador se aparta de las pasarelasen el 2009, y aunque colabora con alguna marca, la mayor parte de su talento como modisto lo dedica al vestuario para ópera. Ha llevado la Alta Costura al escenario. Su visión barroca y exagerada de la moda, encaja perfecta en la ópera. Y sus ilustraciones son fantásticas.

 

Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Pinterest.

 

 

Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Imagen de Pinterest.

 

Croquis de Lacroix para la Ópera de París.

IRIS VAN HERPEN: ¿LA ESCULTORA DE LA MODA?

Si a Balenciaga o Stéphane Rolland se les conoce como los arquitectos de la Moda, creo que Iris Van Herpen (1984) bien merece el título de escultora además de modista. En un momento en que todo parece inventado, esta diseñadora ha conseguido insuflar aire nuevo moviéndose entre la alta tecnología,  la impresión 3d, la ciencia y el artesanado,  à la quête de nuevos materiales y técnicas, concibiendo la moda como arte.

Pelleas et Méllisande

Es además noticia estos días porque creará 20 trajes para el Ballet Pelleas et Mélisande, compuesto por Claude Debussy y que será representado en la Ópera de Anvers (Francia). Sus diseños obviamente no son para la calle, para la vida diaria, pero creo que, como Lacroix, encaja perfecta en este medio, en los escenarios, tanto para obras nuevas, como para revisar el vestuario de los clásicos. Intentando imaginar cómo vestiría ella a Armida, la hechicera enamorada de Rinaldo, me despido hasta el próximo artículo.

 

 

Vestuario de Iris Van Herpen. Imagen de Vogue.

 

Un saludo y gracias por la lectura.

María Gondar para El Blog de Cruz Costa Costura.

 

BIBLIOGRAFÍA:

https://vestuarioescenico.wordpress.com/

http://www.opera-europa.org/es/recursos-de-pera/historia

http://www.filomusica.com/opera.html

https://www.artlyriquefr.fr/personnages/Bianchini%20Charles.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Lila_de_Nobili

http://gallica.bnf.fr

https://www.opera-comique.com/fr/l-opera-comique/l-atelier-costumes-teinture-naturelle

https://www.olyrix.com/decouvrir-opera/metiers-de-lopera/6/le-costume-a-lopera-1-la-place-du-costume

http://www.elmundo.es/cultura/2016/05/21/573f44b246163ff17a8b45a0.html

http://www.itfashion.com/cultura/arte-y-parte/en-los-archivos-de-lacroix/

http://egiptologia.com/aida-y-mariette-una-opera-egiptomaniaca/

https://www.vogue.fr/mode/news-mode/diaporama/iris-van-herpen-costumes-de-opera-anvers-belgique-ballet-pelleas-et-melisande/48816

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HISTORIA DE LOS DESFILES DE MODA.

El “universo” de los desfiles es también infinito y está en constante movimiento.  Ya no se trata solamente de modistos y clientes: “actúan otras fuerzas”. Repasemos ahora la Historia de los desfiles de moda:

Las pasarelas son eventos sociales en los que mucha gente quiere ser vista, tanto o más que ver. Algunos se han convertido en espectáculos mundialmente conocidos, como el Victoria’s Secret, donde  sus “ángeles” son ídolos de masas.

LOS DESFILES EN LAS RRSS Y EL STREET STYLE DE LAS FASHION WEEKS

Durante las diferentes semanas de la Moda de las distintas capitales, las redes sociales de imágenes, (como Instagram, Pinterest), se llenan de un sinfín de imágenes de fotógrafos compartiendo el street style que circula entorno al evento. El espectáculo traspasa las paredes del recinto, salón o palacio donde se realiza la pasarela: redactores y editores de moda, actores, cantantes, artistas, etcétera, que acuden a los desfiles;  bloggers e influencers por las calles con looks llamativos, buscando seguidores y marcas que quieran vestirlos con sus diseños.

 

En este artículo vamos a recordar cómo empezó todo, de qué formas han ido evolucionando o qué tipos diferentes de desfiles existen, además de mencionar  algunas de las pasarelas más originales, polémicas o importantes.

PRIMEROS DESFILES:

Cuando pensamos en el origen de la alta moda, a todos se nos viene a la cabeza, París. No nos equivocamos, y aunque de esta ciudad también se trate esta vez, es a dos británicos a quien debemos los primeros desfiles:

1.- Charles Frederick Worth nace en Inglaterra en 1825. Comienza como aprendiz en mercados de tejidos donde adquiere grandes conocimientos. Visita la National Gallery, estudiando los retratos históricos, que posteriormente influyen en sus creaciones como diseñador. Se traslada a París a los 20 años, donde comienza como vendedor y pasa a ser modisto. En 1858 consigue fundar, junto a su socio Otto Bobergh, su propia firma. Su manera de crear moda rompe con lo hecho anteriormente. Hasta ahora, el modisto, un artesano, trabaja según los deseos y pedidos de la clientela, bajo pedidos. Worth, sin embargo, crea sus propias colecciones.

SUS DESFILES

Escoge un tema y lo declina, desarrollando muchos modelos bajo ese mismo argumento. Es un artista. Lo presenta en salones lujosos, con puestas en escena, y las clientas pueden solamente escoger colores y tejidos. Nace con él el concepto de moda de estación. Worth contribuyó también al nacimiento de la Chambre Syndicale de la Haute Couture (1868), asociación que aún a día de hoy supervisan quiénes pueden utilizar la etiqueta de alta costura, y cuántas prendas debe presentar cada casa durante los desfiles.

Worth. Imagen obtenida de Wikipedia.fr

2.- Otra británica: Lucy Duff Gordon (Londres, 1864- Putney, Londres, 1935). Llegó a ser muy conocida por la polémica surgida tras haber sobrevivido al naufragio del Titanic con su segundo marido, ya que huyeron en un bote salvavidas casi vacío, con doce personas, cuando tenía capacidad para cuarenta, y no volvieron a por más gente. Pero, volviendo a la Historia de las Pasarelas, y pese a este incidente, es preciso recordarla, porque, además de “descorsetar” a las mujeres de la época, -tanto para vestidos, como aligerando la ropa interior-,  y de hacer de Lucile primera marca global,-con sucursales en Londres, New York, Chicago y París-, fue la primera en organizar desfiles modernos, en su tienda de París, pidiendo a sus maniquíes poses dramáticas.

Lucy Duff Gordon. Imagen obtenida de Wikipedia.fr

INTERNACIONALIZACIÓN.

A partir de los años 20, comienzan las performances artísticas en los desfiles, incluyendo música, baile, iluminación y decoraciones espectaculares. Las pasarelas se consolidan,  gracias a Coco Chanel, Paul Poiret… y profesionales de la moda de todo el planeta acuden a los desfiles. Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundia, los expertos estadounidenses no pueden viajar a París, con lo que Eleanor Lamber (Indiana, 1903-2003) creó en 1943 un evento llamado “La Semana Editorial” (Press Week), que derivó en la actual New York Fashion Week, y que sigue siendo una de las pasarelas más reputadas del mundo.

Década de los 60

Courrèges, Paco Rabanne, apuestan por puestas en escena más conceptuales.

80’s

Thierry Mugler realiza desfiles extravagantes y ostentosos, para él la comodidad no era, en absoluto, una prioridad. Se inspiraba en la ciencia ficción, los cómics…

90’s

Es la época de las Top Model o Supermodelos. Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Naomi Campbell, vivieron una auténtica época dorada, convirtiéndose en símbolos de la moda de la década. Eran ellas y los diseñadores.

Final de siglo XX: la corriente minimalista llega también a las pasarelas.

Sin embargo, las puestas en escena han aumentado de valor, llegando a millones de euros en las firmas de lujo,  donde en cada presentación trabajan cientos de personas.

Alexander McQueen (Lewisham,  1969 -11 de febrero de 2010), además de sus indiscutibles habilidades para el diseño y el corte y confección, crea espectáculos artísticos, teatrales, provocadores.

 

Hago una pausa en este resumen cronológico, a propósito de esta última frase, para aclarar que, al ser esto un repaso a la Historia de la Moda, no profundizaré en el tema de las provocaciones, en los debates sobre si todo vale, si todo lo que es polémico es sinónimo de creativo. Tampoco escribo hoy sobre la delgadez extrema mostrada en muchas  pasarelas y cómo influye en la sociedad. Sin embargo, como son temas actuales, debates abiertos y además entiendo este blog como un espacio para compartir información, aprender y reflexionar, invito, a quien lo desee, a opinar, comentar, proponer, corregirme o enriquecer los textos. Como cualquier expresión creativa, sea arquitectura, arte, escritura, artesanados, la moda crea debates y reflexiones muy interesantes.

 

ALGUNOS DESFILES HISTÓRICOS:

CHRISTIAN DIOR

1947: en plena reconstrucción tras la Segunda Guerra Mundial: Christian Dior presenta su New Look (ver post “Mamá, ¿de dónde vienen los tailleurs?”) volviendo a la feminidad y el chic del siglo anterior, olvidando las “mujeres soldado”, los looks espartanos.

COURREGES

1964: Courrèges presenta la minifalda de PVC, en su colección “The Moon Girl”, con modelos que bailan y saltan.

YVES SAINT LAURENT

Yves Saint Laurent se propone en el 66 democratizar la moda, y que las mujeres puedan llevar pantalones.

ALEXANDER MCQUEEN

1996: bajo el título Highland Rapes (Violación de las Tierras Altas), el citado anteriormente, Alexander McQueen, revisa, a su modo, la explotación de Escocia por Gran Bretaña, con modelos vestidas en tartán, con el pecho descubierto, pantalones de tiro muy bajo, asomando las nalgas…, lo que además de muchos enfados, le cuesta ser tratado de misógino y de hacer apología de la violación. El creador se justifica diciendo posteriormente que la gente lo interpretó mal, y de lo que él quería hablar era de la “violación” de Escocia.

MARC JACOBS no podía falta en esta “Historia de los desfiles de moda”

Normalmente, cuando alguien se despide de una empresa para emprender o retomar un proyecto personal, lo enfoca de una manera muy positiva, pensando en nuevos caminos, puertas y ventanas que se abrirán a su paso, recordando los momentos pasados de una forma alegre, hasta lo duros, que se han transformado en experiencia y han forjado el carácter.

 Jacobs plantea su despedida de una forma sorprendente. En vez de hacer metáforas con nuevos caminos, lo hizo con algo que muere y se entierra. Pero, si bien el escenario es negro, la música propia de un funeral, la elección de los elementos decorativos que evocaban París (carrusel, fuente, hoteles históricos…), provocan en el espectador dulzura. Convierte un funeral en algo bello, en un homenaje sofisticado a los buenos momentos.

¿DÓNDE Y CUÁNDO?

Este  último desfile de Marc Jacobs para Louis Vuitton, correspondiente a la Primavera/Verano 2014, se presenta en la mañana del 2 de Octubre del 2013 en el Cour Carré del Louvre.

¿ASISTENTES?

Entre los asistentes, mujeres muy importantes en la carrera del diseñador: Betty Catroux, Anna Wintour, Kate Moss…
Marc Jacobs declaró dedicar esta colección “a las mujeres que me inspiran y a la showgirl que hay en cada una de ellas”, y en su nota incluyó 35 nombres, entre los que se encontraban Coco Chanel, Miuccia Prada, Barbra Streisand, Edith Piaf, Juliette Greco o Lady Gaga.

DECORACIÓN

Si bien la carpa es rosa palo, el interior ers completamente negro.
Tanto las decoraciones como las prendas son negro azabache.
Los elementos decorativos pertenecen a desfiles pasados, y son pintados en este color, a modo de retrospectiva, de homenaje funerario. Están:
• La fuente del Otoño/Invierno 2010.
• El pasillo del Gran Hotel del Otoño/Invierno 2013.
• El ascensor y los ascensoristas del Otoño/Invierno 2011
• El reloj de la estación de tren del Otoño/Invierno 2012
• Las escaleras mecánicas de la Primavera/Verano 2013
• El carrusel de la Primavera/Verano 2012

 ENLACE A YOUTUBE DEL DESFILE DE MARC JACOBS

 

EL POR QUÉ DE MI SELECCIÓN:

Como explicaba al principio de este texto, la cantidad de pasarelas espectaculares, tanto por la teatralidad de su puesta en escena, como por la calidad y creatividad de las propuestas, aunque se trate de pasarelas discretas, austeras, pequeñas, en un pequeño salón, es muy extensa. Pero es preciso resumir, escoger, y me he limitado a mencionar algunas muy célebres, por su impacto en la sociedad.

 

COMENTA TUS DESFILES FAVORITOS

Espero que hayas disfrutado con la lectura de la Historia de los desfiles de moda de Charles Frederick Worth hasta hoy

Te invito también a comentar qué tipo de pasarelas prefieres, los grandes eventos en los que además de moda hay música, decoración, arquitectura, teatro, basados en un tema, con evocaciones operísticas, a la naturaleza, al circo…, o los pases privados con ese encanto de casa de modas de París, de exclusividad, a los que han vuelto casas como Carolina Herrera, Óscar de la Renta, y que también utilizan otros diseñadores de lujo como George Hobeika.

 

María Gondar para El blog de Cruz Costa Costura.

 

 

 

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